“Josefina y Julián. Diálogos en creación”: un encuentro entre teatro, danza, música y artes visuales

La inauguración será a las 19:00 e invitará a recorrer una exposición en la que cada artista conserva la singularidad de su propio lenguaje.

“No existe una única mirada ni una estética que pretenda uniformarlas: conviven búsquedas, sensibilidades, tonalidades e interpretaciones diferentes”, señaló la asociación, que lleva 79 años de historia.

Los artistas que serán parte de esta Expo Primavera 2026 son:

• Aída Ruiz
• Alba González
• Alejandro Borja
• Amalia Wagener
• Ana Pérez de Lim
• Any Cazzola
• Beatriz Ferreira
• Beatriz Holden
• Carla Ascarza
• Carmen Manchini
• Gloria Marecos
• Gloria Valle
• José Sequera
• Marta Caggiano
• Marthú Rodríguez Alcalá
• Nannina Galluppi
• Norma Annicchiarico
• Odila Benítez
• Osvaldina Servián
• Sandra Fiorio
• Silvia Torres
• Stella Martino
• Tomás Salinas
• Verónica Fernández

La muestra permanecerá abierta hasta el próximo 24 de septiembre y podrá ser visitada de lunes a sábados, de 10:00 a 18:00 en la Galería Agustín Barrios del CCPA (José Berges c/ Estados Unidos). El acceso es libre y gratuito.

Audición Fest y el ejercicio de escuchar sin prejuicios

La historia está inspirada en el imaginario cultural y se desarrolla bajo el concepto de “arte total”, una corriente artística surgida en Alemania que plantea la integración de diferentes disciplinas en una única experiencia estética. De acuerdo con la producción, “Sobre una cama de rosas” toma esta concepción como punto de partida para explorar las posibilidades de encuentro entre distintas expresiones artísticas dentro de una obra teatral.

La producción señala que la propuesta aborda las pasiones humanas, la espiritualidad y los interrogantes vinculados con la existencia. En palabras de su director, la esencia de la obra puede resumirse como “el duelo entre la pasión humana y el devoto divino”.

Enzo Szarán tiene 22 años y se desempeña como actor, dramaturgo y director teatral. Se formó en la Academia Artística Agustín Alezzo de Buenos Aires, donde fue becado por el maestro argentino Agustín Alezzo, y también es egresado del Taller Integral de Actuación (TIA) de Asunción. Como parte de su formación, trabajó junto a referentes como Rayam Mussi, Ariel Galeano, Tana Schémbori y Lucy Yegros.

En esta propuesta, Szarán también participa de la coreografía junto a Fiorella Gómez. El elenco está integrado por Fiorella Gómez, Josefina Elías, Mayda Santa Cruz, Leila Bobadilla, Pauli Pistilli, Rebeca Riveros, Lexie Baum y Franco Nicoletto. La producción general está a cargo de GC Producciones.

El estreno será el miércoles 23 de septiembre a las 20:00 en el Teatro Municipal Ignacio A. Pane, de Asunción. Entradas anticipadas a G. 50.000 hasta el 15 de agosto.

“Sobre una cama de rosas” fue seleccionada por el Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec) en la Convocatoria Nacional de Proyectos 2026.

Día de la Polca Paraguaya: una música que encontró su propia forma de sonar

La noche comenzó a desplegarse entre propuestas que parecían venir de lugares muy distintos. Camigo llevó al escenario las canciones de su disco “Como el último día”, entre ellas “Mirate vos”, que interpretó junto a Sabb Montes. Su presentación tuvo un componente marcadamente performático, con bailarines y elementos escenográficos que ampliaron las canciones hacia una puesta pensada para ser también mirada. Había una intención evidente de construir un universo alrededor de la música.

Después llegó Oudi, y el clima cambió de inmediato. El rapero salió acompañado por banda y coristas, pero también echó mano a pistas y recursos electrónicos para construir un show que se movió con naturalidad entre lo orgánico y lo programado. Recorrió canciones de “Cool kids never die” y “Club P4nguin” mientras el público respondía con saltos, baile y una energía que dejaba poco espacio para la contemplación. Allí la escucha se volvió física: se escuchaba con los oídos, pero también con el cuerpo.

Luego apareció Joaju Cuarteto que, con una propuesta siempre precisa, volvió a demostrar por qué el grupo ocupa un lugar destacado dentro del jazz paraguayo.

Con Flor Giménez como invitada, su voz tersa atravesó “Quisiera ser” y “Flores para José Asunción”, mientras el cuarteto llevaba a su territorio jazzístico otras piezas de la música paraguaya como “Coronel Martínez”, “Avy’a jave” e “India”.

Pero hubo algo significativo en que esa música apareciera en un festival construido sobre la idea de no escuchar con prejuicios. En otro contexto, quizás alguien habría pensado que ese repertorio pertenecía a otra noche, a otro público o a otro evento. En Audición Fest, esa separación perdió sentido y eso terminó siendo una de las mejores pruebas de la idea que sostenía al encuentro: que una persona podía pasar del rap al jazz y del jazz al punk sin tener que justificar sus gustos.

Ripe Banana Skins tomó después el escenario y puso en movimiento a prácticamente todo lo que encontró delante. Con más de dos décadas de historia dentro de la escena independiente paraguaya, la banda sonó compacta y potente en canciones como “Estar vivo” y “Dulsong”. Ska, punk, reggae y rock dejaron de ser etiquetas para convertirse en una sola cosa mucho más elemental: gente bailando.

Audición para la concentración

Pero la noche todavía guardaba su momento de mayor concentración. Doce años después de aquella primera y hasta entonces única visita a Paraguay, Juana Molina volvió al país. Esta vez llegó para presentar “DOGA”, su octavo álbum de estudio y el primero con nuevas composiciones en ocho años, un trabajo nacido de años de improvisaciones y construido alrededor de sintetizadores analógicos, loops, guitarras y una lógica sonora que se resiste a permanecer quieta.

Molina apareció junto al baterista Diego López de Arcaute y convirtió el escenario en otra dimensión. Lo impresionante no estuvo solamente en los sonidos que consiguió producir, sino en lo que esos sonidos hicieron con quienes estaban delante. Había algo hipnótico en la repetición, en esas capas que se acumulaban lentamente hasta dejar de parecer simples recursos musicales para convertirse en una especie de corriente que arrastraba al público.

Las canciones se construían delante de nosotros. Una guitarra podía quedar suspendida, una secuencia podía repetirse hasta cambiar de significado y una voz podía aparecer como si estuviera llegando desde otro lugar. La música de Molina no pedía tanto ser comprendida como ser atravesada, y el público pareció entenderlo, porque durante buena parte del concierto, la sensación fue la de estar colectivamente dentro de un trance, bailando sin demasiada necesidad de saber exactamente por qué.

Después de semejante descenso hacia el interior, Taichu devolvió la noche a otro tipo de intensidad. Su presentación combinó sensualidad, actitud y una estética deliberadamente provocadora en canciones como “Dnd estás”, “Baby spice”, “Weapon” y “Freak match”. Su propuesta, vinculada al trap, la electrónica y el pop, volvió a recordar que también la imagen, el cuerpo y la performance forman parte de cómo se escucha a una artista.

Y cuando parecía que ya se había atravesado suficiente música para una sola noche, Radio Bolivia se encargó del cierre. El proyecto liderado por Lucas We llevó la fiesta hacia los sonidos tropicales y convirtió el final en una suerte de desahogo colectivo. Después de pasar por tantos paisajes sonoros, la noche terminó donde tenía que terminar: bailando.

Un necesario ejercicio de atención

Mirada desde el final, la grilla de Audición Fest podía parecer un ejercicio improbable. Camigo, Oudi, Joaju Cuarteto, Ripe Banana Skins, Juana Molina, Taichu y Radio Bolivia no compartían necesariamente un sonido, una generación ni una escena. Compartían algo más interesante: la posibilidad de convivir en los oídos de una misma persona.

Y eso fue, finalmente, lo que hizo que el festival tuviera sentido. No se trató de demostrar que todos los géneros podían caber en un mismo escenario, sino de comprobar que tampoco tenían por qué excluirse entre sí. La noche funcionó como un ejercicio de atención y entrega.

Audición Fest fue así una invitación a poner los oídos al servicio de lo que estaba ocurriendo y dejar que las frecuencias hicieran su trabajo. Algunas hicieron bailar, otras hicieron mirar, otras llevaron al trance. Todas, de alguna manera, obligaron a escuchar.

Ojalá la experiencia vuelva a repetirse. Y, sobre todo, ojalá conserve esa pequeña provocación que estuvo en su origen: recordar que disfrutar de la música no debería exigirnos pertenecer a una tribu, defender una etiqueta ni elegir un solo camino. A veces alcanza con escuchar.

Fotografías gentileza de Erwin Bukaczek @erwinbuka.

La proyección se realizará en el Auditorio Paraná, sitio ubicado sobre Jorge Memmel y Mariscal Estigarribia, en el microcentro de la ciudad. Las entradas tienen un costo de G. 10.000, con descuentos de hasta el 50% para grupos escolares.

Las funciones se realizarán en los horarios de 8:30, 9:30 y 10:30 por la mañana; 14:00, 15:00 y 16:00 por la tarde; mientras que en la noche, 18:30 y 20:00.

El evento es abierto para todo el público. La docente Fany Madrazo indicó que el costo de la entrada es para costear el predio, que es alquilado.

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El mediometraje

Se trata de una obra realizada en el marco de un proyecto del Instituto de Formación Docente del CREE en el año 2005. Fue elaborada por Duo Producciones, escrita, producida y dirigida por Ariel Schönwald. Entretanto, el equipo de producción docente estuvo compuesto por Cristina Madrazo, María Alcaraz, Victoria Samolukievich, Rossana Casanello, Adela Giles, Rita Madrazo y Adela Gallinar.

La pieza tiene 30 minutos de duración y gira en torno a testimonios de dos pobladoras de la época, Petronila Duarte de Von Willer y Clara Franco. Al término de la proyección se pasan los recortes del backstage de la producción.

Madrazo indicó que “nunca dimensionamos el valor histórico que hoy tiene esta pieza”. Esto debido a que, aparte de retomar los testimonios, fue grabada en ese entonces en la antigua Villa Baja de la ciudad, sitio que en la actualidad se encuentra debajo del subembalse del río Paraná.

El mediometraje fue declarado de interés cultural en el año 2023 por la Gobernación de Itapúa y en 2024 por la Cámara de Diputados.

Día de la Polca Paraguaya: una música que encontró su propia forma de sonar

La obra no pretende reproducir “Las brujas de Salem”, sino establecer un diálogo con ella desde una perspectiva paraguaya y contemporánea. El yopará forma parte de la identidad de los personajes y de la propia dramaturgia, mientras que el conflicto se desplaza hacia fenómenos reconocibles en la vida cotidiana: el rumor, la sospecha, el señalamiento, la culpa y la búsqueda de un responsable frente al miedo colectivo.

En ese sentido, “Kurundú” también plantea un vínculo con el presente. La histeria colectiva que atraviesa el relato de Salem encuentra un paralelo en las redes sociales, donde una acusación puede propagarse rápidamente y derivar en juicios o cancelaciones públicas. La obra pone así en escena un mecanismo que, pese al cambio de época y de herramientas, conserva su capacidad de señalar, juzgar y condenar.

El elenco está integrado por Ángel Romero, Aracely Garay, Daihana Sanabria, Derlis Troche, Fabiana Gavilán, Jeanine Llanes, Julián Galacho, Liz Oliveira, Lorena González, Marcela Lamas, Myriam Lucía, Nicole Vega, Osmar Toñanez, Romy López, Susana Morales, Nazarena Zena y Víctor Duarte.

Las funciones serán el lunes 15 y martes 16 de septiembre en el Teatro de las Américas del CCPA. Las entradas anticipadas cuestan G. 50.000 y en puerta tendrán un precio de G. 70.000. Para informes y reservas está disponible el número (0971) 779-017.

“Heroicos” llega al Teatro Municipal

La memoria cultural paraguaya será, en tanto, el centro de “Heroicos” (215 años de una patriótica historia), propuesta de la Compañía Teatral Roque Sánchez–Graciela Pastor que subirá a escena en el marco del Ciclo Primavera Teatral, iniciativa del Teatro Municipal de Asunción.

Escrita y dirigida por Alberto Sánchez Pastor, la obra recorre momentos fundamentales de la historia del Paraguay y rinde homenaje a figuras que dejaron una huella en la creación artística del país. Entre ellas aparecen Manuel Ortiz Guerrero, Julio Correa, Agustín Pío Barrios, José Asunción Flores, Herminio Giménez, Félix Fernández, Emiliano R. Fernández y Luis Alberto del Paraná, junto a otros protagonistas de la cultura nacional.

“Heroicos” tendrá dos jornadas de funciones en el Teatro Municipal Ignacio A. Pane. La primera será este martes 15 de septiembre, a las 09:00 y 14:00, y la segunda está prevista para el martes 22 de septiembre, en los mismos horarios. El acceso es gratuito.

El cantante y compositor argentino se presentará el sábado 19 de septiembre en el Arena Asunción, en el marco del Te Sigo Amando Tour, la gira que lo ha llevado por distintos escenarios de Argentina y Latinoamérica.

“Hay dos discos nuevos, hay más canciones, ha pasado mucha música en este tiempo. Pero volver a reencontrarme con el público de Paraguay me tiene muy , pero muy entusiasmado, así que no veo la hora que llegue el 19 de septiembre”, señaló.

Los dos álbumes a los que hizo referencia son: “Te sigo amando”, que da nombre a esta gira y que fue lanzado el pasado 28 de mayo con 10 canciones; y “Ahora las bailamos”, que llegó a las plataformas el 27 de agosto con versiones en cumbia, cuarteto y guaracha de sus grandes éxitos.

“Son canciones que forman parte de mi historia musical, que tienen ya muchos años, pero el hecho de hacerlas ahora en una nueva versión junto a los chicos de Un poco de Ruido, es como que a estas canciones le vuelve a dar un olorcito a nuevo una vez más”, comentó en alusión al álbum “Ahora las bailamos”.

Pereyra sostuvo que siempre ha escuchado canciones que otros artistas han tomado y han hecho en diferentes versiones.

“Los tiempos de Dios son perfectos. Reacciono a una canción que se llama ‘Si no es muy tarde’ junto a Ezequiel y La Clave, y los chicos de Un poco de ruido. Me invitan a su programa de streaming, la cantamos juntos y digo ‘bueno, por qué no empezamos y la grabamos a la canción’. Eso llevó a que la pasamos tan bien a que terminamos grabando un disco entero”, detalló.

El artista, oriundo de la ciudad de Luján, afirmó que se sintió tan contento porque, a la par de hacer este álbum que reúne versiones bailables de ‘Perdóname’, ‘Me enamoré de ti’, ‘Seré’, ‘Porque aún te amo’ y otros temas; estaba trabajando en el álbum ‘Te sigo amando’.

“Fue un año de mucha música, de muchas canciones, de muchos viajes, y obviamente para mí no podía estar Paraguay fuera de esta gira, de este tour”, indicó.

Luciano Pereyra y un homenaje musical a su madre en el álbum ‘Te sigo amando’

En relación a ‘Te sigo amando’, Luciano recordó las colaboraciones que tuvo de artistas como David Bisbal, Emanero y Silvestre Dangond. Entre las canciones de este disco también incluyó una versión en chamamé de ‘Mi primer amor’, el tema que le dedicó a su madre Ángela Gutkoski.

Al consultarle sobre esa versión, Pereyra recordó que tiene “un poco de sangre paraguaya” y que su mamá es oriunda de Santo Pipó, una localidad de la provincia argentina de Misiones.

“Mis vacaciones en la infancia siempre eran en Misiones y siempre cruzarnos al Paraguay. Y la versión de esta canción en chamamé para mí es muy especial porque es también un poco el ritmo de la tierra de mi madre, ese ritmo que también a mí me llega al corazón porque he aprendido a, a conocerlo y a escucharlo”, afirmó.

Agregó que “en homenaje a mi madre y a todas las madres quise hacer esta versión de la canción que se llama ‘Mi primer amor’”.

El artista, que comenzó su carrera a finales de la década del ‘90 como una joven figura emergente del folclore argentino, reconoció que en su trayectoria se ha abocado más a estilos como la zamba y la chacarera.

“Siempre fui como para ese lado que siempre me llamó la atención. Pero el chamamé siempre estuvo presente en mi vida. Imaginate que desde chico, toda la vida, escuchando la música del litoral”, señaló.

En este sentido, afirmó que su papá es de Entre Ríos, que también forma parte de la región litoral, por lo que “todo ese cordón de Mesopotamia musical siempre estuvo incorporado” en él.

“Siempre quise acercarme al chamamé porque me parece uno de los géneros más lindos que tenemos en nuestro folclore”, acotó.

¿Qué prepara Luciano Pereyra para su concierto en Paraguay?

“Vamos a tirar el venue por la ventana, porque vamos a cantar las baladas de siempre, vamos a cantar las canciones de siempre y presentando las canciones de este disco ‘Te sigo amando’ y obviamente haciendo las versiones en cumbia para que nadie se quede sentado”, anticipó Luciano, en relación al show de este sábado.

“La pasaremos bailando toda la noche”, agregó el artista, cuyo repertorio incluye éxitos de toda su carrera como ‘El vestido rojo’ y ‘Como tú’.

A lo largo de su carrera, Pereyra ha incursionado en distintos géneros musicales y el disco ‘Te sigo amando’ no ha sido la excepción ya que incluye baladas, cuarteto y vallenato.

Para el artista si bien son géneros distintos a la hora de interpretarlos, no resultan tan diversos al momento de escucharlos. “Es música que uno viene escuchando hace muchos años”, aseguró.

En este sentido, recordó la “playlist de discos de vinilo” de su padre con álbumes de Mercedes Sosa, Horacio Guarany, Los Chalchaleros, Frank Sinatra, Los Beatles, Dyango y otros.

“Hay un montón de artistas que forman parte de la música con la que me he criado y he escuchado toda la vida. Por ahí es algo nuevo incursionar al hacerla, por eso llamas para un vallenato a Silvestre Dangond, en el cuarteto con los chicos de La Konga, de Q’ lokura o de Euge Quevedo”, detalló.

Amplió señalando que para él la música en general, que hoy hace como músico, es parte de la música con la que se ha criado y lo ha nutrido musicalmente para poder trasladarla a sus discos.

El desafío musical que aún tiene pendiente en sus casi 30 años de carrera

Hablando de la diversidad de estilos y de propuestas que ha abarcado en sus casi 30 años de carrera musical, Luciano Pereyra señaló cuáles serían los desafíos que aún tiene pendientes.

“Hay un montón de géneros. No sé si me veo cantando heavy metal o punk en inglés. Pero quizás tal vez en otro idioma incursionar en alguna canción”, indicó.

El cantante, que en el año 2019 lanzó un álbum con versiones sinfónicas de sus canciones, afirmó que sí le gustaría en algún momento hacer algo con una big band. “Pero por ahora estoy muy contento con todo lo que vengo haciendo”, subrayó.

Finalmente invitó al público a ser parte de este show, en el que también celebrará anticipadamente su cumpleaños, que es el 21 de septiembre.

“Van a ser momentos muy lindos de compartir, toda nuestra historia musical. Los espero este 19 de septiembre a toda la gente, que ahí nos podamos encontrar”, concluyó.

Entradas para ver a Luciano Pereyra en el Arena Asunción: precios y sectores

Las entradas para el show de Luciano Pereyra en el Arena Asunción (Avda. Eusebio Ayala c/ Pasaje Tembetary) siguen a la venta a través de Tuti. Los precios y sectores son:

• Platea: G. 220.000
• Preferencia Norte: G. 300.000
• VIP Bronce: G. 420.000
• VIP Plata: G. 500.000
• VIP Oro: G. 600.000
• VIP Platino: G. 800.000

Las entradas para los sectores Primera Fila, Segunda Fila, Palcos y Preferencias Sur ya están agotadas. Como artista invitado del show estará Alam Cañete.

Wolverine (martes 15)

Insomniac Games, el estudio creador de Spyro the Dragon, Ratchet & Clank y los recientes juegos de Spider-Man de PlayStation, prueban suerte con otro icónico superhéroe de Marvel Comics: el mutante Wolverine, en una historia original en la que Logan trabaja con un equipo de icónicos aliados, entre ellos Jean Grey y Mystique, para traer a la luz un complot sobre el secuestro de mutantes mientras busca respuestas sobre su propio pasado.

RuneScape: DragonWilds, lanzamiento completo (martes 15)

Sale de ‘early access’ y lanza su versión completa este spin-off del juego multijugador en línea RuneScape, que toma el formato de un juego de supervivencia cooperativo en línea en el que hasta cuatro jugadores pueden hacer equipo y abrirse paso con magia y espadas por un mundo de fantasía.

Train Sim World 7 (martes 15)

La nueva entrega de la popular serie de simuladores ferroviarios Train Sim World incorpora no solo nuevas locomotoras, sino también nuevos escenarios del mundo real de Florida, Alemania o el Reino Unido.

Fright Train (martes 15)

Un ‘roguelite’ de terror en el que el jugador encarna a un perro antropomórfico que debe sobrevivir en un tren repleto de monstruos mientras atraviesa los gélidos páramos de la Antártida.

Aniimo (martes 15)

Un juego de rol y acción en mundo abierto con mecánicas similares a la saga Pokémon, en el que el jugador toma el rol de un aventurero que debe explorar el mundo acompañado por criaturas mágicas que debe recolectar y con las que se puede fusionar.

Patlabor: The Case Files (miércoles 16)

Un juego de acción que adapta la emblemática serie de manga y anime Mobile Police Patlabor, que trascurre en un mundo en que los robots gigantes se han vuelto de uso común para la policía, que los utiliza para enfrentar organizaciones criminales y complots terroristas.

Monowave (miércoles 16)

Un título de plataformas en 2D centrado en el poder de las emociones, en el que un espíritu guardián debe recorrer un mundo místico y resolver distintos acertijos para proteger a las cuatro principales emociones que gobiernan el mundo.

Woodo (miércoles 16)

Un relajante juego de aventuras y acertijos para todo público que trascurre en un mundo de animales presentado con dioramas y personajes hechos a mano con madera.

Fire Emblem: Fortune’s Weave (jueves 17)

La nueva entrega de la venerada serie de juegos de rol de combate táctico Fire Emblem, una de las sagas más icónicas de Nintendo, permite al jugador elegir entre cuatro protagonistas, cada uno con su propia historia, que deben competir por un codiciado premio mágico.

Concrete Burial (jueves 17)

Un juego de acción y terror en primera persona con estética 3D retro que pone al jugador en la piel de una guerrera armada con una pistola que utiliza su propia sangre como munición, con la que debe explorar siniestras catacumbas en busca de cuatro artefactos de origen divino.

Sniper Dan (jueves 17)

Un peculiar juego de rompecabezas y deducción en el que el jugador debe ayudar a los habitantes de un colorido pueblo con distintos problemas utilizando un rifle de francotirador.

The Walking Dead: Streets of Survival (viernes 18)

Un ‘beat ‘em up’ en 2D al estilo clásico basado en la serie televisiva The Walking Dead, que permite al jugador controlar a personajes como Rick, Daryl, Michonne o Negan para abrirse paso a golpes entre hordas de zombis.

Paperhead (viernes 18)

Un frenético juego de acción en primera persona en el que el jugador se abre paso a tiros por un oscuro mundo hecho de cartón.

Después de haber recaudado 270 millones de dólares con La hora de la desaparición e incluso haber logrado un Óscar a mejor actriz de reparto gracias a la actuación de Amy Madigan, Cregger decidió “tocar la puerta” de Sony Pictures y hacer la película que a él le gustaría como “aficionado del terror y los videojuegos”.

En Resident Evil, Bryan (Austin Abrams), un mensajero médico, tiene que llevar un órgano de última hora a Raccoon City, aunque por el camino descubrirá que algunas personas no actúan con normalidad y atacan y son violentas incluso después de estar muertas.

Mundo apocalíptico

En los videojuegos, el apocalipsis zombi se desata después de que la empresa farmacéutica Umbrella comienza a experimentar con armas biológicas que terminan esparciéndose por la sociedad, una situación que para Cregger no está tan lejos de nuestro mundo actual.

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“Esta idea de una empresa tecnológica que provoca un brote porque intenta ganar dinero y lo arruina todo está ocurriendo ahora mismo. Creo que todos estamos viviendo en un mundo que está siendo destruido por personas por dinero, y nadie pidió que esto ocurriera; simplemente tenemos que lidiar con ello”, denuncia Cregger, de 45 años.

En medio de ese mundo egoísta, un personaje como Bryan es una excepción, según señala el actor Austin Abrams, ya que cualquier otra persona en un apocalipsis zombi en el que peligra su vida habría desistido de tratar de ayudar a los demás.

“Podría olvidarse de todo y decir: ‘No voy a hacerlo. Voy a preocuparme solamente por mí mismo’. Pero no lo hace; siente que necesita entregar ese órgano para ayudar a quienquiera que esté ahí afuera y lo necesite”, argumenta el actor, de 30 años.

Aun así, los dos artistas bromean con que todavía prefieren el mundo real al universo de Resident Evil.

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“Ahora mismo estamos sentados en el mundo real y parece que todo está bien. Simplemente no te conectes a internet y todo se vuelve mucho más sencillo”, reconoce Cregger, entre risas.

Nuevo desafío

A pesar de las críticas que han recibido las últimas entregas por parte de los fans de Resident Evil, una saga que ha vendido más de 200 millones de copias, Cregger aceptó el desafío de la que considera su película más “grande e importante” en su carrera como cineasta.

“Es una película muy desafiante para mí. Estoy utilizando ciertas cosas que he hecho en otras películas, pero hubo desafíos a los que nunca antes me había enfrentado (...) La escala de la película es muchísimo mayor que la de mis otras cintas”, desarrolla el también director de Bárbaro (2022).

Para Abrams y Cregger, el éxito de sus películas reside en “simplemente hacer lo que te gusta”, pues “esa es la mejor oportunidad para que también le guste a otras personas”, en este caso con la nueva y esperada adaptación de Resident Evil.

Estos trabajos están acompañados por estudios arqueológicos, estructurales y de conservación que permiten profundizar el conocimiento del edificio y fundamentar técnicamente cada decisión.

Más que reparar un edificio histórico, la intervención del templo San Buenaventura avanza hacia su restauración con el objetivo de recuperar su esplendor y preservar sus valores arquitectónicos y patrimoniales. Los trabajos incluyen investigaciones arqueológicas y estructurales.

La primera etapa de intervención, principalmente de la sacristía, culminaría entre diciembre de 2026 y enero de 2027. El horizonte de la restauración integral se prevé para marzo de 2028.

La restauración busca recuperar las huellas materiales del edificio y reconstruir, con evidencia científica, la historia de uno de los principales testimonios del patrimonio de Yaguarón.

El responsable de la Dirección de Obra, arquitecto Marcos Pointis, explicó que el proceso avanza de manera progresiva hacia los demás sectores del templo, con el objetivo de alcanzar la restauración integral de la sacristía y el antepresbiterio.

El proyecto se ejecuta mediante una estructura de tres niveles operativos: directivo, técnico y de alta calificación especializada. Uno de los aspectos más destacados es la existencia de un fuerte componente local.

Hallazgos inéditos

En el marco de la restauración, las investigaciones arqueológicas y arqueo-arquitectónicas permitieron obtener nueva información sobre la configuración de los pilares de madera y sus sistemas de fundación.

Las excavaciones y exploraciones controladas también ayudaron a identificar diferentes etapas constructivas e intervenciones posteriores.

Los trabajos permitieron recuperar y documentar materiales y evidencias arqueológicas que actualmente son clasificados y resguardados para su posterior estudio. A esto se suman prospecciones geofísicas mediante georradar, una herramienta que permite orientar las investigaciones y detectar posibles evidencias sin realizar inicialmente intervenciones invasivas.

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Uno de los hallazgos más relevantes es la identificación de huellas inéditas en la bóveda de la sacristía.

La arqueóloga Victoria Roca explicó que, durante la intervención, se encontraron marcas, números y esgrafiados en estructuras de madera que evidencian el sistema de encastre utilizado en la construcción original del templo.

Estos registros permiten reconstruir las técnicas empleadas en la época y orientar con mayor precisión los trabajos de conservación. “Los trabajos no solo recuperan el edificio, sino que también ayudan a reconstruir fragmentos olvidados de la historia”, señaló.

Por su parte, la arquitecta conservacionista del Programa Tekorenda, Silvia Rey, indicó que entre las marcas identificadas figuran firmas con apellidos de origen indígena, como “Xuxi”. Este hallazgo abre nuevas pistas sobre los actores que participaron en la edificación del templo o en intervenciones posteriores.

Equipo multidisciplinario

La restauración del templo San Buenaventura está a cargo de un equipo multidisciplinario e interinstitucional, integrado por especialistas en conservación y restauración, arquitectura, arqueología y estructuras.

Entre los principales responsables técnicos se encuentran la Dra. María José Diez, coordinadora técnica de la restauración de la sacristía y de los bienes muebles e integrados en el marco de la restauración integral; la Arq. Shelby Paz, coordinadora de las intervenciones arquitectónicas; y la Dra. María Victoria Roca, coordinadora del componente arqueológico.

Por parte de la Secretaría Nacional de Cultura, el Programa Tekorenda acompaña y supervisa integralmente el proceso. El programa está coordinado por la Lic. Cynthia Melgarejo; el Eje de Intervención está a cargo de la Arq. Silvia Rey; la Dirección de Obra es ejercida por el Arq. Marcos Pointis; y el acompañamiento especializado en arqueología está a cargo de la Lic. Mirtha Alfonso.

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Patrimonio mundial

El templo de San Buenaventura de Yaguarón forma parte, desde 2022, de la Lista Iniciativa de Paraguay para Patrimonio Mundial, cuya postulación fue inscrita ante la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco).

Esta condición implica no solo la restauración del monumento, sino también la implementación de un plan integral de gestión para su preservación y la protección de su entorno.

La obra, con una inversión de G. 7.500 millones, fue adjudicada a la empresa Conardi S.A. (OCA), representada por el arquitecto Luis Godoy.

Historia del templo

El Templo San Buenaventura de Yaguarón es una de las principales expresiones del barroco guaraní y un testimonio de la presencia franciscana en el Paraguay.

La construcción del actual templo se inició hacia 1755 y concluyó en 1772, según registros de la Secretaría Nacional de Cultura. Su interior conserva una destacada riqueza artística en madera, con retablos, esculturas y otros elementos vinculados al trabajo de artistas europeos e indígenas formados por los franciscanos.

El retablo mayor fue elaborado bajo la dirección del tallista portugués José de Souza Cavadas, con participación de artesanos indígenas de la doctrina de Yaguarón.

“Josefina y Julián. Diálogos en creación”: un encuentro entre teatro, danza, música y artes visuales

“Según mis estudios ya hay señales en la época de la colonia. Tiene que ver mucho con la fusión de la música española que llegó, principalmente, donde ya hay señales de lo que sería el origen de nuestra polca paraguaya”, explica Szarán, en conversación con ABC Color.

A ese proceso se sumó, durante el siglo XIX, la llegada de la polca europea, una danza surgida en Bohemia, región de Europa central, que alcanzó una amplia difusión internacional. En Paraguay, su nombre terminó asociado a una música que adquirió características propias.

“El problema es que tiene ese nombre genérico europeo, no se adoptó un nuevo nombre”, señala Szarán. La denominación permaneció, pero el desarrollo musical tomó otro camino.

Una polca distinta

Una de las principales diferencias está en el ritmo. Mientras la polca europea se construye sobre una base binaria, la polca paraguaya combina ritmos binarios y ternarios, generando una particular complejidad rítmica.

“Hay una expresión que se usa que es el sincopado paraguayo, que es lo que le hace diferente de la zamba, de la cueca, de la chacarera y de otras”, explica Szarán.

El director describe esa característica como una combinación en la que “la polirritmia va en tres tiempos y la melodía claramente en dos”, a lo que se suman síncopas, anticipaciones y acentos particulares.

En sus apuntes para una nueva edición de su Diccionario de la música del Paraguay, Szarán desarrolla esta idea y señala que la superposición de un acompañamiento de carácter ternario y una melodía binaria produce una síncopa permanente. Es, para él, una de las marcas que permiten identificar musicalmente al género.

También encuentra particularidades en su construcción armónica. Según sus estudios, algunas progresiones y formas de acompañamiento presentan similitudes con prácticas musicales de las misiones jesuíticas y de la época colonial. No se trata, sin embargo, de reducir el origen de la polca a una sola tradición, sino de entenderla como resultado de distintas capas culturales.

Una polca de muchas formas

Esa riqueza rítmica también permite que la polca paraguaya se exprese de maneras diferentes. Szarán habla de “muchas variantes” y explica que algunas se distinguen especialmente por el ritmo y el carácter.

La polca kyre’ỹ, por ejemplo, tiene un carácter “alegre y animoso”, mientras que la polca syryry presenta un movimiento más moderado, aunque conserva su condición bailable. La polca popó es más ligera y graciosa, vinculada a los saltos que realizan los bailarines; la polca saraki suele ser rápida y principalmente instrumental, y la polca yekutu recibe su nombre de una forma de marcar el paso en el lugar, como si se clavaran los pies sobre el suelo.

Otra expresión es la galopa, asociada a una mayor intensidad rítmica y especialmente a la interpretación de bandas. “Cuando tiene más énfasis, se remarcan los bajos, las bordonas, por ejemplo, en el caso del arpa”, explica Szarán para referirse a cómo los diferentes acentos y formas de acompañamiento también contribuyen a generar estas variantes.

Con el paso del tiempo aparecieron además expresiones más cercanas a la música popular contemporánea. Szarán menciona la polca jahe’o, vinculada a textos y cantos sobre el desamor, el abandono, la tristeza y la nostalgia, y también la polca electrónica, emparentada con estilos de la música tropical que alcanzaron gran popularidad.

Dentro de ese universo, la polca canción ocupa un lugar particular. Se trata de una forma más lenta y próxima al canto, hasta el punto de que Szarán señala su cercanía con la guarania.

La transformación de la polca también tiene nombres propios. A lo largo del siglo XX, compositores como Herminio Giménez, Mauricio Cardozo Ocampo, Félix Pérez Cardozo, Agustín Barboza y Eladio Martínez, junto a poetas y autores como Emiliano R. Fernández, contribuyeron a ampliar el repertorio popular. La música paraguaya también encontró grandes intérpretes y difusores internacionales, entre ellos Luis Alberto del Paraná, cuya trayectoria con Los Paraguayos llevó estas canciones a escenarios de numerosos países.

La lengua y el mestizaje

Cuando se habla de la polca paraguaya, también aparece con frecuencia la idea de una supuesta raíz indígena. Szarán propone hacer una distinción.

“Hay una de las confusiones con respecto a la polca, que es sobre su supuesto origen indígena”, sostiene. Según explica, las expresiones musicales indígenas de la región presentan, en general, estructuras diferentes a las de la polca paraguaya, por lo que considera más apropiado hablar de una fuerte presencia del idioma guaraní y de la cultura que de una influencia musical indígena directa sobre su estructura.

La lengua, además, tuvo que adaptarse a las formas de la poesía de tradición española. “En el caso de la polca se tuvo que someter la expresión gráfica guaraní a la dictadura de las formas clásicas de la poesía, de la métrica de la poesía española”, apunta Szarán.

Todo esto forma parte, para el musicólogo, de un proceso más amplio de mestizaje. “La fusión de las culturas entre los europeos y los nativos” se manifestó también en la cocina, la forma de vestir, las costumbres y las expresiones artísticas. La música fue parte de esa misma transformación.

Szarán recuerda además la explicación del musicólogo Juan Max Boettner sobre el proceso de apropiación de las danzas europeas. Según ese relato, mientras las clases populares observaban desde las ventanas las contradanzas, mazurcas y otros bailes de salón introducidos por los europeos, luego llevaban esas formas a las plazas y las reproducían “a su manera”, incorporándoles su propia sensibilidad, movimientos y formas de bailar. “Se fusionan los ritmos de las danzas vecinas”, resume Szarán.

Así, la polca paraguaya fue tomando una identidad propia a partir de múltiples elementos. Un nombre europeo quedó asociado a una música que encontró en Paraguay otras formas de ritmo, de canto, de poesía y de baile.

Más de un siglo después de aquellas primeras referencias a la polca en el país, el género continúa presente en la música popular paraguaya, con variantes que van desde las formas tradicionales hasta expresiones contemporáneas. Su historia no responde a un único momento de nacimiento ni a una única influencia, sino a un proceso en el que distintas músicas y culturas fueron encontrando una forma propia de sonar en Paraguay.

El festival se desarrollará durante tres jornadas. El jueves 15 y viernes 16 de octubre, desde las 19:00, las actividades tendrán lugar en el patio del Hotel Danubio, mientras que el sábado 17, también desde las 19:00, la jornada final se realizará en Thunder Eventos.

La organización está a cargo de la Sociedad Cultural de Coronel Oviedo, con el apoyo del Instituto Nacional del Audiovisual Paraguayo (INAP). El encuentro busca nuevamente convertirse en un espacio para la exhibición y reconocimiento de producciones audiovisuales de Paraguay y otros países.

Dos décadas de historia

Esta edición tiene un significado especial para la organización, ya que el festival cumple 20 años de trayectoria. Durante estas dos décadas, la convocatoria logró una importante participación internacional.

Según los datos proporcionados por la Sociedad Cultural, a lo largo de estos años fueron recibidos más de 2.800 cortometrajes provenientes de 79 países de los cinco continentes, convirtiendo al festival en un punto de encuentro para realizadores audiovisuales de diferentes partes del mundo.

Inscripciones hasta el 18 de setiembre

Los interesados en participar todavía tienen tiempo para presentar sus trabajos. El plazo de inscripción vence el 18 de setiembre, y las postulaciones de la categoría nacional, así como las producciones internacionales, deberán ser remitidas al correo fest.audiovisual.inter.sc@gmail.com.

La temática de los trabajos será libre. Para las producciones de ficción se establece una duración mínima de 3 minutos y máxima de 12 minutos, mientras que las obras de animación deberán tener entre 1 y 20 minutos de duración.

Uno de los requisitos establecidos por la organización es que todos los materiales deberán contar con subtítulos en español. La participación en el festival será totalmente gratuita.

Reconocimientos en varias categorías

En la categoría nacional, los trabajos competirán por diferentes reconocimientos otorgados por un jurado. Entre las categorías previstas figuran Mejor Cortometraje de Ficción, Documental, Animación, Estudiantil de Audiovisual y Juvenil.

También se otorgarán premios al Mejor Director, Mejor Guion y Mejor Guion Juvenil, además de reconocimientos en interpretación, como Mejor Actor, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actuación Juvenil.

El apartado técnico contempla premios para Mejor Fotografía, Mejor Edición de Imagen y Mejor Sonido, completando las principales categorías de esta nueva edición del festival.

Con la convocatoria ya abierta y el plazo de inscripción próximo a finalizar, la Sociedad Cultural de Coronel Oviedo invita a realizadores nacionales e internacionales a formar parte de esta edición, que marcará dos décadas de trayectoria de un encuentro que ya recibió miles de trabajos procedentes de distintos países del mundo.

El Teatro Municipal vuelve a contar su historia con Dramatour

“Josefina y Julián. Diálogos en creación” es la nueva puesta de la Compañía de Arte del Instituto Superior de Bellas Artes (ISBA), con dramaturgia y dirección de escena de Mario Santander.

La obra plantea un encuentro poético entre Josefina Plá y Julián de la Herrería, en el que el diálogo artístico y sentimental funciona como punto de partida para reflexionar sobre la creación, la memoria y la permanencia del legado cultural paraguayo.

La propuesta articula distintos lenguajes escénicos. Teatro, danza, música y artes visuales confluyen para construir un espacio en el que las sensibilidades y obras de ambos artistas dialogan con el presente, más allá de una reconstrucción estrictamente biográfica.

En este sentido, “Josefina y Julián. Diálogos en creación” propone acercarse al acto creativo y a la manera en que una obra puede permanecer a través del tiempo. El legado aparece así vinculado con la resistencia y la transmisión: aquello que continúa vivo mediante las obras, las ideas, los vínculos y las nuevas generaciones que vuelven a entrar en contacto con ellas.

La puesta busca, desde una mirada contemporánea, recuperar los universos de dos referentes esenciales de la cultura paraguaya y ponerlos en relación mediante diferentes disciplinas artísticas. La dirección escénica y dramaturgia corresponden a Mario Santander, mientras que las coreografías están a cargo de Judith Moreno y Edith Correa.

La propuesta musical incluye dos composiciones originales de Josué Guillén y Osvaldo Loup, bajo la dirección artística de María Victoria Sosa. De esta manera, la creación escénica se construye como un diálogo entre diferentes expresiones, retomando las figuras de Plá y de la Herrería desde una perspectiva que busca acercarlas nuevamente al público.

“Josefina y Julián. Diálogos en creación” se presentará el lunes 14 de septiembre, a las 20:00, en el Teatro Municipal “Ignacio A. Pane”. El acceso será libre y gratuito.

El desenlace tendrá lugar mañana lunes en la 78º edición de los premios que se celebran en el teatro Peacock de Los Ángeles a partir de las 17:00 hora local (22:00 en Paraguay).

El proyecto lidera también la carrera en la categoría de mejor serie de comedia contra Abbott Elementary, El Oso, Margot tiene problemas de dinero, Nobody Wants This, Only Murders in the Building, Shrinking y Hacks, la más nominada de este año con 24 candidaturas y la principal amenaza para arrebatarle el premio, según los pronósticos de la prensa especializada.

Por su parte, The Pitt, la serie protagonizada por Noah Wyle, parece tener el camino despejado para consagrarse de nuevo como el mejor proyecto de drama, una lucha en la que también se encuentran y The Diplomat, The Gilded Age, Un caballero de los Siete Reinos, Paradise, Caballos lentos, Your Friends and Neighbors y Pluribus, su mayor rival.

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En el apartado de miniseries, la pugna se muestra reñida entre los especialistas de Hollywood, en la que Bronca y DTF St. Louis se disputan el podio de una quiniela que completan los títulos All Her Fault, The Beast in Me y Love Story.

En una edición con apenas presencia hispana, Oscar Isaac, como el gran favorito para alzarse con su primer Emmy a mejor actor por su aclamado papel en la miniserie de Netflix Bronca, y el colombiano Carlos-Manuel Vesga emergen como la principal representación latinoamericana.

Junto a Isaac se encuentran Riz Ahmed (Bait), Jason Bateman (Black Rabbit), Charlie Hunnam (Monstruo: La historia de Ed Gein) y Matthew Rhys (The Beast in Me).

Por su parte, Vesga, pese a presentar pocas posibilidades en la contienda a mejor actor de reparto por el drama Pluribus de Apple TV, medios como Variety califican su actuación como una de las sorpresas de la temporada y señalan que merece ganar.

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Mayor consenso encuentra la prensa especializada en Noah Wyle, quien salvo sorpresa volverá a alzarse con el galardón a mejor actor por la segunda temporada de The Pitt, mientras que para el apartado de comedia, Hollywood parece inclinarse hacia Matthew Rhys, por Widow’s Bay.

También parece haber acuerdo en los apartados a mejor actriz, con Jean Smart (Hacks) a la cabeza en comedia, Rhea Seehorn, por Pluribus, en drama y Carey Mulligan en la categoría de miniserie (Bronca).

De lograrlo, Smart se convertiría en la primera intérprete femenina en alzarse con un Emmy a mejor actriz por cada temporada de Hacks.

Más allá de los fenómenos televisivos, los Emmy también miden el pulso de las grandes plataformas de contenidos en línea, con Apple TV como la más galardonada de la edición por el momento, con 19 premios, mientras que HBO Max ostenta 16 y Netflix, 13 en esta reñida contienda.

La curiosidad es uno de los motores de su trabajo. Investigar, descubrir y después transformar ese conocimiento en movimiento, música, vestuario y puesta en escena.

Su intención también es escapar de los lugares comunes. “El folclore de Paraguay es riquísimo”, sostiene, convencida de que todavía hay muchas historias, danzas y costumbres por descubrir y llevar a escena.

El espectáculo recorrerá expresiones como la fiesta patronal de San Francisco Solano, en Minas, Emboscada, con el Guaikuru Ñemonde; la Semana Santa paraguaya, con sus cantos y momentos de profunda religiosidad, y la peregrinación a Caacupé, con sus promeseros, familias, carretas y caminantes.

Pero detrás de ese gran despliegue existe una historia mucho más íntima. Sussy reconoce que hubo momentos en los que pensó en detenerse.

Montar un espectáculo implica afrontar costos, pagar a los bailarines, contratar un teatro y sostener un equipo técnico.

El cansancio, la falta de apoyo y algunas dificultades llegaron a hacerla dudar. Sin embargo, una conversación terminó siendo determinante. Tras ver Ciento por ciento Paraguay, en 2024, monseñor Claudio Giménez le dijo: “Usted tiene que seguir haciendo. Esta es una misión que usted tiene”, recordó la directora del Ballet Mimbipa.

Las palabras quedaron dando vueltas. Aunque en 2025 decidió no realizar el espectáculo, finalmente volvió a ponerse en marcha.

Y así nació esta nueva oportunidad que, según Sussy, también tiene una responsabilidad con el arte. “Al público tenemos que presentarle lo mejor que tenemos”, afirma.

Esa exigencia también aplica en el cuidado puesto en cada detalle. El Ballet Mimbipa incorporará una pantalla LED, pero estará al servicio de la expresión artística.

“El arte eleva, la música eleva”, dice Sussy, convencida de que la experiencia de ver danza en vivo tiene una fuerza que ninguna pantalla puede reemplazar.

El recorrido culminará con Resurgirá PY, una mirada simbólica a la historia de una nación que atravesó momentos difíciles y que, una y otra vez, encontró fuerzas para levantarse.

Es también el punto en el que la historia colectiva se encuentra con una reflexión personal. “El amor a la patria es dar todo lo que yo puedo dar como ciudadana paraguaya”, expresa, porque para ella ese amor no consiste solamente en sentirse orgulloso del país, sino en aportar desde el lugar que cada uno ocupa.

Y ese aporte, en su caso, lleva más de medio siglo de danza. Detrás de cada bailarín que saldrá al escenario hay generaciones de artistas, docentes, técnicos y colaboradores que hicieron posible que el Ballet Mimbipa recorriera escenarios nacionales e internacionales llevando consigo las expresiones de nuestra cultura.

Por eso, Caminos de Fe tiene también algo de celebración y de agradecimiento. Es el reencuentro de una compañía con su público, pero sobre todo el resultado de una decisión personal: seguir.

Sussy lo resume en una frase que parece sencilla, pero que después de 57 años adquiere otro significado: “Nos merecemos lo mejor”.

Y eso es lo que el Ballet Mimbipa se propone entregar: una noche para emocionarse, recordar, descubrir y volver a mirar nuestras raíces a través de la danza.

Una historia de fe que vuelve a contarse sobre un escenario.

Caminos de Fe

Las funciones serán el sábado 19 de septiembre, a las 20:30, y el domingo 20, a las 19:30, en el Teatro “José Asunción Flores” del Banco Central del Paraguay.

Las entradas cuestan G. 150.000 y están disponibles por Ticketea.

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Para el guionista y actor, el reto siempre es consolidar lo logrado sin desecharlo todo, pero también aprender de los desafíos que les planteó la primera temporada. Afirma que, para esta segunda temporada, además quería tener un planteamiento más amplio y un ritmo más rápido.

“Me gusta que tenga más dinamismo. Y creo que eso es precisamente lo que hemos conseguido en la segunda temporada”, añade.

Bookish está ambientada en Londres de 1946, apenas finalizada la Segunda Guerra Mundial. Gabriel Book es un excéntrico y erudito librero capaz de encontrar entre sus miles de libros las claves para resolver los crímenes más desconcertantes.

En esta segunda temporada, Book también deberá enfrentar algunos desafíos relacionados con su vida personal. Está casado con Trottie (Polly Walker), su mejor amiga desde la infancia, en un matrimonio que le permite ocultar su homosexualidad en una Inglaterra donde las relaciones entre hombres todavía eran ilegales. La aparición del coronel Reggie Winter (Rupert Graves) pondrá a prueba este vínculo.

El rol de actuar su propio texto y la libertad de improvisar en el set

Gatiss asegura sentirse muy bien actuando en algo que él mismo escribió, algo que hace desde sus inicios en The League of Gentlemen. “Es muy liberador, en el sentido que puedo ir cambiando algunas líneas a medida que voy interpretando. A veces me doy cuenta de que el texto que aprendí es distinto al que escribí”, comenta.

Añade que constantemente se da cuenta de que hay algún hueco en la trama que puede llenar con algunas líneas. “Eso es muy útil y muy, muy práctico”, acota.

Gatiss recordó que en la primera temporada, cuando estaban haciendo las audiciones para los personajes de Jack (Connor Finch) y Nora (Buket Kömür), estaba leyendo las líneas de Gabriel Book y le dijo a la directora Carolina Giametta que no sabía cómo iba a interpretar este rol.

“Ahora, después de terminar de rodar el especial de Navidad, me siento muy cómodo con el personaje. Al principio resulta bastante desconcertante, es como ponerse el vestuario. Empezás a trabajar en cuál sería su voz, qué es lo que mejor le queda. Ahora me encuentro en un buen momento con él”, detalla.

Comenta que también, a veces, reescribe las escenas en el set para otros personajes. “Es algo puramente práctico. A veces cambian las locaciones, o algo sale mal, o te das cuenta de que las cosas no son exactamente como te las habías imaginado. Así que tenés que adaptarte a la situación. Y la verdad… me alegra ceder mis líneas de diálogo, sobre todo si son difíciles de memorizarlas. A veces se las doy a otros personajes”, comenta entre risas.

Agrega que quizás para la tercera temporada delegue algunas líneas, ya que en el espíritu de la democracia suele involucrar a tanta gente como sea posible, pero luego están sentados tres días con una sola frase, mientras él con su personaje habla, habla y habla.

Si Gabriel Book tuviera que escoger un libro de su tienda ¿cuál sería? Esta pregunta le trasladamos a Gatiss, quien afirmó que nunca había pensado en eso ni para responder como él mismo.

“Es un lector tan voraz, que creo que nada le sería suficiente (...) Creo que se llevaría ‘La Ilíada’ original en griego y un libro de cómo aprender griego antiguo. Sí, eso es probablemente lo que haría”, señala.

Entre el olor del papel y el Kindle: La pasión lectora del creador de Bookish

Al igual que Book, Gatiss también es un apasionado por la lectura. “Lo que verdaderamente revolucionó mi lectura es el Kindle. Aunque parezca contradictorio, me resulta muy conveniente. Me encantan los libros, por supuesto, me encanta la naturaleza táctil de un libro, sobre todo si es antiguo. Me encanta el olor de los libros. También me gusta tener un libro nuevo, no hay nada como eso”, indica.

Pero agrega que el Kindle le resulta muy cómodo, ya que apenas termina uno le sugiere otro que cuesta una libra o algo así. “He descubierto historias de detectives poco conocidas y cosas muy interesantes gracias a él. Me encanta que esté diseñado precisamente así. Lo bueno es que no ha desplazado a los libros de verdad”, remarca.

También destaca que, cuando va de vacaciones, gracias a este dispositivo digital puede llevar con él toda la biblioteca del mundo en el espacio que ocupa un libro, por lo cual es mucho más fácil de empacar.

Gatiss señala que a la hora de buscar inspiración para la serie, no la encuentra tanto en las noticias, pero sí en la investigación histórica, que saca a la luz cosas curiosas.

“Hace años leí un libro titulado The People’s War, de Angus Calder, que es una especie de historia divulgativa de la Segunda Guerra Mundial, pero está repleto de detalles insólitos, cosas que cuesta creer. Me fascina descubrir ese tipo de cosas y, a menudo, sirven de inspiración para una historia. Al menos así ha sido hasta ahora”, refiere.

“Dicho esto, también podría ver algo en las noticias de hoy que encaje en un contexto histórico; así que nunca digas nunca”, acota.

El panorama de la industria y las telenovelas como escuela de guion

Como guionista, Mark Gatiss también ha escrito para la reconocida serie Doctor Who y ha ganado un premio Bafta y un Emmy por Sherlock, la aclamada serie protagonizada por Benedict Cumberbatch y Martin Freeman, donde también interpretó a Mycroft Holmes.

En tanto, su filmografía como actor incluye otros títulos como Misión Imposible: Sentencia final, El padre, Game of Thrones, entre otros.

Gatiss afirma que sería difícil hoy recomendar un libro a alguien que le gustaría empezar a escribir guiones para televisión y cine, ya que “el panorama está cambiando constantemente, la revolución digital es tan grande y las oportunidades para escribir están disminuyendo”.

No obstante, el actor y guionista destaca la producción de telenovelas que hay en Latinoamérica, recordando un viaje que hizo a Brasil hace unos diez años.

“Nosotros hacemos Bookish en Bélgica y allí también se producen telenovelas. Víctor, quien hace de mi chofer en el show, escribe para ellas, ha escrito decenas y decenas de episodios.

“Creo que esa es la mejor vía de acceso, porque probablemente aprendas más en un año allí que en cinco años en cualquier otro sitio; al fin y al cabo, es una máquina de crear historias, ¿verdad? Tienes que estar ideando cosas constantemente. Creo que si tienes la suerte de entrar en una telenovela, es el mejor aprendizaje que puedes tener”, remarca.

¿Cuándo y dónde ver el estreno de Bookish temporada 2?

Finalmente, Gatiss invitó a ver esta segunda temporada de Bookish, mientras se prepara para grabar la tercera temporada. Los seis episodios se emitirán los jueves a las 22:00 (hora de Paraguay), a partir de este 17 de septiembre por Film & Arts.

Béla Tarr, maestro del tiempo

No es un secreto que el esplendor de la Berlinale –con dorados Osos para titanes como Bergman, Clouzot, Costa Gavras, De Sica, Saura, Godard, Pasolini, Fassbinder…– está lejos. Los críticos llevan décadas hablando de la decadencia de la Berlinale. Décadas, por cierto, de generosidad de la Berlinale con Latinoamérica –Osos de Oro para la brasileña Tropa de élite (2008) y la peruana La teta asustada (2009), Osos de Plata para la guatemalteca Ixcanul (2015), la paraguaya Las herederas (2018) y la dominicana Pepe (2024), and so on…–. Es inevitable que las ambiciones personales de los artistas –sobre todo– de las «periferias» hagan irresistible para ellos participar en la Berlinale. Pero hace al menos dos años que tal participación ha dejado de ser, para decirlo de una manera suave, un motivo legítimo de orgullo.

Todos sabemos que el gobierno que financia la Berlinale es el mismo gobierno que cofinancia el genocidio en curso en Palestina, pero los que a pesar de eso acuden a la Berlinale son de una raza especial: la de quienes, sabiéndolo, fingen que no lo saben, se mienten a sí mismos, denuncian otros abusos y otros crímenes cometidos en otros países y otras épocas mientras son aplaudidos y se aplauden, distraen y se distraen: «Miren allá», dicen, «y allá, y allá», apuntando a todas partes menos a la que tienen prohibido mencionar.

Horas antes del futuro

Hace dos años, el palestino Basel Adra y el israelí Yuval Abraham subieron a recibir sus premios por el documental No Other Land (2024) al escenario de la Berlinale, y desde allí pidieron al gobierno alemán que dejara de enviar armas a Israel. El alcalde de Berlín los llamó antisemitas, el senador de cultura de Berlín los acusó de difundir propaganda antiisraelí y el ministro de Justicia insinuó consecuencias legales. Ya en su tierra, el codirector Hamdan Ballal fue golpeado brutalmente por colonos israelíes. Llevado de urgencia al hospital, el ejército israelí interceptó la ambulancia, lo secuestró y lo tuvo maniatado en el suelo con soldados pateándolo un día entero (1). Poco después, colonos israelíes asesinaron a tiros al palestino Odeh Hadalin, colaborador del documental (2). Hollywood y Berlín emitieron escuetos comunicados antes de olvidarlos para siempre. «Ya les dimos sus óscares y sus osos; ahora véanselas ustedes solos».

Hoy termina la Berlinale, que empezó hace diez días con el presidente del jurado, Wim Wenders, diciendo en rueda de prensa que los cineastas deben estar «al margen de la política». «Nosotros somos el contrapeso de la política, lo contrario de la política» (3) sostuvo en ese lugar donde hace dos años había dicho: «La Berlinale ha sido tradicionalmente el más político de los grandes festivales, y no va a dejar de serlo ahora, y no lo hará en el futuro» (4).

Jonathan Glazer y el Oscar: como pandorga en tornado

Cuando la escritora Arundhati Roy, que iba a presentar en la Berlinale una película de la que es guionista, escuchó eso, canceló su participación en el festival (5). La Cinematheque de El Cairo canceló la proyección de The dislocation of Amber, de Hussein Shariffe, y Sad Song of Touha, de Atteyat Al Abnoudy, y se retiró de la Berlinale en solidaridad con Palestina. Días después, en la gala de Cine por la Paz en Berlín, Kaouther Ben Hania rechazó el premio a su documental La voz de Hind Rajab (2025), que narra el terror de los últimos momentos de vida de una niña palestina asesinada por el Ejército de Israel en 2024 a los cinco años de edad. Entre las polémicas por el silencio selectivo de la Berlinale, ese festival de cine (políticamente) mudo, la cineasta tunecina, como días antes Arundhati Roy, se negó a sumarse a la cobardía generalizada (6).

Los demás fingieron que no sabían lo que sabemos todos y se dedicaron a impulsar sus carreras en la Berlinale. Circuló una carta abierta; firmarla, gesto mucho menos valiente que los de Roy y Ben Hania, permitió a algunos lavarse las manos a precio módico, sin dejar de participar y hasta ayudando a mejorar la imagen de la Berlinale, que así aparece tolerante, inclusiva y diversa.

Juego sucio: el boicot contra Hanna K. (1983), de Costa-Gavras

Mejora con la que muchos se prestan a colaborar. Los cineastas Mohammed Alomda y Amjad Abu Alala cancelaron su participación en la Berlinale cuando la embajada alemana les negó la visa por «riesgo migratorio» y, en vez de apoyarlos, la dirección del festival les ofreció participar por videoconferencia. ¿Se levantaron sus colegas en solidaridad con ellos y contra el racismo institucional? Por lo visto, no, ya que nuestra patriótica prensa no tardó en celebrar la charla de los paraguayos en el mismo Berlinale Co-Production Market del que los sudaneses, ofendidos, se retiraron (7).

Ah, la vieja y querida Berlinale… que cuando el cineasta hongkonés Jun Li fue investigado por expresar solidaridad con Palestina, cooperó con la policía; que denunció ante la policía a uno de sus empleados (un joven inmigrante que, debido a la denuncia, perdió su permiso de residencia) por escribir «Desde el río hasta el mar» en un correo electrónico interno; que apoyó por motivos políticos a los cineastas iraníes y ucranianos y se volvió apolítica con los cineastas palestinos… Esa Berlinale cuya complicidad con un gobierno cada vez más fascista es inocultable y en la que Film Workers for Palestine y Strike Germany llevan años pidiendo a los artistas que se nieguen a participar. Porque… ¿qué podría pasar si el boicot tuviera éxito? ¿Si la deserción fuera masiva, si la Berlinale tuviera que tomar partido, si dejara de recibir las grandes sumas de dinero que recibe del gobierno, si no se pudiera seguir realizando? Exacto: eso tendría un impacto enorme.

La historia de Rachel Corrie

Enorme. Pero hay muy pocas personas como Arundhati Roy y Kaouther Ben Hania en este mundo. Así que la mayoría sigue aceptando la invitación a legitimar con su presencia la Berlinale. Como quienes estos diez días han brillado de felicidad al sentirse más cerca de sus pequeños sueños de fama y gloria mientras el codirector palestino de No Other Land Hamdan Ballal y su familia eran atacados brutalmente una vez más por colonos israelíes armados en su casa de la aldea cisjordana de Susiya (8).

Notas

(1) Cineasta palestino ganador del Óscar dice que ataque de colonos israelíes buscaba matarle, ABC Color, 25/03/2025.

(2) Activista palestino asesinado por un colono israelí en Masafer Yatta grabó su muerte, ABC Color, 10/08/2025.

(3) Wenders: “Nosotros somos el contrapeso de la política. Somos lo contrario de la política”, ABC Color, 12/02/2026.

(4) La Berlinale, alfombra roja política sin complejos, ABC, 16/02/2024.

(5) Arundhati Roy no asistirá a la Berlinale por la falta de crítica al genocidio de Gaza, ABC Color, 13/02/2026.

(6) Cineasta rechaza premio en Berlín en protesta por el genocidio en Gaza, ABC Color, 20/02/2026.

(7) Acclaimed Sudanese filmmakers pull out of Berlinale Co-Pro Market after visa rejection over “migration risk”, ScreenDaily, 14/02/2026.

(8) Palestino ganador del Óscar denuncia que colonos atacan a su familia para castigarlo a él, ABC Color, 17/02/2026.

*Montserrat Álvarez es poeta. Dirige actualmente El Suplemento Cultural y también escribe en él. Estudió Filosofía en la Universidad de Zaragoza (España), la Universidad Católica (Perú) y el Instituto de Estudios Humanísticos y Filosóficos (Paraguay). El artista Armando Andrade Tudela le dedicó recientemente la exposición Montserrat en Carreras Mugica, la mayor galería de arte del País Vasco, España. Su libro más reciente es Nómade, publicado en Buenos Aires en 2023.