Entre música, cine y feria, el FESTIFERÓ regresa este fin de semana

El encuentro se llevará a cabo en torno a la muestra Arte en Residencia, que reúne 40 obras de diversos artistas en diálogo con los espacios de la residencia, apuntando a resignificar el arte en los espacios domésticos.

La “Tarde de color” será una actividad para mirar, trazar y habitar el color, principalmente dirigida a estudiantes, arquitectos, diseñadores, ilustradores o aficionados, sin importar el nivel de experiencia, pero con muchas ganas de dibujar.

La actividad será de acceso gratuito, pero requiere de una inscripción previa a través del formulario disponible en el enlace https://url-shortener.me/JH13+. Los cupos son limitados.

Arte en Residencia es una propuesta conjunta entre la Embajada de España en Paraguay y la Fundación Texo para el arte contemporáneo. Las obras que integran la muestra son parte de la colección Nasta y entre ellas hay trabajos de destacados artistas paraguayos como Cira Moscarda, Ricardo Migliorisi, Edith Jiménez, Félix Toranzos y Bernardo Krasniansky.

Según destaca el texto curatorial, la muestra Arte en Residencia busca “tender puentes: entre instituciones, entre artistas y espectadores, entre lo privado y lo público”.

Juan Bürgin ofrecerá dos nuevos talleres de teatro en el Instituto Cultural Paraguayo Alemán

Este taller, según detalló Silva, está concebido “como un espacio donde experimentar, imaginar, abordar textos, escenas, así como también compartir técnicas y experiencias en el proceso de creación del personaje”.

Indicó además que en las clases se abordarán temas como la relajación del actor, el análisis del texto, la imaginación del intérprete, el análisis del personaje a llevar a escena, y la práctica escénica.

Los encuentros se llevarán a cabo todos los lunes, de 18:30 a 20:45. El costo mensual es de G. 250.000. Las inscripciones se realizan al correo electrónico lamiradatraining@gmail.com.

Dirección: John Patton Ford

Guion: John Patton Ford

Elenco: Glen Powell, Margaret Qualley, Jessica Henwick

Calificación: Apta mayores de 16 años

Duración: 105 minutos

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Horarios por cine

Asunción y Central

• Itaú Cinema Pop del Sol: 22:30 (Subtitulada).
• Cinemark Paseo La Galería: 19:15 y 21:50 (Subtitulada).
• Cines Itaú Hiperseis: 17:20 y 21:40 (Castellano); 13:00, 15:10 y 19:30 (Subtitulada).
• Cines Itaú Pinedo: 13:15, 15:10, 17:20 y 19:30 (Castellano); 21:40 (Subtitulada).
• Cine Villamorra: 15:00, 19:15 y 21:20 (Castellano).
• Cine Multiplaza: 13:30, 18:00 y 22:15 (Castellano).
• Cine Fuente (San Lorenzo): 13:15, 16:00 y 20:00 (Castellano).
• Itaú Cinema Pop (Mariano R. Alonso): 18:20 y 20:30 (Castellano).
• Itaú Cinema Pop (San Lorenzo): 18:20 y 20:30 (Castellano).
• Itaú Cinema Pop Cerroalto (Lambaré): 21:00 (Subtitulada).
• Itaú Cinema Pop (Itauguá): 16:20 y 21:30 (Subtitulada).

Ciudad del Este

• Cinemark Lago Shopping: 22:00 (Subtitulada).
• Cine Plaza: 21:00 (Castellano).
• Cineart: 21:15 (Castellano).
• Cine Zone: 21:00 (Subtitulada).

Otras localidades

• Cineart (Caaguazú): 21:00 (Castellano).
• Cine Las Hortensias (Pilar): 20:00 (Castellano).
• Cinex (Pedro Juan Caballero): 16:35 (Castellano).

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Horarios por cine

Cines Itaú Cinemapop del Sol:

• 3D (Castellano): 13:30*; 14:30; 15:30; 16:30; 17:30; 18:30; 19:30; 20:30.
• Matinal (Sáb. y Dom.): 11:00*.

Cinemark (Paseo La Galería):

Cinemark Paseo La Galería

• 3D + Premier (Doblada): 14:00, 16:00, 16:30, 18:30, 19:00 y 21:00.
• 3D + XD + DBOX (Doblada): 14:30, 17:00, 19:30 y 22:00.
• 2D (Doblada): 14:45, 17:15 y 19:45.
• 2D + Premier (Subtitulada): 15:00, 17:30, 20:00 y 22:30.
• 2D + DBOX (Doblada): 15:30, 18:00, 20:30 y 23:00.
• 3D + DBOX (Subtitulada): 21:30.

Cines Itaú Hiperseis:

3D (Castellano): (*)13:15 – 14:15 – 15:15 – 16:15 – 17:15 – 18:15 – 19:15 – 20:15 – 21:15 Hs.

Cines Villamorra:

• 3D (Castellano): *12:30 – 13:30 – 14:30 – 15:30 – 16:30 – 17:30 – 18:30 – 19:30 – 20:30 – 22:30 hs.
• 3D (Subtitulada): 21:30 hs.

Cines Multiplaza:

• 3D (Castellano): *12:45 – 13:45 – 14:45 – 15:45 – 16:45 – 17:45 – 18:45 – 19:45 – 20:45 – 22:45 hs.
• 3D (Subtitulada): 21:45 hs.

Cines Itaú Cinemapop Cerroalto:

• 3D (Castellano): 13:15*; 14:15; 15:15; 16:15; 17:15; 18:15; 19:15; 20:15; 21:15.
• Matinal (Sáb. y Dom.): 11:00*.

*Corresponde a funciones con precio reducido según las condiciones de cada cine.

“Narciso”, de Marcelo Martinessi, se exhibe en Uruguay antes de su estreno en Paraguay

El documentalista y ensayista brasileño también ofrecerá el miércoles 15 de abril una clase magistral gratuita, abierta para todo público, en el marco del seminario-taller “Atravesar los ríos”.

En este encuentro, que también será a las 18:30 en el Centro Cultural del Puerto, hablará acerca de cómo percibe la especificidad del documental en relación al cine de ficción.

“Una oportunidad única para escuchar en vivo a una de las voces más influyentes de la región”, destacaron los responsables de esta actividad organizada por Silencio Cine y presentada por la Fundación Itaú, con el apoyo de la Secretaría Nacional de Cultura.

En el documental “Mi tierra extranjera”, se retrata la experiencia de un padre y su hija, miembros de una etnia indígena Suruí de la Amazonía, en relación a las comicios presidenciales del año 2022, que para muchos brasileños significó hacer una elección entre la democracia y el autoritarismo.

El cacique Almir y su hija, la joven activista Txai Suruí, son seguidos a lo largo de la campaña en el mes anterior a las votaciones. Mientras Txai viaja al extranjero para crear conciencia acerca de la destrucción de la selva amazónica, Almir realiza su campaña en a través del estado de Rondônia, buscando apoyo para su candidatura al congreso.

El documental fue realizado en colaboración por João Moreira Salles, Louise Botkay y el colectivo Lakapoy, un grupo activista de cineastas de Rondônia. Mientras Botkay y el colectivo Lakapoy siguieron a Almir, Moreira Salles se encargó de retratar a Txai Suruí.

La película ha participado de varios festivales como el IDFA en Ámsterdam, Países Bajos; el Sanfic de Santiago de Chile, el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba; y el Festival do Rio, de Río de Janeiro, Brasil.

João Moreira Salles es considerado uno de los principales documentalistas del vecino país. Comenzó en 1985 como guionista de una serie documental para televisión. En su filmografía se destacan “Noticias de una guerra particular” (1999), co-dirigido con Kátia Lund; “Nelson Freire” (2003) y “No intenso agora” (2017).

Formados por Samuel “Samy” Bermúdez (voz), Facundo Orrego (bajo y producción), Kevin Martínez (batería) y David Acevedo (guitarra y voz), el grupo aterriza en Paraguay en un momento crucial: con su primer disco “Groove y Sapucay” ya terminado y una identidad consolidada, buscan expandir su sonido y su mensaje más allá del noreste argentino.

Donde todo empezó a tomar forma

Antes de convertirse en una banda con nombre propio, Negroovs fue una serie de cruces, de coincidencias sostenidas en el tiempo hasta volverse inevitables. No hubo una fundación clara ni un momento de declaración formal: hubo contexto: pandemia, y hubo, sobre todo, una red previa de vínculos que encontró en el encierro una forma distinta de organizarse.

Samy lo sitúa ahí, en ese punto de partida difuso pero determinante: más que un inicio, lo que ocurrió fue una intensificación. Él y Facu ya venían trabajando como sesionistas dentro del circuito de la música del noreste argentino, ocupando ese lugar silencioso pero fundamental de quienes construyen sonido para otros. Ese ejercicio, más técnico que autoral en principio, fue también el espacio donde empezaron a medir tiempos y reconocer afinidades.

El salto ocurre cuando esa lógica de trabajo se desplaza hacia algo más propio. La invitación de Juanchi Langelotti al proyecto Yhip Chaco —una especie de ensamblaje colectivo que conectaba músicos de distintas localidades— funcionó como catalizador. No solo porque le dio a Samy un espacio para cantar sus canciones, sino porque le permitió tomar una decisión clave: convocar a quienes ya venían orbitando su proceso. Ahí, en ese gesto casi intuitivo, empieza a aparecer una idea de grupo. Las canciones dejan de ser individuales en su construcción y empiezan a abrirse, a transformarse en algo compartido. Lo que hasta ese momento era colaboración se convierte en lenguaje común.

Facu ubica ese pasaje hacia comienzos de 2022, cuando Negroovs empieza a tomar forma como proyecto identificable. Pero lo interesante es que esa consolidación no se da hacia adentro, sino en simultáneo con una expansión hacia afuera. A la par de las primeras canciones, aparecen espacios como la Jam de Negroovs o la Fiesta Negroovera, que funcionan menos como plataformas de exhibición y más como dispositivos de comunidad. En un contexto como el del NEA, donde las escenas suelen sostenerse desde la autogestión y la cercanía, esos espacios no son accesorios: son estructurales. Permiten circular, encontrarse, probar. Y también posicionarse dentro de una red más amplia de artistas que comparten condiciones similares.

Gracias a esos vínculos, Negroovs empieza a girar por Chaco y Corrientes, y también a cruzar por primera vez hacia Paraguay. Es un crecimiento progresivo, sin salto brusco, pero sostenido. “Hoy el proyecto nos encuentra mutando”, dice Facu, y la palabra no es casual: mutación implica proceso, adaptación, cambio constante. No hay una identidad fija que defender, sino una en construcción permanente.

Ese mismo principio atraviesa el inicio de su primer disco. Si la banda se gestó en el flujo, la grabación también. La fecha, sin embargo, quedó marcada con precisión: 19 de diciembre de 2022. El día después de la consagración mundial de Argentina. El contraste entre la euforia colectiva y el retiro hacia una casa en las afueras de Resistencia tiene algo de gesto simbólico, aunque ellos no lo enuncien de esa manera. Se aislaron, rodeados de verde, para empezar a trabajar sobre algo que hasta entonces no tenía forma definitiva. Venían tocando canciones propias, algunas de David, otras de Samy, incluso versiones. Pero ese momento inaugura otra etapa: la de pensar un relato.

Samy insiste en ese punto: la narrativa lírica, el lugar de donde vienen, la necesidad de decir desde ahí. No es una preocupación posterior ni decorativa; aparece desde el inicio del proceso. Y sin embargo, lo que parecía un comienzo acotado se transforma en un recorrido largo, atravesado por todo lo que queda fuera de la música. Tres años para un disco de nueve canciones no es solo una cuestión de perfeccionismo: es la evidencia de una realidad donde la creación convive con la vida en su forma más concreta.

Facu lo baja a tierra sin romantizarlo: en el medio pasaron cosas. Fue padre. Hubo trabajos, shows, tiempos que no coincidían. La expectativa inicial —terminar el disco en un par de meses— choca rápidamente con esa dinámica. Y ahí aparece otro aprendizaje, menos visible pero más determinante: el de sostener el vínculo. Las discusiones, las tensiones, incluso el desgaste, forman parte del proceso tanto como las canciones. “Estiradas de pelo”, dice, pero necesarias. Porque en ese roce se construye algo que después se vuelve soporte.

Lo que emerge de ahí no es solo un disco, sino una forma de funcionamiento. Una lógica interna donde la confianza deja de ser un supuesto y pasa a ser una práctica. “Si sucede algo, sabemos que el otro va a estar”, dice Facu, y en esa frase hay una síntesis del proyecto. Más allá de las dificultades externas —la falta de financiamiento, los espacios limitados, la autogestión constante— lo que sostiene a Negroovs es una estructura afectiva que se traduce en lo artístico.

Y quizá ahí está una de las claves para entenderlos: antes que una banda que hace música, son un grupo que encontró en la música una forma de organizarse, de decir y de resistir juntos.

Nombrarse también es tomar posición

Si el primer movimiento de Negroovs fue encontrarse, el segundo —más complejo, más consciente— fue nombrarse. No solo como banda, sino como identidad. Y en ese proceso, el lenguaje aparece como una clave de lectura.

La palabra “ñeri”, que en otras geografías podría pasar desapercibida o incluso resultar extraña, en su universo funciona como una marca de pertenencia. No es solo una forma de decir “amigo”: es una manera de entender el vínculo, de construir cercanía e incluso de reconocerse. Cuando se les menciona ese gesto, Samy lo lleva directamente al corazón de su propuesta: “Nuestras canciones son bastante chaqueñas, con un sentido de pertenencia e identidad que se profundiza cuando conocemos otros lugares”.

No hay, en esa afirmación, una idea de raíz estática. Al contrario: la identidad se construye en movimiento, en contraste, en el reflejo con otros. “Al verte reflejado en personas de otras culturas o provincias vas construyendo esa identidad”, dice. Y ahí aparece una tensión interesante: cuanto más circulan, más se afirman. “Somos chaqueños, llevamos la bandera del Chaco y queremos ir a Paraguay a contarles qué pasa en nuestra tierra”.

Ese “contar” no es menor, ya que implica una intención narrativa, casi documental. Negroovs no busca únicamente producir canciones que funcionen en términos sonoros, sino también construir un discurso. “No queremos solamente sonar bien, sino tener en claro qué queremos comunicar”, insiste Samy. Y en ese sentido, el lenguaje —las palabras, los códigos, las formas de nombrar— se vuelven parte del sonido.

Esa misma lógica se traslada al nombre de la banda, que condensa en una sola palabra buena parte de su universo conceptual. Negroovs no es un hallazgo casual ni un juego fonético vacío. Es, como explica Facu, una síntesis cargada de sentido: “El nombre lo trajo Samy… el primer show fue ‘Samy y Negroovs’, después se consolidó como uno solo”. Ese pasaje —de un proyecto más individual a una identidad colectiva— también queda inscrito en el nombre.

Pero hay más. “Habla de eso: ‘negros’ con ‘groove’”, dice Facu, y en esa unión aparece una doble operación. Por un lado, una reapropiación de una palabra históricamente cargada, llevada a un lugar de pertenencia y cercanía. Por otro, la incorporación de un concepto musical —el groove— que remite a algo más difícil de traducir: el pulso, el ritmo interno, la forma en que la música se mueve y hace mover. “Es el reflejo de que somos cuatro personas, ‘cuatro negritos’, nos decimos nosotros, que intentan vivir con la música y para la música”.

Facu amplía el concepto hacia algo más existencial: “Sobre todo el groove… saber moverse dentro de este tempo que es la vida; a veces podés ir más rápido o más lento”. El nombre deja de ser una etiqueta y se convierte en una forma de posicionarse frente al tiempo y frente al proceso.

Samy retoma esa idea desde otro ángulo. Reconoce que no trabajan desde una lógica bilingüe ni desde la apropiación directa del inglés en sus letras, pero encuentra en “groove” una palabra que funciona casi como un lenguaje universal: “Nos parece universal, como el jazz, algo que tiene que ver con la identidad musical”. Y vuelve sobre la definición, ahora compartida: “Como dice Facu: cuatro negritos con groove. Es una declaración, una búsqueda… no porque nos adueñemos de esa bandera, sino como una visión”.

Ahí aparece la capa profunda de la conciencia, de lo que implica nombrarse de esa manera en un contexto donde las discusiones sobre identidad, raza y lenguaje están lejos de ser neutrales. Lejos de esquivar esa tensión, la asumen desde la reafirmación, no como provocación, sino como posicionamiento.

Y es en ese punto donde el cruce con Paraguay cobra otra dimensión justamente como territorio de circulación e incluso más: como espejo cultural. “Las veces que fuimos a Paraguay vimos ese espejo social y te das cuenta de que somos casi iguales”, dice Samy. “La cercanía que sucede en la cultura y el arte nos acerca un montón y construye esa identidad de mestizos”.

La palabra “mestizos” aparece entonces como algo que atraviesa fronteras sin necesidad de explicarse demasiado. En ese marco, la identidad de Negroovs deja de ser exclusivamente chaqueña para volverse también regional, incluso transfronteriza. Pero sin diluir su origen. “Nosotros decimos que somos de todos lados un poco, pero más somos del Chaco”, remata Samy.

Cuando el paisaje empieza a sonar

Hay algo en el modo en que describen el inicio de “Groove y Sapucay” que revela esa relación casi orgánica entre entorno y sonido, como si la música se produjera en diálogo constante con lo que la rodea.

Facu lo recuerda desde una escena concreta, mínima, pero reveladora: “Cuando empezamos el disco en esa casa, estábamos armando las baterías de ‘Chicharra’… y era inevitable salir de tocar, tomar un tereré y escuchar a las chicharras de fondo”. No hay metáfora ahí ya que el sonido está literalmente presente, marcando el pulso. Lo que en otro contexto podría pensarse como ruido, acá se convierte en materia prima.

Ese gesto, aparentemente menor, condensa una forma de trabajar: no imponer una idea sobre la música, sino dejar que la música se nutra de lo que ocurre alrededor. Y en ese proceso, lo biográfico y lo cultural empiezan a entrelazarse. Porque si bien el paisaje aporta una capa, no es la única. Cada integrante llega con su propio archivo sonoro, con recorridos que no siempre coinciden pero que, al encontrarse, generan algo nuevo.

“Los cuatro tenemos otros proyectos”, explica Facu, y ahí empieza a desplegarse ese mapa de influencias que atraviesa el disco: “Samy hace folclore con La Huella Chaqueña, yo he tocado cumbia, rock, chamamé. Eso inherentemente va a estar reflejado en un arreglo o un riff”, dice.

Ese cruce se vuelve especialmente evidente en canciones como “Chaconativa”, donde conviven elementos que, en otro marco, podrían parecer incompatibles. Facu lo describe sin rodeos: “El folclore está presente pero mezclado con trap, música electrónica y sintetizadores abrasivos”. No hay voluntad de pureza, ni de fidelidad a una tradición entendida de forma rígida. Lo que hay es una lógica de convivencia, donde lo ancestral y lo contemporáneo no se anulan, sino que se potencian.

Esa misma idea se traslada a la dimensión visual. “En la puesta en escena nos gusta reflejar eso hasta en la vestimenta”, añade. Así el concepto no se agota en el sonido, sino que se expande volviéndose cuerpo, imagen y presencia. “Nuestro disco trae lo viejo, nuestras raíces, y lo fusiona con lo que escuchamos hoy”, afirman.

Samy retoma ese punto desde una dimensión más conceptual, vinculando directamente el disco con la idea de herencia. “Lo conceptualizamos como lo que recibimos”, dice, y en esa formulación aparece la clave: la música como transmisión. “Venimos de familias folclóricas que tocan chamamé o chacarera; también acá hay muy buena cumbia tropical”. Esa primera socialización musical no es elegida: es el punto de partida. Lo que viene después —el hip hop, el jazz, el funk— se suma para generar un diálogo que lo reconfigura todo.

“La unión sucede de manera casi milagrosa”, reconoce, aunque inmediatamente introduce una decisión consciente: “Decidimos darle mucha identidad porque refleja quiénes somos”.

Ese relato encuentra su forma en la estructura del disco, dividido en tres capítulos que no responden únicamente a criterios sonoros, sino también narrativos. Samy los describe como si fueran momentos de un mismo proceso: “El primero tiene un sonido más orgánico y busca que la identidad chaqueña esté en la narrativa”. Ahí aparecen canciones como “Chicharra”, “Chaconativa” o “Luthieri”, en las que el anclaje territorial es más explícito.

El segundo capítulo desplaza el foco: “es más electrónico, hay trap y funky; las letras hablan de vivencias individuales de cada uno”. La identidad ya no se construye tanto desde el lugar de origen, sino desde la experiencia personal, desde lo que cada uno atraviesa. Hay una apertura, una expansión hacia otros registros.

Y finalmente, el tercer capítulo funciona como cierre, pero no en términos de conclusión, sino de síntesis: “cierra esas dos facetas: la tradición y la búsqueda moderna”.

Lo que sí aparece con claridad es el peso del proceso. Porque más allá de la coherencia conceptual o la riqueza sonora, el disco está atravesado por las condiciones en las que fue hecho. Samy lo menciona con precisión: “Fue un proceso largo porque necesitamos trabajar mucho para financiar este disco de manera independiente”.

“No es momento de ser tibios”

Si en los primeros años Negroovs fue intuición, encuentro y búsqueda, el presente los encuentra en otra instancia: la de la conciencia. Hay una diferencia entre hacer música y entender lo que implica sostener un proyecto en el tiempo, y en ese tránsito aparece una palabra que atraviesa todo lo que dicen: crecimiento.

“En el proceso siempre vivimos cambios, millones, no solo desde lo grupal, sino por la experiencia personal fuera del grupo que aporta un montón. Valorás otras cosas”, dice Facu. Lo que cambia no es solo cómo suenan, sino cómo se escuchan entre ellos. La comunicación —ese terreno invisible que muchas veces define el destino de una banda— aparece como el verdadero punto de inflexión: “Somos amigos, pero al empezar a trabajar en la música surgen distintos conceptos. Encontrar el punto medio nos llevó por encuentros, desencuentros, llantos y abrazos”.

Así el grupo no se sostiene a pesar de lo que pasa, sino a través de eso. “El grupo acompañó el duelo personal de cada uno y eso nos moldeó”, dice, y en esa frase revela que el proyecto siente a la música como espacio, pero también como contención. Hoy, agrega, “el proyecto es algo más serio y consciente; nos aprendemos a comunicar mejor, a decir lo que nos pasa sabiendo que el grupo va a estar”.

Ese pasaje hacia una mayor conciencia también se traduce en estructura. Samy lo define como un proceso de profesionalización que no implica perder esencia, sino ampliar alcance: “Empezamos siendo cuatro y hoy tenemos un equipo de 15 personas trabajando. Todo nace de ese lugar donde vemos cómo llevar este mensaje del Chaco a otros países”.

“Somos cuatro personas que sueñan cosas parecidas, y que cuatro personas estén de acuerdo hacia dónde ir en este mundo es un desafío mágico”, dice Samy, y se siente como una conquista permanente. En un contexto donde lo individual suele imponerse, Negroovs insiste en lo colectivo como forma de existencia.

Esa insistencia no es ingenua. Está atravesada por una lectura del presente que aparece con claridad cuando la conversación se desplaza hacia lo político. Samy lo formula de manera directa: “Hay una búsqueda sistemática para que estemos separados o busquemos la individualidad”. Frente a eso, la respuesta del grupo no es solo discursiva, sino práctica. “Nosotros estamos acá en Resistencia, cantando por la resistencia y el trabajo colectivo. Dependemos de mucha gente que nos ayuda. La guerra no la ganamos solos, la ganamos juntos”.

La elección de palabras no es casual. Hablar de “guerra”, de “resistencia”, de “colectivo” implica asumir un posicionamiento. “Somos un colectivo con una misma visión sobre cómo vivir la vida y en eso hay un gran poder”, añade.

Esa dimensión se vuelve todavía más explícita cuando la música entra en relación con el contexto. Para Negroovs, cantar desde el territorio no es solo describirlo. “Pensamos mucho en las letras: nuestros paisajes y el río, pero también las cosas injustas y oscuras que corrompen nuestras provincias, como la deforestación o el analfabetismo. Decidimos ser un canal de información más allá de lo bello de la música”.

Facu refuerza esa idea desde lo concreto, llevando el discurso a las canciones: “El mensaje está en ‘Chaconativa’ o ‘F1144’, donde se habla del cuidado de los humedales y la tala de árboles; de que a veces importa más un papel que la vida misma. Queremos dar un mensaje de concientización; el ser escuchado ya es importante”.

Pero el punto más contundente llega cuando esa postura se vuelve explícita, casi como una declaración final que ordena todo lo anterior. Samy lo dice sin matices: “Particularmente en la Argentina de hoy, creemos que no es momento de ser tibios. Pararse y decir algo es una postura política. Nosotros estamos del lado de nuestro pueblo, de nuestra comunidad y de nuestro Norte”.

Lo que sigue es la aceptación de las consecuencias. Porque tomar posición implica asumir costos. “Eso tiene sus consecuencias, pero es nuestra decisión política: llevar un mensaje y no ser tibios”.

Ahí, en ese punto, Negroovs deja de ser solo una banda. Se convierte en algo más difícil de encasillar: un proyecto que entiende la música como herramienta, como lenguaje y como lugar de pertenencia, pero también como forma de intervenir en el mundo que habita. Y es así como entre el sostener lo colectivo y afirmar una identidad, Negroovs encuentra su forma más clara de existencia.

Entre música, cine y feria, el FESTIFERÓ regresa este fin de semana

La gira, denominada Latin America 2026, muestra una logística concentrada en el Cono Sur durante el primer fin de semana de mayo. Antes de su arribo a Asunción, los artistas se presentarán el 1 de mayo en la Sala Sinpiso de Buenos Aires, y cerrarán el recorrido el 3 de mayo en la Sala del Museo en Montevideo. La elección del Teatro Lírico del BCP sugiere una apuesta por un recinto de gran calidad acústica y un formato que permite una cercanía distinta con la audiencia.

La organización del evento está a cargo de la productora APY Live, una firma que en el mercado local cuenta con el antecedente de haber gestionado la primera y única visita de la banda estadounidense Slipknot al país.

Por el momento, los detalles específicos sobre el costo de las entradas y los puntos de venta no han sido revelados. La producción informó a través de sus canales oficiales que el próximo lunes se darán a conocer todas las novedades.

Cines en Semana Santa: así será la atención en las distintas salas del país

Las funciones tuvieron lugar el 31 de marzo y continuarán este 2 de abril en Montevideo, con la presencia de su director, Marcelo Martinessi, y parte del elenco, en un evento que se desarrolla del 30 de marzo al 12 de abril en diversas salas de la capital uruguaya.

La participación de “Narciso” en este importante certamen regional marca un nuevo punto en el recorrido internacional del cine paraguayo reciente. La película, protagonizada también por Diro Romero, Manuel Cuenca, Margarita Irún, Arturo Fleitas, Natalia Cálcena, integra la sección competitiva iberoamericana, cuyo jurado está compuesto por Fernando Martín Peña (Argentina), Jean-Christophe Berjon (Francia) y Leticia Jorge Romero (Uruguay).

Durante su presentación en Montevideo, estuvieron presentes el director Marcelo Martinessi, así como los actores Belén Vierci y Arturo Fleitas, quienes acompañaron la proyección. Las funciones se realizan en distintas sedes del festival, entre ellas Cinemateca Uruguaya, la Sala Zitarrosa y el Teatro Solís.

Este paso por Uruguay se produce tras el estreno mundial de la película en la sección Panorama del Festival Internacional de Cine de Berlín 2026, donde la película obtuvo el prestigioso premio FIPRESCI de la crítica internacional. Este reconocimiento posicionó a la obra como una de las producciones latinoamericanas más destacadas del año.

Ambientada en la Asunción de 1959, “Narciso” propone un retrato de una sociedad atravesada por la represión política, a través de la historia de un joven marcado por el deseo de libertad y la influencia del rock and roll. Inspirada en hechos reales y en la novela homónima de Guido Rodríguez Alcalá, la película explora tensiones entre lo individual y lo colectivo en un contexto autoritario.

Se trata de una ambiciosa coproducción internacional que involucró a siete países y un amplio equipo técnico, con procesos de postproducción realizados en ciudades como Montevideo, São Paulo, Toronto, Lisboa y París. La película también destaca por su cuidada reconstrucción de época, tanto en lo visual como en lo sonoro.

Tras su paso por Uruguay, “Narciso” se prepara para su estreno comercial en Paraguay, previsto para el próximo 9 de abril, donde llegará a salas de todo el país.

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Cantautor mexicano El David Aguilar actuará por primera vez en Asunción

La jornada comenzará por la tarde con la apertura de la feria de emprendedores, generando un espacio de intercambio entre proyectos creativos y el público. A partir de las 18:00 se desarrollarán distintos talleres que ampliarán la experiencia del festival, mientras que el componente visual y artístico se potenciará con una intervención de Jazmín Cebé, sumando una dimensión performática al encuentro.

El cine también tendrá su lugar dentro de la programación con la proyección impulsada por Cine Móvil Soberano a través de Cinema Raíz, prevista para las 19:30, en una apuesta por acercar producciones audiovisuales a espacios públicos y abiertos. En paralelo, el festival reforzará su identidad con la circulación de su merchandising oficial y un mensaje que sintetiza su espíritu: “Romper el algoritmo, experimenta en vivo”, como invitación a reconectar con lo colectivo y lo presencial.

En el plano musical, el FESTIFERÓ reunirá a artistas de la escena local e internacional, con la participación de Las Peores, Sandía, Chicoplastic y la banda argentina Negroovs, configurando una grilla que dialoga con distintas sonoridades dentro del circuito independiente.

Al finalizar las actividades en la plaza, la celebración continuará en Hopping Resto Tap, donde desde las 00:30 se desarrollará el after oficial bajo el nombre Frecuencia Mutante. La propuesta incluirá sets de DJs enfocados en géneros como synth pop, post punk y dark wave, además de visuales en vivo y una zona gaming, extendiendo la experiencia del festival hacia la madrugada.

El FESTIFERÓ se erige nuevamente como una plataforma de encuentro y difusión para la cultura alternativa, reafirmando su apuesta por la autogestión y la construcción de comunidad en torno al arte. La entrada es gratuita pero se sugiere un aporte voluntario de G. 20.000.

Premio Julie Banks: sigue abierta la convocatoria para primeras obras documentales

La iniciativa, dirigida a públicos de distintas edades y niveles de experiencia, incluye clases de danza clásica, paraguaya, contemporánea y de salón, con el objetivo de promover el acceso a la formación artística y generar espacios de participación ciudadana.

La propuesta forma parte de una línea de acción orientada a ampliar las posibilidades de acceso a prácticas artísticas, entendiendo la danza no solo como disciplina técnica, sino también como un lenguaje capaz de generar vínculos, identidad y reflexión colectiva. En ese marco, los talleres estarán coordinados por la Dirección de Elencos Nacionales, dependiente de la Dirección General de Diversidad, Derechos y Procesos Culturales.

Las clases de danza clásica (lunes, miércoles y viernes de 9:00 a 11:00), contemporánea (martes y jueves de 10:00 a 12:00 y de 13:00 a 15:00, y viernes de 13:00 a 15:00) y paraguaya (lunes y miércoles de 13:00 a 14:00) se desarrollarán de lunes a viernes hasta el 4 de diciembre, con una muestra de proceso prevista para julio, que permitirá visibilizar el recorrido de quienes participen.

Cada disciplina responde a distintos niveles y perfiles: la danza clásica, con las maestras Diana Ivanauskas y Natasha Larreinegabe, estará orientada a personas desde los 16 años con base técnica; la contemporánea, con los profesores Norma Santacruz y Hugo Rojas, se enfocará en bailarines y estudiantes de nivel intermedio y avanzado; mientras que la danza paraguaya abrirá su convocatoria a todo público desde los 12 años, con los maestros Liliana Calderini, Juan Núñez, Adriana Lugo y Sonia Giménez.

Por otro lado, la propuesta incluye talleres intensivos de danza de salón —salsa y bachata— que se llevarán a cabo los días 8, 15 y 22 de abril, de 19:00 a 21:00. Estas clases estarán a cargo de los maestros Silvia Bogarín y Jorge Fariña, reconocidos por su trayectoria en el ámbito competitivo de estas disciplinas.

La diversidad de estilos apunta a trabajar aspectos como la coordinación, la musicalidad y la conciencia corporal, al tiempo que promueve la expresión individual y colectiva. En ese sentido, la iniciativa busca integrar a personas con diferentes trayectorias, generando un espacio inclusivo donde el aprendizaje conviva con el disfrute.

Todos los talleres serán gratuitos y requerirán inscripción previa. Las actividades tendrán lugar en el Sitio 1A, ubicado sobre la avenida Artigas y Santísima Trinidad, consolidando este espacio como un punto activo de memoria, cultura y participación en la ciudad.