“La Sílfide” abre la temporada 2026 del Ballet Clásico y Moderno Municipal

El encuentro se realizará el jueves 21 de mayo, desde las 18:30, en el Auditorio Carlos Lara Bareiro de la AMP, ubicado sobre 15 de Agosto N° 1365, en Asunción, con acceso libre y gratuito mediante inscripción previa.

La actividad reunirá en un mismo espacio a reconocidos intérpretes, compositores y docentes del arpa paraguaya, quienes compartirán sus experiencias, enfoques pedagógicos y visiones sobre la evolución del instrumento.

Participarán Alicia Brizuela, Martín Portillo, Reynaldo “Koki” Cabañas, Marcos Lucena, Jorge Cáceres “Gigarro Po’i”, Lucas Zaracho y Rito Pedersen, figuras con una extensa trayectoria artística tanto en Paraguay como en el exterior.

Arpa paraguaya y transmisión cultural

El conversatorio abordará distintos ejes vinculados a la enseñanza, la composición, la identidad estilística y la proyección contemporánea del arpa paraguaya.

Entre los temas previstos figuran la incorporación del instrumento en la malla curricular educativa, la transmisión de saberes entre generaciones, la formación de nuevos arpistas y el diálogo entre la música tradicional y las sonoridades actuales.

Desde la organización destacan que el encuentro busca generar un espacio de reflexión sobre el presente y el futuro del arpa paraguaya, entendida no solo como una tradición profundamente arraigada, sino también como una expresión artística en constante transformación.

La programación incluirá además un foro abierto de intercambio con el público, moderado por Juan Vera Esquivel, y un cierre musical en vivo con los artistas invitados.

El acceso será gratuito, con inscripción previa. Para más información, los interesados pueden comunicarse al (0986) 267640 o escribir al correo secretaria@amp.org.py.

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La producción estará dirigida artísticamente por Miguel Bonnin, director del BCMM, y contará con la guía coreográfica de la reconocida maestra y repositora internacional Elna Matamoros. La asistencia coreográfica estará a cargo de Ángel Ovelar, Mary Carmen Aquino y Teresa Cassanello.

La escenografía corresponde a la arquitecta Tessy Vasconsellos, mientras que el vestuario fue desarrollado por Sauté By Cancún. La producción general está a cargo de la Asociación de Amigos del Ballet Municipal.

La historia detrás de “La Sílfide”

Estrenada originalmente en 1836 en el Teatro Real de Copenhague, “La Sílfide” ocupa un lugar central en la historia del ballet romántico. Con libreto de Adolphe Nourrit y coreografía de August Bournonville, la obra se convirtió en uno de los mayores símbolos de aquella corriente artística que priorizaba la emoción, la poesía y los elementos sobrenaturales.

La historia gira en torno a un joven escocés atraído por una sílfide (una criatura etérea y alada), en un relato atravesado por el deseo, el amor imposible y el conflicto entre el mundo real y el fantástico.

La versión que subirá a escena en Asunción mantiene la tradición de la escuela Bournonville, célebre por preservar una técnica precisa y un equilibrio entre el protagonismo masculino y femenino dentro de la danza clásica.

Según explicó Elna Matamoros en los textos preparados para el programa de mano, esta producción busca conservar la esencia original de la obra, respetando tanto la coreografía histórica como la atmósfera poética característica del ballet romántico europeo del siglo XIX.

Además, la partitura de Herman Severin Løvenskjold será interpretada a partir de una transcripción orquestal basada en manuscritos originales conservados en la Biblioteca Real de Dinamarca, trabajo realizado por Alejandro Prieto Chadad.

Reparto y homenaje en la temporada 2026

Los roles principales serán interpretados alternadamente por Macarena Vallejo, Pamela Giménez, Sofía Schittner, Cristina Báez, Alejandra Acosta, Teresa Cassanello, Karina Zarza, Abel Rivarola, Juan José Núñez y Federico Fleitas, entre otros integrantes de la compañía.

La temporada también incluirá homenajes especiales a la maestra Elna Matamoros y a su madre, Carmina Ocaña, en reconocimiento a su trayectoria y a su labor en la preservación del legado coreográfico de Bournonville.

Asimismo, será distinguida Perla Benegas, ex vestuarista de la compañía, por su dedicación y aporte al Ballet Clásico y Moderno Municipal durante años de trabajo junto al elenco.

Orquesta en vivo y funciones de “La Sílfide”

La producción contará con la participación especial de la Orquesta Juvenil del IMA y la Orquesta del BCMM, bajo la dirección del maestro Willian Aguayo.

Las funciones con acompañamiento orquestal en vivo serán:

• Viernes 22 de mayo, a las 20:00
• Domingo 24 de mayo, a las 19:00
• Sábado 30 de mayo, a las 19:00
• Domingo 31 de mayo, a las 19:00

El cronograma completo de funciones será el siguiente:

Primera semana

• Viernes 22 de mayo — 20:00 (estreno y gala de benefactores)
• Sábado 23 de mayo — 16:00 y 19:00
• Domingo 24 de mayo — 16:00 y 19:00

Segunda semana

• Viernes 29 de mayo — 20:00
• Sábado 30 de mayo — 16:00 y 19:00
• Domingo 31 de mayo — 16:00 y 19:00

Las entradas se encuentran disponibles a partir de G. 50.000, a través de la plataforma Tuti, además de venta directa y boletería del teatro. Más informes pueden obtenerse al (0975) 555-209 y en las redes sociales del Ballet Clásico y Moderno Municipal de Asunción.

El horario será confirmado en los próximos días.

La actividad forma parte de las acciones impulsadas para proteger y mantener viva la técnica tradicional de confección de esta emblemática prenda paraguaya, reconocida por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad en 2023.

El Poncho Para’i de 60 listas viaja a Ecuador: una historia tejida con orgullo y esperanza

Fortalecer conocimientos

El concurso apunta a fortalecer la transmisión de conocimientos entre generaciones y evitar que desaparezca esta técnica artesanal característica de Piribebuy.

El Poncho Para’i de 60 Listas se distingue de otros ponchos de la región porque su elaboración no depende de telares mecánicos.

El tejido se realiza manualmente con telar de cintura, una práctica en la que el artesano utiliza su propio cuerpo para sostener y tensar los hilos durante el proceso de fabricación.

Es una prenda de etiqueta, ya que por el tipo de hilo utilizado no es caliente como los tradicionales ponchos utilizados normalmente en invierno. Numerosos artistas lo lucen en escenarios festivales del país y en el extranjero.

La convocatoria está dirigida a artesanos mayores de edad residentes en Piribebuy que cuenten con registro actualizado como trabajadores del sector artesanal.

¿Cómo será la competencia?

Durante la competencia, cada participante trabajará de manera individual en su telar, con un tiempo límite de 15 minutos para avanzar la mayor cantidad posible del tejido.

El jurado calificará aspectos como la precisión técnica, la uniformidad de la trama y el correcto manejo de las herramientas tradicionales.

Además del reconocimiento cultural, los tres primeros lugares recibirán premios en efectivo. El ganador obtendrá USD 644, mientras que el segundo y el tercer puesto recibirán USD 460 y USD 276, respectivamente.

Las personas interesadas en postularse pueden comunicarse con Adriana Cho al (0971) 978 484 o con Gustavo Agüero al (0971) 308 044.

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La prenda forma parte de la tradición cultural popular del Paraguay, aunque en los últimos años recobró notoriedad y se le otorgó importancia histórica y cultural.

Por ejemplo, en los detallados listados de envíos de materiales a las guarniciones del interior, de la época del dictador perpetuo de la República del Paraguay, Dr. Gaspar Rodríguez del Francia, aparecen grandes cantidades de ponchos para uso de la soldadesca. Así lo mencionó en una entrevista la profesora Beatriz González de Bosio, en el marco de la declaración del tejido como patrimonio cultural inmaterial de la humanidad por la Unesco, en diciembre de 2023.

Almodóvar recibe, “muy emocionado”, una gran ovación de Cannes por “Amarga Navidad”

A medida que conviven, la relación entre ambas mujeres se vuelve cada vez más compleja y perturbadora, en un relato que explora la identidad, el silencio y los límites de la conciencia.

La cinta recibió amplio reconocimiento internacional, incluyendo nominaciones a los premios BAFTA y distinciones en los Guldbagge de Suecia y la National Society of Film Critics. Las entradas para esta primera función ya se encuentran agotadas.

El recorrido por la filmografía de Bergman continuará con El séptimo sello (The Seventh Seal, 1957), uno de los títulos más emblemáticos de la historia del cine. Ambientada en la Suecia medieval durante la peste negra, la película presenta al caballero Antonius Block, quien regresa de las Cruzadas enfrentado a profundas dudas existenciales.

En el camino se encuentra con la Muerte y decide desafiarla a una partida de ajedrez mientras busca respuestas sobre Dios, la vida y el destino humano.

La obra obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1957 y se consolidó como una de las películas más influyentes del cine europeo del siglo XX.

El ciclo también incluirá Fresas salvajes (Wild Strawberries, 1957), un drama introspectivo centrado en el profesor Isak Borg, un médico anciano que emprende un viaje hacia la ciudad de Lund para recibir un homenaje académico. Durante el trayecto, recuerdos, sueños y encuentros lo confrontan con su pasado, sus afectos y el sentido de su propia existencia.

La película recibió múltiples reconocimientos internacionales, entre ellos el Oso de Oro en el Festival de Berlín, el Globo de Oro a Mejor película extranjera y una nominación al Oscar a Mejor guion original.

Las funciones se realizan en la Sala Tuyucuá / Cine de Barrio, ubicada sobre Defensa Nacional 737 entre Washington y Perú, en el barrio Las Mercedes. Las entradas tienen un costo de G. 40.000 e incluyen una copa de vino al finalizar cada proyección. La capacidad de la sala es reducida, con espacios distribuidos entre sofás y sillas, y los lugares se asignan por orden de llegada.

Desde la organización recuerdan además que las puertas se habilitan media hora antes de cada función y que, una vez iniciada la película, no se permitirá el ingreso a la sala. Tampoco está permitido ingresar con comidas o bebidas.

Desde las 11:30 y hasta las 18:00, el evento reunirá una feria gastronómica italiana con unos 20 stands, así como una variada agenda de actividades culturales, que se iniciará con el desfile de la Banda Lisa del Colegio Dante Alighieri.

Desde Italia llegará especialmente el dúo musical conformado por Eugenio Palumbo en la mandolina y Lorenzo Bernardi en guitarra.

A lo largo de la tarde también se presentarán estudiantes de la Scuola Dante Alighieri y se desarrollarán diversas actividades protocolares y culturales, especiales para disfrutar con toda la familia.

Esta actividad, que será de acceso libre y gratuito, busca conmemorar la proclamación de la República Italiana tras el referéndum popular realizado el 2 de junio de 1946.

En aquella ocasión, los ciudadanos italianos fueron convocados a decidir, mediante sufragio universal, la forma de gobierno que tendría el país luego de la Segunda Guerra Mundial y la caída del fascismo.

El novelista, cuentista, ensayista, periodista, político y abogado de origen nicaragüense, que no puede regresar a su país, está a punto de heredar la custodia del idioma, demostrando que mientras un régimen -en este caso el mismo que una vez ayudó a fundar- puede arrebatar la nacionalidad, jamás podrá exiliar a un escritor de su propia lengua.

Tras el silencio final de Vargas Llosa, el escritor nicaragüense se dispone a habitar la silla L de la Academia, en lo que no solo sería un relevo de nombres entre dos titanes latinoamericanos de las letras, sino la confirmación de que, frente a los muros del autoritarismo, la literatura es el único país cuyas fronteras permanecen siempre abiertas, dijo a EFE la poeta y novelista desnacionalizada nicaragüense Gioconda Belli.

“Sergio se ha ganado el aprecio de los académicos y en un gesto muy profundo de amistad y respeto han propuesto nombrarlo para continuar la tradición iniciada con Vargas Llosa de incluir un intelectual latinoamericano en una institución que vela por una lengua que hablan 600 millones de personas, la mayoría de ellas latinoamericanas”, comentó Belli.

La poeta y escritora dio como un hecho la inclusión de su compatriota como miembro de número de la RAE, y, como otra nicaragüense exiliada que es, destacó el apoyo y solidaridad de la RAE hacia la Academia Nicaragüense de la Lengua y hacia “los académicos que estamos en España”, que calificó de “invaluable”.

Ramírez es el único candidato a ocupar esa silla vacante de la RAE. El pleno de académicos lo proclamó como tal el pasado 7 de mayo y mañana jueves será la votación, por lo que no debería tener ningún contratiempo a pesar de cierta polémica que generó el rechazo de la Iniciativa Ciudadana Víctimas del Sandinismo, que no lo considera moral por el papel que desempeñó el literato en Nicaragua entre 1979 y 1990.

Figura de la narrativa iberoamericana contemporánea

Considerado una de las figuras más destacadas de la narrativa iberoamericana contemporánea, obtuvo la nacionalidad española tras haber recibido el Premio Cervantes en 2017 -el primer centroamericano en ganarlo- como reconocimiento a su trayectoria literaria y por sus lazos históricos y culturales con la comunidad hispanohablante.

Con 83 años de vida y 63 de carrera literaria, el ganador de los premios Alfaguara en 1998 e Iberoamericano de Letras José Donoso en 2011 vive su segundo exilio: el primero fue en 1978 cuando huía de la dictadura de Anastasio Somoza Debayle, que fue derrocada un año después por la revolución sandinista, de la que formó parte.

En esa ocasión el escritor estuvo exiliado en Costa Rica desde donde formó parte del denominado ‘Grupo de los Doce’, integrado por prestigiosos académicos, empresarios y religiosos que se oponían al dictador Somoza Debayle.

Ahora vive exiliado en Madrid desde 2021 tras ser acusado de “incitar al odio y la violencia” por el Gobierno que preside Daniel Ortega, el exguerrillero sandinista de 80 años que se encuentra en el poder en Nicaragua desde 2007 luego de haber coordinado una Junta de Gobierno de 1979 a 1985 y presidir por primera vez el país de 1985 a 1990.

Ramírez formó parte de la Junta de Gobierno junto a Ortega y fue vicepresidente durante el primer régimen sandinista (1979-1990) que encabezó el actual mandatario.

Como él mismo ha dicho a EFE, su vida ha estado marcada por la dictadura de los Somoza, la revolución sandinista, sus más de 50 libros y en esta última etapa perseguido por “otra dictadura”, la de Ortega y su esposa, la ahora copresidenta Rosario Murillo.

Sus 83 años los ha vivido “de manera intensa” tanto en el campo estudiantil, político y literario, aunque, según confiesa, han sido las letras su vocación y devoción de toda la vida.

Entre sus múltiples obras se encuentra ‘Margarita, está linda la mar’, una novela sobre la dinastía de los Somoza, que le valió el Premio Alfaguara de Novela en 1998, y ‘Tongolele no sabía bailar’, prohibida en Nicaragua porque relata las protestas de abril de 2018 que fueron aplastadas a la fuerza por Ortega.

Ahora, mientras la política nicaragüense intenta borrar su nombre de los registros civiles, su inminente ingreso en la RAE marca una trayectoria donde la ficción y la historia se entrelazan sin tregua, como si de una novela se tratara.

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“Los textos, bilingües en español e inglés, exploran grandes temas existenciales: la muerte, el sueño, la memoria, la soledad, el deseo. Cada poema se acompaña de imágenes que intensifican su carga simbólica, creando una experiencia sensorial y reflexiva”, señaló la editorial Ediciones de la Paz, a través de un comunicado de prensa.

“El parque”, “Las voces”, “Memento mori” y “La muerte en sueño” se titulan algunas de las piezas que constituyen este libro, que explora al sueño “como un territorio sagrado donde vida y muerte, deseo y recuerdo, belleza y vacío se entrelazan en una danza incesante”.

El comunicado también destaca que la obra “no busca respuestas definitivas, sino provocar al lector, sacudirlo de la rutina y recordarle que el arte y la poesía existen para mostrar que hay algo más allá de la simple supervivencia”.

El acto de presentación será hoy a las 18:00 en el local de la Librería Nicolás Guillén (Oliva esq. O’Leary), donde los autores brindarán detalles acerca de la realización de este nuevo libro.

“En los cincuenta años por contar, se profundiza en las nuevas generaciones de la familia Buendía y en la transformación del pueblo, en la que con el progreso llegará la decadencia hasta cumplir finalmente la maldición que lo condena”, señaló Netflix en un comunicado.

La segunda parte fue dirigida por los colombianos Laura Mora, que participó en la primera y en esta ocasión conduce cuatro episodios, y Carlos Moreno, conocido por la película Perro come perro, al frente de los otros tres.

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“Cada episodio de esta segunda parte es como una película. Llevamos la serie a otro nivel desde lo estético, lo narrativo, el sonido y la música para construir un final mucho más cinematográfico y emocional. Después de vivir en esa casa y en ese pueblo durante tres años, sentimos que cerrar este viaje debía sentirse igual de grande, épico y cinematográfico”, afirmó Mora citada en el comunicado.

El cierre de la producción incluye el ‘Gran Final’ de la adaptación de la obra cumbre del Nobel colombiano, que llegará a las pantallas el 26 de agosto.

La primera parte de la serie fue un éxito mundial y cuenta la historia de los primos José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán, que se casan contra la voluntad de sus supersticiosos padres, lo que desencadena una tragedia que los lleva a irse de su pueblo acompañados de amigos y, meses después, perdidos entre la sierra y la ciénaga, acaban fundando el mítico pueblo de Macondo.

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La segunda parte contará la firma del armisticio tras las guerras civiles del coronel Aureliano Buendía, la llegada del tren que “abrirá las puertas a la compañía bananera que desatará las fuerzas que precipitarán la ruina del pueblo, cumpliéndose la maldición de Úrsula Iguarán, pues las estirpes condenadas a cien años de soledad no tenían una segunda oportunidad sobre la tierra”, indicó la plataforma Netflix.

Tras haber debutado el año pasado con el EP “La celebración”, la agrupación acaba de presentar su segundo material discográfico. Se trata del EP “Están listos?”, que reúne tres canciones: “Cumbia enredada”, “Están listos?” y “Mi nave espacial”.

El material, que contó con la producción, mezcla y masterización de Chupex (José Velázquez) en Parisi Estudio. Chupex también participa como bajista invitado en estas canciones.

“Queremos ofrecer al público paraguayo algo que hay muchísimo en Argentina, en Chile, en Colombia. Hay muchísimos grupos de música sin estar necesariamente disfrazados”, destacó Pili Ortiz.

Afirmó que los tres cuentan con una base actoral, la cual trasladan a sus espectáculos, en los que también incorporan “mucha percusión y participación del público”.

Beatriz Romero comentó que se quedó sorprendida al ver la propuesta del grupo en un show porque “en Paraguay no existe una banda así con composiciones propias”.

“Me gustó bastante, coincidimos con Pili en un evento y me acerqué a ella”, comentó. Añadió que a los pocos días ya recibió un mensaje de Jorge Di Paola invitándola a ser parte del grupo, que en sus inicios también estuvo integrado por Moni Airaldi.

“Cuando tocamos por primera vez, ya incorporada Bea, fue en un shopping y fue como si nos conocíamos desde hace tiempo”, recordó Di Paola. El artista agregó que el público infantil “requiere de esa verdad, a ellos no les podés engañar”.

“Uno nota cuando está arriba del escenario cuando los niños ya se empiezan a dispersar. Tenés que tener ese ritmo y esa verdad”, acotó.

En aulas, cumpleaños y más

La agrupación apunta a expandir su propuesta musical y que sus canciones puedan utilizarse en las aulas, escucharse en los cumpleaños, o ser parte de las muestras escolares.

“Nuestras letras están pensadas en el niño y la familia, son para todo público. Ir en el auto y, de repente, poner Spotify de ida al colegio”, añadió Ortiz.

En este sentido, Di Paola sostuvo que el objetivo de cada canción es “que te despierte algo”. “Como cuenta una historia, que la familia enterase meta en esa historia”, acotó.

Los integrantes de Piruvá destacaron la reacción positiva que tuvieron hasta ahora por parte de los niños, los padres y los docentes.

También apuntan a, en un futuro próximo, trabajar con animación para acompañar con vídeos sus canciones en YouTube; y también a llegar a los colegios con una serie de conciertos acústicos.

“Estoy muy emocionada de expandir el universo de Grey’s Anatomy”, señaló Marinis en un comunicado.

“Esta oportunidad dará vida a nuevos personajes e historias que encarnarán la misma esencia, emoción y conexión que el público ha amado en Grey’s Anatomy durante más de dos décadas”, agregó.

Según la sinopsis oficial anunciada por la cadena, la serie es un drama ambientado en una zona apartada de Texas, centrada en el equipo que trabaja en un centro médico rural que es “la última oportunidad de recibir atención médica antes de adentrarse en la nada”.

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Esta nueva serie, producida por 20th Television y Shondaland, sería el cuarto ambientado en el universo de Grey’s Anatomy tras Private Practice (seis temporadas de 2007 a 2013), Station 19 (7 temporadas de 2018 a 2024) y Grey’s Anatomy: B-Team (seis episodios en 2018).

Grey’s Anatomy es una de las series de televisión más exitosas de la historia y que se ha prolongado durante 22 temporadas.

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La herencia y el fin del juego

Para entender a Bastianes hay que viajar a esos paisajes de infancia donde la música era el lenguaje natural de la casa. Es que su padre, el bajista Roberto González, y su tío el guitarrista Derlis González, eran parte de grupos como Asunción Blues, Aftermad’s y Equipo 87.

“Siempre recuerdo los primeros acordes, el día que me regalaron la primera guitarra”, rememora Seba con una nitidez que traspasa la charla. “Me acuerdo que tenía fiebre, estaba re mal, y llega papá con la guitarra y cambió el día; seguía reventado, pero con una guitarra en la mano”.

Sin embargo, ese idilio tuvo un punto de quiebre. A los 20 años, la “escapatoria” se convirtió en elección de vida, y con la elección llegó la complejidad. Lo que en 2018 empezó como un juego bajo la mirada protectora de su padre en el estudio, chocó de frente con la realidad de una pandemia que lo cambió todo: amigos que se fueron, problemas familiares de salud y un regreso a una escena paraguaya que exigía nuevas responsabilidades.

“Ahí dejó de ser un juego, y ya no era tan divertido, hasta que te das cuenta de lo que estás haciendo”, confiesa. “La parte técnica, logística, de marketing... eso no pega. Tocar es un juego, pero igualmente no entiendo que lo es hasta que suena el primer acorde. Antes de eso, estoy totalmente tenso porque hay que ser ‘todólogos’ en esta industria, más todavía acá”.

Recuperar al niño en un mundo de adultos

Esa tensión entre la profesionalización y el disfrute es una constante en su relato. Seba habla de la “inocencia” no como falta de conocimiento, sino como la capacidad de seguir sorprendiéndose con lo mínimo, como ver el rocío sobre el pasto. En un mundo de algoritmos y perfeccionismo técnico, Bastianes intenta aplicar las lecciones de Rick Rubin: dejar que el mundo te sorprenda y silenciar al ego.

“Creo que los años te dan esa negatividad de pensar demasiado las cosas, de querer ser demasiado profesional, cuando en realidad tenés que ser vos mismo”, reflexiona. Como docente de música, lucha a diario con esa estructura que intenta encasillar la creatividad en escalas y acordes correctos.

Para él, la clave de “Todo lo que queda” fue, precisamente, soltar esa mezquindad del audio y la mirada del colega para volver a lo crudo. “Hay que dedicarle una hora a ese niño interno que tenés... siempre tiene que estar ese niño interno hambriento de experiencia y de explorar. Es lo que hace que todo sea un poco más interesante, al fin y al cabo”.

Un puente de seis años y diálogos con el pasado

Hacer un disco debut no siempre implica sentarse a escribir desde cero. En el caso de Bastianes, “Todo lo que queda” funciona como un archivo emocional que conecta al joven de la pandemia con el adulto de 2026. Es un puente de seis años donde conviven canciones escritas en 2019 con temas paridos apenas una semana antes de cerrar el proceso.

Esa arquitectura temporal no es casual. El álbum abre con “Para sanarme” (escrita en el encierro de 2020) y encuentra su réplica inmediata en “Por siempre”, la última canción en entrar al tracklist. “Quería escribir una respuesta a esa canción del 2020 que habla de un lado negativo”, explica Seba. “‘Por siempre’ es la visión más blanca: decir que al final esto no me va a bajar, no me va a atravesar. Hay que encontrar los grises para poder vivir”.

En medio, aparecen piezas como “Ya no es lo mismo”, una canción tan personal que le arrancó lágrimas en el escenario y cuyo significado prefiere proteger, dejándola abierta para que cada oyente la habite a su manera. Este ejercicio de mirar al “yo” antiguo fue también un acto de depuración: descartar lo que ya no vibraba y rescatar lo que, a pesar del tiempo, seguía siendo verdad.

“Me pasaba antes, en el afán de querer jugar o sobresalir, que componía historias ficticias esperando que la gente se identifique. Creo que no funciona así. El arte también es mentir a veces, pero siento que en este disco yo no pude mentir. Son canciones muy personales que las siento todavía cuando las canto”.

La vulnerabilidad como trinchera

En temas como “Cansado” o “Prisión”, la honestidad de Bastianes roza lo incómodo. Hay una exposición total de la ansiedad y el autoboicot, sentimientos que a menudo se guardan del ojo público, bajo siete llaves por miedo al juicio. Al preguntarle si le asusta mostrarse tan desarmado frente al micrófono, Seba separa el proceso creativo de la repercusión.

“Me da miedo sentir la ansiedad de cómo va a recibir la gente lo que escribo, pero miedo a exponerme, no”, aclara. “Me da miedo saber que hay un Seba del futuro que puede preguntarse si va a pegar o no, aunque sé que esa no debería ser la pregunta”.

Para él, la escena paraguaya actual está encontrando su fuerza precisamente en esa capacidad de relatar vivencias crudas, ya sea de forma metafórica o directa. Aun así, confiesa que hay un límite: “Estas canciones son las que son un poquito menos transparentes... hay cosas que ya me parecían demasiado y que deben permanecer en un círculo pequeño de confianza”. Es esa “ira reprimida” o el “amor crudo” lo que termina filtrándose en las letras, logrando una conexión que solo nace cuando el artista decide, finalmente, dejar de esconderse.

Lo que queda cuando se apagan las luces

El nombre del disco es una declaración de principios. Después de seis años de idas y vueltas, de “todología” industrial y de batallas contra el ego, el resultado son estas ocho canciones que actúan como el sedimento de una vida joven en constante movimiento.

Al soltar estas piezas, Bastianes deja de ser el único dueño de su historia para permitir que otros se reconozcan en sus prisiones y en sus mañanas. Sin embargo, en el interior del artista, el proceso ha dejado una huella que no se borra con el lanzamiento.

“Para mí, ‘Todo lo que queda’ es todo lo que estos años me hicieron sentir”, concluye Seba. “Siento que, por lo menos, lo más gris —esa mezcla perfecta entre lo que debería salir y lo que no— está plasmado en estas ocho canciones. Pero creo que hay mucho más”.

Ese “mucho más” queda suspendido en el aire, como una promesa. Por ahora, lo que persiste es la música: cruda, honesta y sin mentiras. Bastianes ha logrado lo más difícil en lo actual: transformar el cansancio en belleza. Al final del día, cuando el eco del último acorde se apaga, todo lo que queda es, sencillamente, la verdad.

El tercer Foro Nacional de Gestores Culturales se desarrolló en la Gobernación de Paraguarí, con la participación de autoridades municipales, regionales y gestores culturales de los departamentos de Paraguarí, Cordillera, Guairá y Caazapá.

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En la ocasión, la ministra de la Secretaría de Cultura señaló que la actividad se desarrolló para “construir juntos el Plan Nacional de Cultura 2050, un plan alineado al desarrollo nacional y pensado para fortalecer la cultura paraguaya desde las regiones”, expresó.

Manifestó que el propósito es unificar las voces del sector cultural para lograr un presupuesto más acorde a las necesidades existentes y promover una política pública descentralizada para el sector de la cultura.

Destacó que, entre todos, se quiere velar por la cultura paraguaya, para que nunca desaparezca y para que las nuevas generaciones amen a su Paraguay, su región, su barrio y su ciudad.

Destacan participación de mujeres y trabajo articulado

La titular de la SNC también resaltó el protagonismo de las mujeres en la gestión cultural del interior del país y señaló que la actividad cultural requiere compromiso y trabajo articulado entre todos los sectores.

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Al término del evento, gestores culturales, autoridades municipales y activistas que acompañan el proceso del Plan Nacional de Cultura 2050 recibieron certificados de reconocimiento por parte de la SNC.

Además, emprendedores culturales expusieron diversos productos y experiencias artísticas, destacando que la producción, la interacción y la comercialización también forman parte de la identidad cultural paraguaya.

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La iniciativa surge en respuesta al interés del público que deseaba acceder a la película en una versión subtitulada en inglés, ampliando así el alcance de una de las producciones paraguayas más comentadas del año.

Dirigida por Marcelo Martinessi, Narciso despertó interés tanto entre espectadores locales como dentro de la comunidad cinematográfica, consolidándose como uno de los estrenos nacionales destacados del año.

La propuesta está orientada especialmente a extranjeros residentes en Paraguay y a todas aquellas personas que aún no pudieron ver la película o prefieren disfrutarla con subtítulos en inglés.

Las entradas tienen un costo de G. 50.000 e incluyen una copa de vino al finalizar cada función, en un espacio pensado para compartir impresiones y conversar sobre la película tras la proyección.

Las reservas pueden realizarse a través de la plataforma digital de Cine de Barrio, accediendo mediante sus redes sociales oficiales @cinedebarriopy, donde se encuentran disponibles los enlaces correspondientes.

¿De qué trata Narciso?

Ambientada en el Paraguay de finales de la década de 1950, Narciso sigue la historia de un joven carismático que regresa de Buenos Aires llevando consigo el espíritu del rock & roll, en los primeros años de la dictadura de Alfredo Stroessner.

Convertido rápidamente en una figura popular de la radio y en un símbolo de libertad para toda una generación, su presencia despierta fascinación, deseo y también incomodidad dentro de una sociedad marcada por el miedo y el control.

La película se basa en el libro homónimo de Guido Rodríguez Alcalá, que a su vez toma inspiración en el caso real de Bernardo Aranda, locutor radial cuya muerte conmocionó al país y derivó en una fuerte persecución y estigmatización contra personas homosexuales durante el régimen stronista. A partir de ese contexto, Marcelo Martinessi construye un drama que combina memoria histórica, represión política y exploración de la identidad, atravesado por la música y el clima social de la época.

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Nacida en la isla fluvial de Mompox, en el departamento de Bolívar, como Sonia Bazanta Vides, Totó la Momposina dedicó más de seis décadas a preservar y difundir los ritmos afroindígenas y campesinos de la región Caribe colombiana, llevando esa tradición a escenarios internacionales y convirtiéndose en una de las voces más reconocidas de la música latinoamericana.

La noticia del deceso fue confirmada por la mánager de la artista, Carolina Gotok, y por su hijo, Marco Vinicio, quien reveló que la intérprete sufría desde finales del año pasado problemas delicados de salud, según medios locales.

Totó la Momposina participó en festivales alrededor del mundo y grabó discos emblemáticos como ‘La Candela Viva’, ‘Pacantó’ y ‘La Bodega’, además de interpretar canciones como ‘El pescador’ y ‘Yo me llamo cumbia’, convertidas en himnos de la música popular colombiana.

La cartera de Cultura destacó que la artista “habló de la música tradicional del Caribe, la potenció y la enriqueció durante décadas para escribir un capítulo entero de la historia cultural” de Colombia.

Totó nació en una familia de músicos y desde niña comenzó a actuar a lo largo de los pueblos ribereños del río Magdalena cantando con un estilo que forjaría su sello personal, que se nutre de la fusión de elementos africanos e indígenas.

Con los años, terminó siendo definida como una ‘cantadora’, una intérprete musical que cultiva la cultura tradicional de un pueblo.

Bailadora de ritmos como la gaita, cumbia, porro y champeta, entre otros, su trabajo es reconocido a nivel internacional, y entre sus más recordadas actuaciones figura la que hizo en 1982 durante la entrega en Estocolmo del Premio Nobel de Literatura a su compatriota Gabriel García Márquez.

Premio a la trayectoria en los Latin Grammy

Con una carrera de más de medio siglo a sus espaldas en la que llevó los sonidos de su tierra a escenarios de Europa, Estados Unidos y América Latina, Totó fue reconocida en 2013 con el Premio a la Trayectoria del Grammy Latino por su aporte a la preservación y difusión de la música folclórica.

Totó la Momposina se despidió de los escenarios en septiembre de 2022 con un concierto en el Festival Cordillera, donde compartió escenario con artistas como Adriana Lucía y Nidia Góngora en una presentación celebrada como homenaje a su legado musical y cultural.

Esta puesta será en homenaje a José Luis Ardissone, al cumplirse este viernes 22 de mayo el primer aniversario de su fallecimiento.

Pablo Ardissone estará al frente de este espectáculo, que es el tercero del ciclo Poesía iniciado por su padre en el 2024, con “En las calles de la memoria”. El año pasado se presentó “De norte a sur, en la palabra. Poesía de América Latina”.

En esta nueva entrega, según anticiparon a través de un comunicado, el espectáculo se sumerge en la riqueza literaria de España. Se podrán escuchar obras de autores clásicos como Miguel de Cervantes, Pedro Calderón de la Barca, Lope de Vega y Francisco de Quevedo.

También habrá poesías de autores modernos y revolucionarios como Gustavo Adolfo Bécquer, Sara Búho, Rafael de León, Concepción Arenal, Juan Ramón Jiménez, Gabriel Celaya, Rosalía de Castro, Blas de Otero, Rafael Alberti y Federico García Lorca.

“Duendes y sueños… no es solo una lectura, es un viaje sensorial donde, como dice el guion, la poesía española no se dice, se grita o se susurra desde el fondo de un pozo seco”, expresó Pablo Ardissone, quien también estará a cargo de las luces del espectáculo.

El equipo de la puesta se completa con Alejandra Ardissone, quien tiene a su cargo el diseño del espacio escénico.

Funciones y entradas

Las funciones serán los días domingo 24, sábado 30 y domingo 31 de mayo en el Arlequín Teatro (Antequera 1061 c/ Tte. Fariña). Los domingos serán a las 20:00 y el sábado a las 21:00.

Las entradas ya están disponibles a través de www.tuti.com.py o al teléfono (0992) 442-152 y hasta el 23 de mayo tienen un costo de G. 75.000. Luego tendrán un costo de G. 100.000.

Para darle un valor añadido, a Uziel se le ocurrió inicialmente que, como en los cómics del universo de Spider-Noir, la serie sería rodada completamente en blanco y negro, aunque también contará con una versión en color para que los aficionados disfruten del universo Spider-Man como de costumbre.

En esta nueva versión de Spider-Man, Ben Reilly (Cage) es un detective privado que tras haber perdido al amor de su vida, dejará guardado el traje de Spider en un cajón, hasta que un encuentro con villanos como Sandman o Tombstone y aliados como la Gata Negra le devolverán forzadamente a su camino del héroe y a unos poderes de los que rehúye.

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“Tenemos a superhéroes y villanos con grandes poderes, pero en el mundo también hay personas comunes con un coraje y una fe extraordinarias con las que se pueden hasta mover montañas”, explica Lamorne Morris, quien interpreta al periodista del Daily Bugle, Robbie Robertson, sobre lo innecesarios que son a veces los poderes.

Junto a él hay otros personajes que sin fuerza sobrehumana ayudarán a Ben, como Janet, interpretada por Karen Rodríguez, la secretaria de este Spider-Man y un ejemplo de que a veces es más valiente permanecer junto a tus seres queridos que salir a darse de golpe con tus enemigos.

“Todos necesitamos una comunidad que te levante y te diga: ‘Puedes hacerlo. Eres capaz’. Hay mucha valentía en quedarte al lado de un amigo, en simplemente estar presente. Requiere de mucho valor”, argumenta la joven de 30 años.

Discriminación hacia lo diferente

En las calles de este nuevo universo de Spider-Man, los ciudadanos son discriminados por el color de su piel o por causas sobrenaturales, como tener la piel más resistente de lo normal, conducir grandes cargas de electricidad o transformarse en arena. Estas mutaciones los obligan, en muchas ocasiones, a convertirse en personas que realmente no eran.

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“Un verdadero villano no cree que sea un villano. Todos estamos impulsados por nuestras propias motivaciones, y para nosotros son puras. Hay muchas zonas grises que todos los seres humanos tenemos que atravesar en la vida”, desarrolla Li Jun Li, la nueva Gata Negra.

Uno de los personajes más esperados es el Hombre de Arena al que dará vida Jack Huston, quien reconoce que las primeras escenas que leyó le “rompieron el corazón”.

“Al situar a estos personajes en una época tan difícil, ves la lucha que atraviesan estos villanos. Es un conflicto real y profundamente humano, fuera o dentro de este universo”, opinó el intérprete conocido por protagonizar el remake de Ben Hur de 2016.

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A pesar de los cambios en el universo y de la incorporación de nuevos personajes y elementos, para Uziel esta apuesta debía ser “arriesgada, como el buen arte”, idea con la que cerró la entrevista al parafrasear, a su manera, al icónico tío Ben.

“Un gran riesgo puede traer una gran recompensa”, sentenció ante el inminente estreno de Spider-Noir.

EXPYLAB 2026 abre convocatoria internacional de becas para artistas y tecnólogos

El año pasado se decidió poner en marcha el formato ‘Río de la Plata’, que alterna anualmente la organización del mercado entre Argentina, donde se celebraron las 15 primeras ediciones, y Uruguay, que acogió la de 2024.

“La edición de Buenos Aires de 2025 nos demostró que Ventana Sur no es solo un mercado, sino un laboratorio para el futuro del contenido latinoamericano”, afirmó el director ejecutivo de Ventana Sur Argentina 2025, Ralph Haiek.

Afirmó que “crear propiedad intelectual que realmente llegue al público ya no es un reto exclusivo de Hollywood. Es nuestro reto y lo estamos afrontando”.

De cara a Montevideo 2026, será fundamental seguir impulsando a creación de propiedad intelectual y la innovación tecnológica, además de fomentar los encuentros de la industria para desarrollar coproducciones.

Ventana Sur fue creado en 2009 por el Marché du Film y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina (INCAA), a los que se unió en 2024 la ACAU.

Desde su creación, este mercado reúne cada año a más de 3000 profesionales internacionales para hablar de financiación, coproducción y distribución de contenido latinoamericano.