“Es un fin de semana soñado para mi música”: obras de Diego Sánchez Haase llegan a Italia, Estados Unidos y Venezuela

“Uno trata de transmitir todas las experiencias que tuvo, para hacerles el camino más fácil a las nuevas generaciones, y también de mejorar o reparar, o pasar lo que aprendí de los maestros maravillosos que tuve. Algunos maestros están como adentro mío cuando doy clases. Es como un equilibrio de tratar de mantener lo que a mí me ayudó un montón y también de no repetir lo que no me ayudó”, explica.

La importancia de esos encuentros quedó grabada en su propia formación. Cuando era niña, viajó a Rusia durante un breve período junto a su maestra Olga Ferri. “Me marcó, obviamente, me abrió la cabeza. También me acuerdo de unos maestros cubanos que vinieron acá, a Buenos Aires, a dar clase en el estudio de Olga. Eso fue para mí poder ver un poco otras cosas”. Incluso con una formación que considera privilegiada, descubrir otros estilos le permitió ampliar su mirada: “Cambia muchísimo el poder ver otros estilos, otras formas. Abre la cabeza y puede realmente ayudar”.

Herrera también recuerda a una niña que conoció durante una visita a una provincia argentina, cuando todavía estaba en actividad como bailarina. Después de una clase magistral, la madre de la pequeña volvió a encontrarse con ella. “Me dijo: ‘Vos le cambiaste la vida a mi hija’, porque a partir de esa clase se dieron cuenta de que era diferente la forma de enseñar. Después la llevaron a Buenos Aires, encontró un excelente maestro y entró al Colón”. Para Herrera, estos encuentros también permiten descubrir aquello que todavía se necesita aprender: “Te abre los ojos. Poder ver el nivel, ver la forma en que se enseña, si uno está en lo correcto, es fantástico”.

Esa transmisión no se limita a preparar a alguien para una carrera profesional. Herrera considera que la danza deja aprendizajes que pueden acompañar a una persona en cualquier ámbito de su vida. “La danza ayuda para todo, todo, todo, por más que uno después no vaya a bailar profesionalmente. El foco, la disciplina, el detalle que uno pone en una carrera de bailarín después se puede aplicar a todo”, afirma. A esas herramientas suma algo que considera inseparable de la técnica: la sensibilidad. “Uno en el escenario es transparente. Se ve perfectamente a la persona como persona. Hay gente que tiene algo especial, porque además del talento, además de la técnica, las posiciones, los pies, los brazos, el salto, el giro, tiene algo que ver con la parte artista y con cómo es también uno como ser humano”.

La disciplina no debería dar miedo

La exigencia ha formado parte históricamente de la enseñanza del ballet, pero Herrera distingue entre la disciplina que impulsa a mejorar y las prácticas que terminan paralizando a los bailarines. “Las generaciones de ahora no tienen nada que ver con la que teníamos nosotros. Los maestros eran muchísimo más exigentes”, observa. Ella misma sufrió en determinados momentos por la manera en que algunos docentes transmitían sus correcciones. “Yo sufrí mucho, porque era muy sensible, tal vez. Siempre fui muy, muy sensible”.

A lo largo de su carrera encontró maestros con los que pudo trabajar de manera intensa sin que el rigor se convirtiera en maltrato. Recuerda especialmente a Irina Kolpakova, su maestra durante 25 años en el American Ballet Theatre, y a Kevin McKenzie, quien dirigió esa compañía. La diferencia, para ella, no está en dejar de corregir o de exigir, sino en la forma de hacerlo.

Su experiencia también estuvo marcada por el encuentro con coreógrafos o asistentes que tenían personalidades difíciles. “De repente, cuando venía algún coreógrafo o alguna repositora a montar algo y tenían esas personalidades terribles, era un sufrimiento”. En esas situaciones descubrió que no todas las personas responden de la misma manera al rigor y que el temor puede convertirse en un obstáculo para el aprendizaje. “Yo nunca he trabajado bien con el miedo. Yo era súper trabajadora pero, claro, si había buena onda intentaba otra vez, otra vez, otra vez. Cuando estaba con miedo me paralizaba, y eso no está bueno”.

Por eso, cuando le toca estar del otro lado, busca conservar aquello que la ayudó a crecer y dejar atrás lo que le hizo daño. “Yo soy totalmente consciente de que uno saca mucho más de los bailarines con otra sensibilidad, con otra forma de trabajar. Trato de mantener lo que a mí me ayudó, esa forma de trabajo, la disciplina, de siempre tratar de mejorar, pero con la mejor onda. Y lo de aquellos maestros que me han marcado por el miedo, trato de no repetirlo, porque sé que no funciona”. Eso no significa, aclara, renunciar al respeto por el arte ni a la concentración. “Para mí ir a clases es como ir a un templo”. La disciplina, el respeto y la pasión siguen siendo esenciales; lo que cambia es la manera de transmitirlos.

Una carrera sostenida por otros

Cuando Herrera piensa en el recorrido que la llevó desde Buenos Aires hasta los principales escenarios internacionales, no atribuye su trayectoria únicamente al talento o a la voluntad personal. “El secreto de mi carrera han sido mis padres maravillosos”, resume. Destaca que la acompañaron desde niña, la apoyaron en sus decisiones y le permitieron dedicarse a aquello que la hacía feliz, sin imponerle la obligación de convertirse en una figura. “Siempre me han dejado hacer lo que yo quise, pero jamás presionando, jamás con esa presión de tener que hacer carrera. Siempre me dijeron: ‘Hacé lo que te haga feliz’”.

Ese acompañamiento se traducía en gestos concretos: si quería ir al Teatro Colón, participar en un concurso o asistir a una actividad vinculada con la danza, sus padres buscaban la manera de acompañarla. Pero Herrera recuerda que nunca sintió que tuviera que cumplir expectativas ajenas. “Ellos me apoyaron siempre, pero jamás pidieron nada a cambio, jamás me obligaron, jamás querían que fuera mejor que nadie”. También destaca que sus padres no iban a verla a las clases, porque consideraba importante que la contención familiar no se confundiera con una intromisión en el proceso de formación. “Es fundamental tener un equilibrio, de poder contener, estar, ayudar, pero no de meterse, no ser el típico padre-bailarín espantoso, y eso lo hablo mucho”, dijo entre risas.

“Uno no puede hacer este tipo de caminos solo, nunca. Siempre hay gente que ayuda, siempre hay maestros, siempre hay oportunidades, y suerte también”, reconoce. En su caso, haber estado en Nueva York y coincidir con una audición para el American Ballet Theatre fueron circunstancias decisivas. A eso se sumó su propia determinación: “Yo obviamente tenía una personalidad muy fuerte, amaba lo que hacía”. Herrera llegó a esa etapa de su vida con un objetivo definido y asegura que no vivió la distancia de su familia como un sufrimiento, porque estaba feliz de perseguir aquello que quería.

Por eso, no suele contar su trayectoria en términos de sacrificio. “Yo siempre disfruté muchísimo de mis clases”, recuerda. Mientras otros adolescentes salían o asistían a fiestas, ella prefería continuar con su formación. “No entiendo el tema del sacrificio que hace el bailarín. El bailarín hace lo que ama y, por supuesto, tiene su disciplina, pero sacrificada es gente que realmente tiene que trabajar de cosas que no le gustan y que tiene una vida dura, eso es sacrificio, no la de un bailarín que está haciendo lo que ama”. Su experiencia, sin embargo, estuvo acompañada por una familia que pudo sostener sus decisiones y por oportunidades que no dependen exclusivamente de la voluntad individual. “Cada uno tiene que elegir la vida que quiere”, afirma. En su caso, esa elección fue bailar.

La educación pública y el acceso real

En la historia de Herrera, la educación pública ocupa un lugar central. Estudió en una escuela estatal y se formó en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, una institución pública a la que se ingresa mediante audiciones. Por eso, cuando habla de su trayectoria, no considera que su llegada a Nueva York haya sido el comienzo de su formación artística. “Yo soy producto argentino, yo me hice acá. Después, a los 15 años, me fui a Nueva York, pero no es que yo era un desastre acá y después me fui a Estados Unidos y me hicieron bárbara. No, no. Yo soy producto argentino”, sostiene.

La posibilidad de acceder a una formación sin pagar los costos de numerosas escuelas privadas de otros países es, para ella, una de las fortalezas del sistema argentino. “En Estados Unidos la educación es carísima, entonces, salvo que uno realmente tenga los medios para poder pagar, es difícil. En cambio, acá, para entrar al Colón puede audicionar cualquiera”. Herrera se muestra orgullosa de haber recibido una formación pública y de que la posibilidad de ingresar no esté condicionada, en principio, por la capacidad económica de una familia.

En su propio recorrido también hubo apoyos privados que reconoce como importantes. “La educación en el teatro fue gratuita, pero uno siempre, obviamente, quieras o no, necesita esa ayuda. Mis padres pudieron pagar estas clases extras con alguien, para concursos y esto y lo otro”, cuenta.

“Para mí lo importante es que todos tengan posibilidad”, insiste. La oportunidad de entrar a una escuela y recibir formación debería estar abierta a quienes tengan las condiciones para hacerlo, sin que el dinero sea el primer filtro. Después, señala, el trabajo individual también tiene un papel: “Si un bailarín entró, tiene talento y no trabaja, y no hace nada, bueno, chau; pero por lo menos tiene la posibilidad de intentar”. Para Herrera, garantizar ese primer acceso es una responsabilidad central de las instituciones, porque permite que el futuro de un bailarín no quede definido de antemano por los recursos de su familia.

El Teatro Colón y los límites de la gestión artística

Entre 2017 y febrero de 2022, Herrera estuvo al frente del Ballet Estable del Teatro Colón. La experiencia la enfrentó a dificultades que iban más allá de las decisiones artísticas y que, según explica, terminaron limitando su capacidad para renovar la compañía. “Es muy diferente una compañía que una escuela. El Colón, en el sentido de la escuela, me parece fantástico que sea gratuito y que todos puedan entrar por audición. Ahora, el tema de la compañía tiene un montón de otras cosas, justamente porque es del Estado”, señala.

Uno de los principales obstáculos estaba relacionado con la composición de la plantilla y las dificultades para renovar el elenco. “Era imposible mantener un cuerpo estable de 100 bailarines y que la mitad tuvieran más de 50″, afirma. La situación planteaba cuestiones laborales y administrativas vinculadas con las jubilaciones, que no podían resolverse exclusivamente desde la dirección artística. “La gente que está en edad de jubilarse tiene que jubilarse, se tiene que ir contenta. Uno no le va a dar una patada y se van a ir, obviamente, pero tiene que ser como en otras compañías, que algunos se van para que otros puedan entrar”.

Para Herrera, el problema tenía también una arista personal. Ella llegó al American Ballet Theatre a los 15 años y se convirtió en primera bailarina a los 19 porque alguien le ofreció una oportunidad. Esa experiencia marcó su manera de pensar la responsabilidad de dirigir una compañía: sabía cuánto podía significar para un artista que se abriera una puerta en el momento adecuado. “Tuve una carrera como la que tuve porque alguien me dio una oportunidad. Entonces, con más razón, no puedo estar como directora y decir a las nuevas generaciones: ‘Esperen hasta que toda esta gente tenga 65 años y se vaya’”. Quería que los nuevos bailarines tuvieran posibilidades concretas de incorporarse al elenco, pero necesitaba cambios que excedían sus atribuciones.

“Desde la parte artística yo no lo podía solucionar y no tenía apoyo ni del Gobierno ni de la dirección del Colón”, afirma al recordar su decisión de dar un paso al costado. La gestión le demandó cinco años que describe como extremadamente difíciles. A pesar de ello, reivindica el trabajo realizado durante su período. “Traté de darle las posibilidades a las personas que se lo merecían y llevar a los bailarines más maravillosos, a los coreógrafos más increíbles. Yo estoy súper orgullosa de mis cinco años ahí”. La experiencia le dejó una certeza sobre los límites de la dirección: “Si la dirección artística tiene todas las pilas para hacer los cambios, para que vaya bien y que brille la compañía, pero no te están ayudando de la dirección general, ni del Gobierno, ni nada, es muy difícil”.

Regresar a Paraguay

Herrera vuelve a Asunción con una relación con el país que se construyó en diferentes momentos de su carrera. “Para mí de verdad que es un placer, siempre tengo los mejores recuerdos de cada vez que fui a Paraguay”, dice. Entre esos recuerdos destaca especialmente su despedida del escenario paraguayo con la obra “Giselle”, en 2015, una experiencia que define como hermosa y muy especial. Sus visitas estuvieron ligadas a distintas etapas de su vida artística y, en esta ocasión, regresa para encontrarse con bailarines desde el lugar de la enseñanza.

También recuerda haber vuelto para compartir su autobiografía y participar en más actividades de formación. La enseñanza, asegura, conserva para ella la misma intensidad que el escenario. “A me encanta dar clases, me encanta hacer coaching, un poco porque es mi mundo, es mi burbuja, ha sido siempre mi lugar”. Lo que busca transmitir no se limita a los conocimientos acumulados durante décadas de trabajo: quiere que quienes se forman con ella puedan experimentar esa pasión que la acompaña desde la infancia. “Trato de transmitir eso, el amor, la pasión, las ganas y toda esa intensidad con la que yo viví mi carrera: de estudiante, de bailarina, de directora, de docente, en diferentes etapas, pero siempre con la misma pasión”.

Cuando le pregunto qué le gustaría dejar a las nuevas generaciones, Herrera vuelve a pensar en lo que habría significado para ella escuchar, en sus primeros años, a una bailarina a la que admiraba. “Ojalá yo hubiese tenido estos secretos. A mí me hubiese encantado poder estar sentada con una bailarina que yo admiraba y que me pudiera contar sus experiencias, o lo que ha vivido. Así me ahorraban un poco esos pensamientos que uno va pasando por la vida y se piensa que es la única a la que le pasa”. Su deseo es compartir las experiencias que acumuló en las distintas etapas de su carrera, sin separar la formación artística de todo lo que implica atravesarla. Y, cuando intenta resumir qué quiere transmitir, vuelve a aquello que la ha sostenido desde niña: “Ese sería mi legado: mi pasión y mi amor”.

Seminario de técnica de ballet y repertorio

Paloma Herrera impartirá un seminario de técnica de ballet y repertorio los días 23, 24 y 25 de octubre en Paz Dance Studio, ubicado en Bélgica 860, entre Tte. Héctor Vera y Lillo, en Asunción. Las clases de técnica tendrán lugar el viernes de 17:00 a 18:30 y el sábado y domingo de 10:30 a 12:00. Las de repertorio serán el viernes de 19:00 a 20:30 y el sábado y domingo de 12:30 a 14:00. Cada módulo tiene un costo de G. 1.200.000 y el paquete para ambos cuesta G. 2.100.000. Además, el sábado a las 14:00 se realizará una charla gratuita para los participantes. Los cupos son limitados y las consultas e inscripciones se pueden realizar al (0981) 830-063.

“Yo fui reconocido como ciudadano destacado de mi ciudad en el rubro de artesanía. Pero no puedo dedicarme solo a eso porque no da para subsistir. Me dedico a la docencia y así trato de salir adelante”, mencionó.

Esquivel proviene de una familia de artesanos y comenzó a dedicarse al oficio desde muy pequeño. Actualmente, pertenece a la tercera generación de su familia que procura mantener esta tradición, pero reconoce que no tiene muchas esperanzas de que sus descendientes continúen con la actividad, debido a las dificultades que atraviesa el sector.

Alto costo de la materia prima

Uno de los principales problemas es el aumento del precio de la madera, materia prima fundamental para la elaboración de numerosas piezas artesanales. “Antes comprábamos madera para un trabajo grande por G. 700.000; ahora cuesta G. 1.500.000 o, a veces, incluso más”, resaltó.

Pese a estas dificultades, el artesano señaló que, en su caso particular, cuenta con pedidos. Sin embargo, considera que la situación de otros trabajadores es más complicada, especialmente para quienes no disponen de capital suficiente para adquirir materiales y sostener la producción.

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Reclaman créditos blandos para los artesanos

Esquivel mencionó que uno de los principales pedidos a las autoridades es la habilitación de créditos blandos que permitan a los artesanos invertir en materia prima y mejorar sus condiciones de trabajo.

Explicó que muchos trabajadores carecen de capital propio y se ven obligados a vender sus productos a precios muy bajos, prácticamente regalándolos, para responder a sus necesidades económicas inmediatas.

A su criterio, la artesanía es una actividad que puede generar importantes ingresos y dinamizar la economía local si se aprovecha adecuadamente. Además de su valor económico, constituye parte del acervo cultural de Tobatí, por lo que considera fundamental impulsar políticas que permitan fortalecer el sector.

Jóvenes pierden interés en el oficio

El artesano también manifestó su preocupación por la falta de interés de muchos jóvenes en aprender el oficio. Indicó que la escasa valoración de la actividad y la falta de oportunidades económicas desmotivan a las nuevas generaciones.

En ese sentido, planteó la creación de talleres gratuitos dirigidos a jóvenes, acompañados de recursos para remunerar a los artesanos que se encarguen de enseñar las técnicas y transmitir sus conocimientos.

Advirtió que varias familias tradicionales de la artesanía tobateña ya optaron por dedicarse a otros rubros, situación que pone en riesgo la transmisión de saberes acumulados durante décadas.

“En mi caso, soy de la tercera generación de artesanos de mi familia y ya no creo que continúe, justamente por la falta de apoyo”, lamentó.

Finalmente, Esquivel instó a las autoridades locales y nacionales a tomar medidas para evitar que esta tradición desaparezca y pidió brindar mejores condiciones a quienes mantienen vivo el oficio.

“Aún estamos a tiempo para que este hermoso oficio no se pierda. Apoyen a los artesanos”, puntualizó Jorge Esquivel.

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“Es un fin de semana soñado para mi música”: obras de Diego Sánchez Haase llegan a Italia, Estados Unidos y Venezuela

Señaló que, por cuestiones de tiempo para los ensayos, la obra que presentará en Asunción será el Concierto para piano N° 20 en Re Menor, de Wolfgang Amadeus Mozart. Detalló además que este concierto contará “con una cadencia muy especial” del compositor ruso Antón Rubinstein.

“La música de Mozart es muy difícil”, aseguró Troncanetti. Sostuvo que, a la hora de tocar estas horas, las “notas tienen que ser limpias”, con mucha precisión y “no se puede esconder nada”.

Esta presentación junto a la OSIC estará enmarcada en la celebración de la Semana de la Lengua Italiana en el mundo, por lo que antes de interpretar esta obra de Mozart también se podrán escuchar dos oberturas del compositor italiano Gioachino Rossini.

Del fútbol a convertirse en un concertista de piano que recorre el mundo

Ludovico Troncanetti tiene 35 años y antes de iniciar su camino con la música aspiraba convertirse en futbolista profesional. Pero, según comentó, a los 14 años empezó a llamarle la atención el piano vertical que había en la clase de música de su escuela secundaria.

“Simplemente por curiosidad. Desde allí, todo empezó”, señaló. Troncanetti se graduó en el Conservatorio de Milán y perfeccionó su formación con maestros como Leslie Howard, con quien estudió varios años en Londres y compartió escenarios internacionales.

Afirmó que actualmente ya no le interesa el fútbol, mientras que el piano se ha convertido en su gran pasión. “Es mi vida, todo es en torno al piano”, indicó.

Su experiencia como pianista lo ha llevado por escenarios de distintos países del mundo. Recordó que, por ejemplo, en Latinoamérica ya ha estado dos veces en Ecuador para dos giras de conciertos, así como en Chile. También estuvo en Cuba.

“Son paisajes muy distintos, comidas diferentes, la gente es muy cálida, cariñosa, muy especial”, remarcó. Sostuvo que, debido a la gran inmigración italiana que hubo hacia esta región de Latinoamérica, “somos como primos” y siente que está en familia.

No obstante, señaló que no se acostumbra a estar solo durante los viajes que realiza alrededor del mundo. “Me siento solo durante el viaje, puedo conocer gente nueva, pero luego del concierto es regresar a casa... Es parte del contrato que no está escrito”, expresó.

El artista afirmó que lo que más le gusta tocar en el piano son las obras del periodo romántico. Sostuvo que si bien disfruta de interpretar obras clásicas de compositores como Mozart, Beethoven y Haydn, prefiere las obras de Chopin en adelante “hasta los primeros 10 o 20 años del siglo pasado”.

OSIC prepara un programa diverso, con el estreno de DIRT

El programa que presentará la OSIC en este concierto, bajo la batuta del maestro Gabriel Graziani, estará enmarcado en el festival “Caminos de la Ópera Lírica”. También albergará al estreno de DIRT, una obra de la compositora y artista sonora estadounidense Julie Herndon.

La artista llegó al país con el apoyo de la Universidad Politécnica Estatal de California en San Luis Obispo (Cal Poly) para presentar la instalación performática “Moratoria Revocada/sueños desgarrados”, junto al artista visual Luis Vera.

“DIRT” es una pieza para orquesta sinfónica, piano, percusión y electrónica, de aproximadamente diez minutos de duración. El título, que puede traducirse como ‘tierra’ o ‘suelo’, parte de la idea central: la tierra está viva.

“Está poblada de microorganismos y bacterias que transforman la roca en suelo, concentran minerales y abren espacio bajo la superficie. En colaboración con las raíces de las plantas, otros organismos y elementos como el agua y el aire, la tierra descompone y construye vida”, añade un comunicado de la orquesta.

Detalla además que, en el proceso de composición, Herndon realizó grabaciones “de campo bajo tierra, bajo el agua y en la superficie, de las que extrajo alturas, texturas y ritmos que luego se convirtieron en material musical”.

La obra recorre tres estados ecológicos: la tierra que se composta bajo el suelo, la tierra filtrada bajo el agua por las ostras y la tierra suspendida en el aire entre las hojas y el viento.

Clásicos de terror literario: libros imperdibles para leer en Halloween

1. El miedo tiene historia

Mary Shelley (1797–1851)

Novelista y ensayista británica, vinculada al Romanticismo y considerada una de las pioneras de la ciencia ficción.

Libro destacado: Frankenstein — Un científico crea vida y abandona a su criatura. El horror también radica en las decisiones de su creador.

Emilia Pardo Bazán (1851–1921)

Novelista, periodista y ensayista española, impulsora del naturalismo en su país y defensora de la educación y los derechos de las mujeres.

Libro destacado: La cita y otros cuentos de terror — Diez relatos que exploran el miedo y lo fantástico desde el imaginario gallego.

2. El peligro también vive en casa

Daphne du Maurier (1907–1989)

Novelista, cuentista y dramaturga británica, reconocida por su contribución a la literatura de suspenso psicológico y a la tradición gótica del siglo XX.

Libro destacado: Rebeca — Una joven llega a Manderley, donde el recuerdo de la primera esposa de su marido parece dominarlo todo.

Shirley Jackson (1916–1965)

Novelista y cuentista estadounidense, considerada una figura fundamental de la literatura gótica y del terror psicológico del siglo XX.

Libro destacado: Siempre hemos vivido en el castillo — Dos hermanas viven aisladas junto a su tío tras el envenenamiento de varios familiares. La tranquilidad resulta sospechosa.

3. Hay presencias que permanecen

Anne Rice (1941–2021)

Novelista estadounidense, reconocida por su narrativa gótica y sobrenatural y por su influencia en la representación contemporánea de los vampiros.

Libro destacado: Entrevista con el vampiro — Louis relata su transformación en vampiro y su vínculo con Lestat. Una historia de inmortalidad, deseo y horror.

Susan Hill (n. 1942)

Novelista y cuentista británica, autora también de teatro y memorias. Su trayectoria abarca la ficción literaria, el misterio y los relatos de fantasmas.

Libro destacado: La mujer de negro — Un abogado viaja para resolver una herencia y se topa con una aparición ligada a una tragedia que el pueblo prefiere olvidar.

4. Lo cotidiano se vuelve pesadilla

Joyce Carol Oates (n. 1938)

Novelista, cuentista y ensayista estadounidense, ganadora del National Book Award y reconocida por la amplitud y diversidad de su producción literaria.

Libro destacado: Zombi — Inspirada en Jeffrey Dahmer, esta novela explora la violencia humana. Una lectura perturbadora en la que el horror no necesita de lo sobrenatural.

Lea más: Clásicos de culto: las películas que cambiaron el cine de terror y sus nuevas versiones

Mariana Enriquez (n. 1973)

Escritora, periodista y docente argentina, considerada una de las principales voces del terror latinoamericano contemporáneo. Su producción incluye cuentos, novelas y crónicas.

Libro destacado: Las cosas que perdimos en el fuego — Doce cuentos en los que la violencia, las desapariciones y lo sobrenatural se cruzan. El miedo habita en las calles, las casas y los cuerpos.

5. Nadie está a salvo

Mónica Ojeda (n. 1988)

Novelista, cuentista y poeta ecuatoriana, reconocida por una narrativa que explora el miedo, la violencia y los vínculos entre mujeres.

Libro destacado: Mandíbula — Una adolescente despierta secuestrada por su profesora. Amistades intensas, un culto secreto e historias de terror de internet se entrelazan en esta novela.

Silvia Moreno-García (n. 1981)

Novelista y editora mexicana y canadiense, cuya obra abarca el terror, la fantasía, el policial y la ficción histórica.

Libro destacado: Gótico — Una carta lleva a Noemí a una mansión aislada en México para ayudar a su prima. Allí encuentra una familia inquietante y sueños amenazantes.

“Micro-Pedras” propone dos obras breves en Chinchilla Bar

El ensamble estará integrado también por Bruno Muñoz en saxofón, Víctor Scura en teclados, Juanpa Giménez en bajo y el trompetista venezolano Jonathan Piñero. El repertorio recorrerá obras de referentes universales del latin jazz, con arreglos contemporáneos y composiciones de autores paraguayos, en un diálogo entre las raíces del jazz afrocubano y la identidad musical local.

“El latin jazz tiene una energía única que conecta de inmediato con la gente”, señaló Morel sobre la propuesta, que busca reunir la riqueza rítmica de la música latinoamericana con la improvisación característica del jazz. El acceso al concierto será libre y gratuito. Para reservar mesas, los interesados pueden comunicarse con Sacramento al número +595971405014.

“Es un fin de semana soñado para mi música”: obras de Diego Sánchez Haase llegan a Italia, Estados Unidos y Venezuela

“2 años cantando al Paraguay” se denomina esta celebración, que se llevará a cabo a partir de las 19:00, con acceso libre y gratuito. Según detalló la institución, el repertorio está compuesto en su totalidad por música paraguaya.

Como invitados especiales estarán los cantantes:

• Ricardo Flecha
• Mirta Noemi Talavera
• Milagros Medina
• Dani Blaires
• Dalma Ferreira
• Myrian Beatriz
• Joel Sandino

También se sumarán integrantes del plantel de la Onamp como la cantante Melissa Hicks y el trompetista Salvador García.

Igualmente serán parte de esta presentación el arpista Marcelo Rojas, el requintista Juan Cancio Barreto y el guitarrista Juan Vera Esquivel.

La Onamp se creó a través de la Ley N° 7136/2023 y tiene como objetivo revalorizar la cultura paraguaya, reafirmar la identidad nacional y proyectar la música popular a todos los rincones del país.

La agrupación celebró su concierto inaugural el 21 de octubre de 2024 en la explanada del Palacio de López. Actualmente está dirigida por el maestro Luis Álvarez.

El primer monstruo moderno

En 1818, Mary Shelley escribió Frankenstein, la obra fundacional que mezcló la ciencia, el horror y el sufrimiento humano como ninguna otra, planteando dilemas éticos y existenciales que siguen vigentes.

Clásicos de culto: las películas que cambiaron el cine de terror y sus nuevas versiones

El señor de las sombras

Bram Stoker inmortalizó el mito del vampiro con Drácula (1897), una novela epistolar cargada de suspenso, sensualidad y horror victoriano que consolidó las bases de la mitología de los No-Muertos.

El maestro del relato corto

Edgar Allan Poe perfeccionó la atmósfera de claustrofobia, obsesión y locura en cuentos inolvidables como El corazón delator y La caída de la Casa Usher, explorando los recovecos más oscuros de la psique humana.

El terror viene del espacio

H.P. Lovecraft creó el horror cósmico con La llamada de Cthulhu. En su obra, el miedo a lo desconocido e insondable alcanza su máxima expresión ante entidades ancestrales que empequeñecen a la humanidad.

Casas que no olvidan

La maldición de Hill House (1959), de Shirley Jackson, sentó las bases del terror psicológico moderno y de las historias de casas embrujadas, priorizando el terror mental y la paranoia sobre el sobresalto explícito.

La posesión que marcó una época

William Peter Blatty sacudió al mundo en 1971 con El Exorcista, demostrando la fuerza arrolladora del terror religioso, la fe y el horror psicológico en el tejido de la sociedad contemporánea.

La guía del miedo: películas recomendadas por los fans

El rey del terror moderno

Stephen King redefinió el género en la segunda mitad del siglo XX con clásicos inoxidables como It, El Resplandor y Carrie, logrando llevar la pesadilla directamente a la vida cotidiana y a los terrores más íntimos de la gente común.

La Asociación Noche de Museos-Paraguay destacó que este 2026 “tiene un sentido muy especial”, ya que la organización celebra diez años de labor continua e ininterrumpida.

“A lo largo de esta década, el mayor logro de la iniciativa ha sido transformar radicalmente la percepción del público sobre los museos. Lo que antes se consideraba un recorrido estático, hoy se vive como una experiencia vibrante, dinámica y de encuentro”, agregó la organización, a través de un comunicado.

Señalaron además que, tras diez años de trabajo, la organización celebra “que nuestra historia, el arte y la ciencia hoy se viven en las calles y a puertas abiertas en una noche vibrante y única”.

La organización afirmó que “sostener este esfuerzo año tras año representa un desafío inmenso y un despliegue logístico monumental, consolidando un modelo de trabajo colaborativo sin precedentes entre entidades gubernamentales, empresas del sector privado, directores de museos y gestores de sitios de interés patrimonial”.

“Todo este esfuerzo cobra sentido al ver a miles de visitantes redescubriendo su cultura”, remarcaron.

Algunas ciudades que serán parte de la Noche de Museos 2026

La organización de Noche de Museos 2026 anunció que para esta décima edición se prevé que casi 100 museos y espacios culturales abran sus puertas.

Para facilitar el recorrido, la organización pondrá a disposición buses gratuitos que abarcarán museos de:

• Asunción
• Luque
• Lambaré
• San Lorenzo
• Capiatá
• Areguá

Las otras ciudades que también contarán con sus propios itinerarios de movilidad son:

• Ciudad del Este
• Hernandarias
• Encarnación
• Trinidad
• Hohenau
• Bella Vista

El evento también contará con actividades complementarias para el disfrute de la ciudadanía, que se irán revelando en los próximos días.

Esta edición de la Noche de los Museos cuenta con el apoyo de los Fondos de Cultura 2026, de la Secretaría Nacional de Cultura. El evento también fue reconocido como Marca País.

Esta actividad fue declarada de interés por la Senatur, la SNC, el Ministerio del Ambiente de Desarrollo Sostenible, la Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte de la UNA, entre otras instituciones.

De acuerdo con el documento enviado por la asociación a la escritora, la distinción se otorga cada año a personas e instituciones de nuestro país y del exterior, comprometidas con el arte, la cultura y la identidad nacional.

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Además, el documento expresa: “Busca reconocer a quienes, desde su labor, ayudan a mantener viva la memoria y el espíritu de nuestra patria. Su trayectoria une una historia de perseverancia, formación académica y compromiso con la literatura de su región”.

Galardonada escribe su segundo libro

Nancy Rojas Cardozo nació en Concepción el 26 de abril de 1975. A los 8 años empezó a manifestarse en ella una enfermedad autoinmune que le dejó discapacidad física motriz.

El 10 de octubre de 2025 presentó su primer libro, titulado “Valientes, un tributo al amor, a la vida y a la esperanza”.

Actualmente, se encuentra escribiendo su segunda obra, “Mujeres de mi tierra”, una compilación dedicada a las vidas y obras literarias de mujeres de la zona norte del país.

“Micro-Pedras” propone dos obras breves en Chinchilla Bar

La agenda incluye el estreno europeo de su ópera “Gastón Gadín. Monólogo de un fusilado”, además de las interpretaciones de “Dos recuerdos de Villarrica” y “Sonata paraguaya para orquesta de cuerdas”.

La ópera sobre Gastón Gadín tendrá su estreno europeo en Italia

La primera cita será este viernes 23 de octubre, a las 18:00, en el Teatro San Girolamo de Lucca, Italia, donde se presentará la ópera “Gastón Gadín. Monólogo de un fusilado”, en el marco del Puccini Chamber Opera Festival. Sánchez Haase estará a cargo de la dirección musical, mientras que el tenor paraguayo Carlos Lezcano, residente en Barcelona, interpretará al protagonista. La dirección escénica será de Alessandro Bianchi.

La obra, definida como una ópera macabra en diez microcuadros, tuvo su estreno mundial recientemente en Asunción, durante el Festival Internacional Caminos de la Ópera Lírica, organizado por la Orquesta Sinfónica del Congreso Nacional (OSIC). Con un lenguaje contemporáneo, aborda la historia de Gastón Gadín, el francés que fue fusilado en Paraguay el 1 de diciembre de 1917, tras ser condenado por el asesinato de sus padres, ocurrido en Villa Morra en 1915.

El caso generó una fuerte controversia en la sociedad paraguaya, tanto por la presión ejercida para que se aplicara la pena capital como por la edad del acusado. Según la legislación de la época, la condena a muerte de un menor debía sustituirse por una pena de 30 años de prisión, disposición que no se aplicó en el caso de Gadín.

La ópera volverá a presentarse el 31 de octubre en Reggio Calabria, también en Italia, como parte del Cilea Opera Festival. La participación de Sánchez Haase en el país europeo cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec), a través de su programa de movilidad y festivales.

Una obra sinfónica inspirada en Villarrica llegará a Estados Unidos

El sábado 24, la música del compositor guaireño llegará a Minnesota, Estados Unidos, donde la Mankato Symphony Orchestra interpretará “Dos recuerdos de Villarrica” durante el primer concierto de su temporada 2026/2027. La agrupación estará dirigida por el maestro paraguayo Ernesto Estigarribia Mussi, su titular.

La obra sinfónica reúne dos piezas inspiradas en la ciudad natal de Sánchez Haase. La primera, “En karumbé. Una estampa de Villarrica”, propone un recorrido musical por un viaje en karumbé, el tradicional transporte de pasajeros tirado por caballos, entre la terminal de ómnibus de la ciudad y el Mercado Municipal Nº 2. Estrenada en Washington en el año 2000, la pieza obtuvo el Premio Nacional de Música en 2003.

La segunda, “Variaciones guaireñas sobre un tema paraguayo”, rinde homenaje al arpista Félix Pérez Cardozo y al arpa paraguaya. La composición invierte el orden convencional del tema con variaciones: presenta primero siete variaciones y deja para el final la melodía de “Pájaro campana”, una de las piezas más representativas del repertorio del arpa paraguaya. Su estreno mundial tuvo lugar en 2003, a cargo de la Orquesta Sinfónica de Mar del Plata, bajo la dirección del propio Sánchez Haase.

La polca paraguaya sonará en un festival de música en Venezuela

La agenda concluirá el domingo 25 en Caracas, Venezuela, con la interpretación de “Sonata paraguaya para orquesta de cuerdas” por parte de la Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho, dirigida por José José Giménez. La presentación se realizará en la sala de conciertos de la Asociación Cultural Humboldt, como parte de la 23ª edición del Festival Latinoamericano de Música.

En esta obra, Sánchez Haase explora la rítmica de la polca paraguaya desde un lenguaje contemporáneo, con pasajes solistas para violín, viola y contrabajo, además de técnicas extendidas que amplían las posibilidades sonoras de los instrumentos de cuerda.

La composición fue encargada por la Asociación Música de Cámara de Nueva York y se estrenó en esa ciudad en mayo de 2014. Recientemente, también fue interpretada en el Palacio de Bellas Artes de México por la Orquesta de Cámara de Bellas Artes. La OSIC grabó la obra en 2016.

“Es un fin de semana soñado para mi música”, expresó Sánchez Haase desde Italia. “Lo mejor que le puede ocurrir a un compositor es que su obra se toque, y más aún si es en diferentes lugares del mundo”, afirmó.

El compositor manifestó su satisfacción por la proyección internacional que ha alcanzado su música y señaló que actualmente cuenta con varios encargos para los próximos años. Esta continuidad, explicó, lo motiva a seguir desarrollando su lenguaje expresivo, explorar nuevas posibilidades sonoras y contribuir al repertorio de la música académica paraguaya.

La puesta está basada en la vida y el legado de José Asunción Flores, creador de la guarania, y fue escrita por el dramaturgo paraguayo Javier Viveros. La interpretación está a cargo del elenco La Teatral Villa Rica, bajo la dirección de Pedro Juan Paredez Argüello.

La propuesta escénica busca acercar al público a la historia del músico paraguayo a través de una combinación de teatro, música, imágenes y recursos audiovisuales. Además de repasar su trayectoria artística, aborda aspectos de su vida personal, las dificultades que atravesó y las circunstancias que marcaron su camino como compositor.

“Flores del Yuyal” inicia en Coronel Oviedo una gira nacional sobre la vida del creador de la guarania

Uno de los ejes centrales de la obra es la relación entre José Asunción Flores y el poeta guaireño Manuel Ortiz Guerrero, cuya amistad y colaboración dieron origen a composiciones emblemáticas de la música paraguaya.

Gira de presentación de la obra teatral se realizó en varias ciudades

La gira nacional comenzó el jueves 8 de octubre en el Espacio Cultural Clemente Róga de Coronel Oviedo. Posteriormente, el elenco llevó la obra a Encarnación, el miércoles 14, y a Caazapá, el jueves 15, antes de preparar la función de cierre en Villarrica.

El recorrido forma parte de un proyecto adjudicado en la categoría Giras Culturales Nacionales de los Fondos de Cultura 2026 de la Secretaría Nacional de Cultura, con el objetivo de acercar propuestas artísticas a públicos de distintas localidades del país.

Entradas preferenciales para estudiantes

Las entradas para la función en el Teatro Municipal de Villarrica tienen un costo de G. 10.000 para estudiantes y G. 20.000 para el público en general.

Los interesados pueden adquirirlas en la oficina de la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Villarrica, ubicada al costado del escenario del Teatro Municipal.

“Micro-Pedras” propone dos obras breves en Chinchilla Bar

Según el comunicado del artista, la propuesta busca explorar las posibilidades sonoras de la guitarra más allá del formato solista. “El hilo conductor del concierto será la guitarra de inicio a fin, pero este año decidí incluir una batería, un bajo y un piano, como instrumentos de base, y algunos invitados especiales”, adelantó Guzmán.

El músico explicó que la intención es integrar la guitarra a una formación de cuarteto y experimentar con diferentes sonoridades, manteniendo al instrumento como eje del espectáculo.

De Sting al folclore paraguayo

El repertorio comenzará con “Fragile” y “Shape of My Heart”, del músico británico Sting, dos canciones en las que la guitarra tiene un papel destacado. También incluirá “Signe”, de Eric Clapton, tema que Guzmán eligió por su tratamiento rítmico.

La propuesta sumará composiciones propias, entre ellas “Plaza de diciembre” y “Luz del sol”, con letras que evocan recuerdos, nostalgias y experiencias personales.

Hacia el cierre, el recital se centrará en clásicos de la música paraguaya, con arreglos para guitarra de obras como “Cascada”, de Digno García; “Pájaro choguy”, de Guillermo Breer, y “Paraguaya linda”, de Cardozo Ocampo y Pierpauli, entre otras.

Guzmán estará acompañado por Esteban Godoy, en piano; Luis Tellechea, en bajo eléctrico; Mike Salomón, en batería; y Giulia Guzmán y Martina Branda, en coros.

Formación y trayectoria

Guzmán comenzó a estudiar guitarra a los siete años, influenciado por su padre, César Guzmán. Posteriormente, se formó en el Conservatorio Giuseppe Nicolini de Piacenza, Italia, y participó en clases magistrales con guitarristas como Oscar Ghiglia, Marcin Dylla, Nuccio D’Angelo, Massimo Leonardi y Arturo Tallini, de Italia, y Pablo Márquez, de Argentina.

Su trayectoria incluye reconocimientos en concursos de guitarra clásica en Paraguay e Italia. Además de su actividad como concertista, Guzmán se desempeña como docente de guitarra. Cuenta con el material discográfico “La belleza de la vida”, que reúne arreglos de música paraguaya para guitarra solista.

Las entradas anticipadas cuestan G. 40.000 y en puerta tendrán un precio de G. 50.000. Las reservas se realizan al teléfono 0983 873-318.

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El autor de ‘El loro de Flaubert’ recordó que una periodista le pidió a una IA un párrafo de inicio de una novela nueva de Julian Barnes y que el resultado fue un mero plagio “y el resto imitación”.

“No me siento amenazado por la inteligencia artificial hasta que sea más inteligente y escriba mucho mejor, pero para entonces ya estaré muerto. Los jóvenes sí deberían estar preocupados”, ironizó.

Barnes, que el próximo viernes recibirá el Premio Princesa de Asturias de las Letras, hizo esas declaraciones durante un encuentro titulado ‘Pensamiento, verdad y belleza’, con unos 2.000 miembros de más de 150 clubes de lectura españoles.

En su diálogo con los lectores, el novelista británico subrayó que el fin último de la literatura “es decir la verdad conforme a la manera en la que el autor del libro ve el mundo”.

También dijo que el compromiso social de un escritor debe plantearse en función del tipo de sociedad en la que escriba y el grado de libertad que disfrute, por lo que, personalmente, admira a Emile Zola, “pero más a (Gustave) Flaubert, el mejor escritor de la historia”.

A su juicio, cuando un escritor elabora su obra “le está diciendo a la raza humana cómo es y cómo puede encontrar sus propias respuestas”, algo que siempre va en función del temperamento del autor, dado que en su caso no escribe para decir a la gente cómo tiene que vivir.

“Escribir ex cátedra desde una silla muy elevada no me interesa en absoluto”, recalcó.

Caballero de las Artes y de las Letras de Francia y Premio Jerusalén, Barnes vive desde hace años con un cáncer de sangre que le ha debilitado gradualmente. A pesar de ello, publicó este año ‘Despedidas’, una obra híbrida de ficción y memoria que repasa aspectos de su biografía y que ya ha anunciado que será su última.

El primer escritor inglés y el segundo británico en obtener el galardón español, tras el concedido en 2001 a Doris Lessing, autora nacida en Irán y criada en Zimbabue, fue galardonado por una obra que reelabora con mirada europeísta la historia del arte o de la música a través de un estilo único que lo singulariza dentro de una generación de autores británicos que ha marcado la Literatura contemporánea.

Julian Barnes se une a una larga lista de ganadores del Premio Princesa de Asturias

Barnes tomará así el relevo de Eduardo Mendoza al recibir un galardón que distinguió al mexicano Carlos Fuentes, al colombiano Álvaro Mutis, al peruano Mario Vargas Llosa o a escritores españoles como Francisco Umbral, Antonio Muñoz Molina, Camilo José Cela, Ángel González, Miguel Delibes o José Hierro.

La película celebró anoche su avant-première en los Cines Multiplaza, con la presencia de los actores Héctor Silva, Sofía Netto y Tomás Arredondo, quienes protagonizan esta película que se realizó en siete días de rodaje, según destacó el director.

La trama sigue a una joven que vive sola junto a su abuelo enfermo, a quien se encarga de cuidar de día y de noche. Su madre está en España y, mientras debe lidiar con los delirios de su abuelo, conoce a un joven repartidor de delivery con quien entabla una relación romántica.

El abuelo, en medio de su enfermedad, conversa con personajes de cuatro acontecimientos que marcan la historia del Paraguay: La independencia en 1811, la Guerra contra la Triple Alianza (1865-1870), la Guerra del Chaco (1932-1935) y la dictadura de Alfredo Stroessner (1954-1989).

“Un país en una casa...un abuelo enfermo terminal...un romance juvenil...lo viejo no termina de morir...lo nuevo no termina de nacer...sólo hay una solución...”, añade la sinopsis de la película.

El “cine necesario” de Luis R. Vera, quien será distinguido por el Congreso

“Tengo la esperanza que se encuentren con la película”, señaló Vera antes de la proyección. El cineasta se atribuyó la creación de un nuevo género al que denomina “cine necesario”.

“Aquel cine a través del cual nosotros podemos tomar conciencia, cine que hace pensar y sentir”, expresó el realizador, quien también recordó sus estrechos vínculos con nuestro país desde su llegada en la década de los ‘90 para realizar el documental “El país de nunca jamás”.

Luis R. Vera también comentó que este miércoles recibirá un reconocimiento en el Congreso Nacional “por su destacada contribución a la promoción cinematográfica del país”, según el proyecto presentado por las senadoras Blanca Ovelar y Hermelinda Alvarenga.

El cineasta afirmó que se siente honrado por recibir este reconocimiento en el Congreso Nacional, ya que representan al pueblo paraguayo al que dedicó su película.

Antes de llegar a los cines locales, “De astronautas y fantasmas”, recibió reconocimientos en Italia y Suecia. También se exhibió en México, Estados Unidos y Chile.

De la película también participan Raquel Baeza, Ronald Von Knobloch, Hugo Matto, Matías Miranda y María Liz Barrios.

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“Hong Kong”, escrita y dirigida por Gerardo Báez, aborda el reencuentro inesperado de Ricardo y Esteban, dos exparejas que se enfrentan a una situación que, aunque parece sencilla, comienza a despertar preguntas difíciles de responder. La obra cuenta con las actuaciones de Báez y Edu Closs.

Por su parte, “Bebas”, escrita y dirigida por Ferchi, reúne a dos amigas en una habitación, donde una conversación entre ellas abre espacio a las confidencias y a aquello que no siempre se muestra ante los demás. La pieza cuenta con las actuaciones de Ferchi, Stella Martínez y Jackie Neuman. La dirección creativa también está a cargo de Ferchi, mientras que el vestuario es de Gabriela Da Cunha.

Ambas obras son producidas por Las Pedras Teatro, compañía independiente que impulsa proyectos escénicos propios. La fotografía de las dos propuestas corresponde a Luis Acosta Facci.

Las funciones serán los días 21, 24 y 25 de octubre, y 28 y 31 de octubre y 1 de noviembre, con horarios de inicio a las 21:00, 21:30, 22:00, 22:30 y 23:00. Las presentaciones se realizarán en Chinchilla Bar, ubicado sobre 25 de Mayo entre Vicepresidente Sánchez.

Las entradas cuestan G. 50.000 para una obra y G. 65.000 para una obra con trago. La opción para ver las dos obras con trago incluido tiene un costo de G. 120.000.

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Su verdadero nombre era Antonio Rebolini y nació el 10 de marzo de 1944 en Remedios de Escalada, Lanús, en la provincia de Buenos Aires. Su carrera actoral comenzó a los 16 años con un elenco teatral y se extendió por más de seis décadas.

En Paraguay se hizo conocido a través de la televisión, siendo parte de producciones como “Trampa para un soñador”, “Quiero gritar tu nombre” y “Cuatro hombres para Eva”.

También estuvo en telenovelas como “Poliladron”, “Ricos y Famosos”, “Cabecita”, “Soy Gitano”, “Padre Coraje”, “Mujeres asesinas”, “Solamente vos”, entre tantas otras.

La carrera actoral de Antonio Grimau también abarcó a la gran pantalla, siendo parte de películas como “Buenas noches, Buenos Aires”, “La Mary”, “El amor infiel”, “Caballos salvajes”, entre otras.

Grimau llegó también a ser parte de diversas obras teatrales como “Hamlet”, “La gata sobre el tejado de zinc caliente”, “Hello, Dolly!”, “Vamo’ los pibes” y “El precio”. Con esta última llegó a presentarse en Paraguay en el año 2012.

Previamente, en el año 2011, estuvo en Asunción siendo parte del espectáculo “Cartas de Paraguay”, en el que compartió escenario con Leonor Benedetto, María Elena Sachero, Silvio Rodas y Beto Ayala, con el acompañamiento musical de Óscar Fadlala, bajo la dirección de Marcos Benedetto.

Las primeras visitas de Antonio Grimau a Paraguay

Según publicaciones del archivo de ABC, Antonio Grimau llegó a Paraguay en el año 1972 para promocionar la telenovela “Estación Retiro”, donde interpretaba a Pablo Costa.

En dicha entrevista afirmó que entre sus pasatiempos estaban “escuchar buena música” y, en los fines de semana, ir al cine. También señaló que su comida favorita era el churrasco con ensalada.

Una década después, en 1982, regresó a Paraguay acompañado por la actriz Cristina Alberó. Los actores, que encarnaban a Lito y Valeria en “Trampa para un soñador”, compartieron un almuerzo con fans que ganaron el sorteo de una promoción.

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En esta nota conversamos con los directores Hugo Cardozo, Michael Kovich Jr., Juan Manuel Salinas y Hernán Moyano, quienes comentaron acerca de qué les motivó a apostar por hacer cine de terror o suspenso en Paraguay.

Tras debutar con la película dramática “El secuestro”, el cineasta encarnaceno Hugo Cardozo se abocó a filmar “Morgue”. El largometraje se convirtió en un éxito de taquilla y llegó a varios países, teniendo inclusive una remake en México.

Cardozo también estrenó con éxito la película “No entres”, mientras que acaba de terminar el rodaje de “Maldecidos”, otra nueva apuesta al género.

El cineasta señaló que su motivación para hacer cine de terror es “ver que el público disfruta del género”.

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“Creo que nosotros los paraguayos tenemos dentro de nuestra cultura creencias que nos inclinan fuertemente hacia las actividades paranormales”, agregó.

Cardozo cree que el público se siente atraído por las películas de terror ya que “el morbo, las vivencias y experiencias que escuchamos de personas cercanas” despiertan esa curiosidad.

“El cine es una manera de vivir eso en primera persona sin correr el peligro real. Es como poner un pie en el mundo de lo desconocido sin sacar el otro del mundo que conocemos. Esa emoción hace que muchos seamos fanáticos del terror”, agregó el cineasta.

Historias y escenarios que hacen propicio el cine de terror

Michael Kovich Jr. estrenó recientemente “La sombra” en las salas de cine, su nueva apuesta al género luego de haber presentado “El apartamento” y también participado de la serie televisiva “El regreso de las sombras”.

El mismo afirma que su motivación para realizar cine de terror en Paraguay son “las historias que tenemos”. “Empezando por nuestra mitología, que es súper original y peculiar, y que me parece fascinante llevar a la pantalla, y siguiendo por las leyendas y por las historias reales que han ocurrido en todo el país”, indicó.

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Agregó que como autor, eso es lo que más le despierta a la hora de hacer terror. “Más allá de que es un género que me gusta, siento que acá tenemos muchísimo material. Y no solo en las historias, también quiero enfatizar los escenarios”, dijo.

“Hay locaciones que no son un set de Hollywood, son lugares reales que todavía existen y que están conectados a historias muy llamativas que siguen presentes. Eso es muy atrapante, y me motiva a seguir apostando por encontrar este tipo de historias”, añadió Kovich.

El cineasta cree que gran parte del público paraguayo conecta con el terror desde niños, ya que crecemos con estas historias que terminan siendo creencias populares.

“Son cosas que aprendemos y escuchamos desde chicos, y eso genera un arraigo, una conexión muy natural con este tipo de relatos. Además, uno de los primeros materiales que vio nuestro público fue ‘Sombras en la Noche’, que tocaba nuestra mitología y fue de las primeras series de ficción nacional en la televisión”, remarcó.

Afirmó que a partir de ahí tuvimos muchos cineastas y autores que apostaron al género y “eso se volvió la base más sólida que tenemos a nivel audiovisual”.

La fantasía en torno a la mitología guaraní

El periodista y cineasta Juan Manuel Salinas se encuentra finalizando su segundo largometraje, “Buscando al señor de la noche”, una película inspirada en el mito del Pombero.

La producción, más enfocada en el género del suspenso y misterio, contará con las actuaciones de Majo Cabrera, Rafael Alfaro, Maco Cacavelos, Héctor Silva y otros reconocidos actores locales.

Salinas indicó que al momento de empezar a desarrollar este proyecto y contar una historia vinculada al Pombero, entendió que debía enmarcarse en “el cine fantástico, el misterio y suspenso porque esos son los mitos”.

“Siempre hay un misterio atrás de cada mito, más cuando hablamos de mitología y, en este caso, de mitología guaraní. Y se cuentan miles de historias, siempre tenés algún pariente o algún vecino que siempre te cuenta algo relacionado al Pombero”, detalló.

Agregó que plantear esta historia vinculada a un ser mitológico le permite “abrir el juego a un montón de cosas”. “Entonces, el miedo y el misterio es lo que me impulsaron como eje para contar esta historia”, dijo.

En este sentido, detalló que “los personajes centrales son de la ciudad y no son del campo” y luego van a una zona rural se empiezan a desafiar las lógicas.

“Ahí van pasando muchas cosas y creo que ahí, dentro de una historia fantástica, del suspenso y el misterio, era el mejor escenario para narrar esta historia”, acotó.

En cuanto a la atracción del público por el cine de terror, Salinas afirmó que “siempre fue así”. Recordó que esto se remonta a los inicios de la historia del cine con clásicos como “Nosferatu”, de F. Murnau; “La casa embrujada”, de Robert Wise; “Drácula”, de Béla Lugosi; o “El hombre lobo”, con Lon Chaney Jr.

“En la historia del cine, el terror siempre fue el más comercial porque a la gente es lo que más le gusta ver. Eso de tener miedo, asustarse, o de tener una intriga, eso siempre fue así”, indicó.

Salinas remarcó que la producción del cine de terror se ha dado en distintos países, recordando por ejemplo las películas de Narciso Ibáñez Menta.

“Al desarrollarse en Paraguay un poco más el audiovisual, también llegó acá por una cuestión lógica”, indicó.

“A la gente le encanta asustarse, básicamente es eso. Le gusta estar ahí con una historia que te intriga y que te gustaría saber qué pasa, quién viene, quién no viene y eso es un fenómeno interesante”, remarcó.

Talento y un público ávido de propuestas de cine de terror

Hernán Moyano es argentino pero decidió afincarse en Paraguay, donde hoy está culminando “La casa angosta”, un thriller de terror gótico, que codirige con Armando Aquino.

Moyano afirmó que desde muy chico le apasiona el cine de terror y comenzó a desarrollar esta pasión en Argentina, cuando prácticamente no se estaban realizando producciones de este género.

“Mi llegada a Paraguay se dio por invitación de un productor que había observado el enorme crecimiento del terror en Latinoamérica y su popularidad en todo el mundo. Desde que llegué, hace tres años, tuve la suerte de filmar tres películas de terror”, comentó.

Una de estas producciones fue “The Red Book Ritual: Gates of Hell”, que llegó a llegó a 940 salas de cine en Rusia y superó los 92.000 espectadores.

Además, fue distribuida en Argentina, Taiwán, Turquía, Norteamérica, Latinoamérica, Polonia, España, Escandinavia y Benelux.

Además de co-dirigir “La casa angosta”, Moyano también se desempeñó como uno de los guionistas de “Maldecidos”, la nueva película de Hugo Cardozo, cuyo estreno está previsto para el último trimestre de 2027.

“Me motiva producir este tipo de propuestas porque Paraguay tiene un público muy numeroso que sigue el género. Basta con mirar el ranking histórico de taquilla: nueve de las diez películas más vistas son de género; tres son de terror y las demás, de aventuras, acción o suspenso”, destacó.

Agregó que para él “llegar a un país con tanto talento técnico y artístico, y con un público ávido de estas propuestas, es una experiencia muy enriquecedora y atractiva”.

“Espero que mi aporte contribuya a que el género siga desarrollándose y encuentre una identidad local, con narrativas capaces de trascender fronteras, ampliar el alcance del cine paraguayo y poner en valor su talento”, remarcó Moyano.

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El terror, uno de los géneros más taquilleros en la historia del cine

El cineasta argentino también coincidió con Salinas que históricamente el cine de terror ha sido uno de los géneros más rentables y convocantes.

“A lo largo de la historia, el género ha ayudado al cine a atravesar distintas crisis. Durante el colapso del sistema de estudios, las grandes compañías tuvieron que buscar nuevas formas de dar trabajo a sus directores, actores y equipos técnicos”, recordó Moyano.

Agregó que, en ese contexto, “muchos talentos encontraron una oportunidad en las llamadas películas de clase B: producciones de terror, ciencia ficción y suspenso que contribuyeron a que Hollywood saliera adelante”.

También destacó que en la reciente pandemia de 2020, entre las primeras películas que se estrenaron tras la reapertura de los cines hubo pequeñas producciones de terror que originalmente no estaban destinadas a llegar a las salas. “El público joven se volcó a verlas y ayudó a reactivar la actividad”, dijo.

Sostuvo que “hoy es habitual encontrar películas de terror entre los primeros puestos de la taquilla mundial”. “El género tiene un público fiel, que disfruta de la experiencia de asustarse en una sala oscura y de compartir ese momento con otras personas. Creo que ahí está una de las claves de su atractivo: ir a ver una película de terror es una experiencia colectiva”, remarcó.

Señaló además que cada año aparecen películas que cambian la ecuación y revitalizan el género, como lo fueron este año los casos de “Obsesión” y “Backrooms”. “Para un productor, el terror es una de las apuestas más sólidas para recuperar la inversión y construir una comunidad de seguidores fieles”, indicó.

Finalmente indicó que el terror tiene “una enorme capacidad para hablar de los temores de cada sociedad”. “A través de una historia de fantasmas, una posesión o una amenaza sobrenatural podemos abordar el duelo, la violencia, la culpa, los conflictos familiares o el miedo a lo desconocido”, concluyó.

A lo largo de este año, Cardinal Romance no solo ha compartido con la audiencia emociones, canciones, información y más. También ha llevado a dos oyentes a Buenos Aires, Argentina, para disfrutar del show de Marco Antonio Solís.

La emisora también ha acompañado los conciertos de Luciano Pereyra, Ricardo Montaner, Los Nocheros, Abel Pintos y otras visitas internacionales, diversos eventos, además de compartir con artistas nacionales sus lanzamientos y más.

Cardinal Romance y una programación especial desde el Shopping Mariscal

Cardinal Romance busca compartir esta fecha especial con sus oyentes y ofrecerá una programación que incluirá acciones y sorteos, desde la pasarela del Shopping Mariscal (Quesada y San Roque González de Santa Cruz).

Los programas que se emitirán desde el shopping son:

• 9:00 a 12:00 La Movida, con Jorge Puig
• 12:00 a 15:00 A de la tarde, con Adela Mercado
• 15:00 a 18:00 Vitaminas, con Tere Franco

La previa a esta transmisión especial, de 6:00 a 9:00, estará a cargo de Denise Hutter con “La incondicional”, desde la cabina de la radio.

Los oyentes que vayan a visitar la transmisión de Cardinal Romance desde el Shopping Mariscal podrán ganar merch de la radio y regalos de las marcas auspiciantes.

Además, en cada programa, se entregará un par de entradas para el concierto de Marco Antonio Solís, que será el próximo 31 de octubre en el Jockey Club Paraguayo.

Una fiesta imperdible para compartir este año de emociones y canciones al aire de la 98.5 FM Cardinal Romance.