Raphael trabaja en un nuevo disco, habla de Bad Bunny y de la serie que estrenará Netflix sobre su vida

Aunque se trata de uno de los mayores hitos del fútbol mexicano, gran parte de la población todavía desconoce cómo el país logró convencer a la FIFA de otorgarle la organización del Mundial, después de que el máximo organismo del fútbol retirara la sede a Colombia por la grave crisis económica y el recrudecimiento del conflicto armado.

Por ello, el director del largometraje Gabriel Ripstein, reconocido por haber participado en la realización de series como ‘Narcos’, decidió contar los entresijos para que México alojara su segundo mundial, con una historia basada en hechos reales, pero protagonizada por el personaje ficticio de Martín de la Torre, que encarna Luna.

Con ‘México 86’, Luna vuelve al cine mexicano con una historia de fútbol, como hizo en su momento con ‘Rudo y Cursi’ (2008) junto a su colega Gael García Bernal, pero esta vez en un momento diferente de su carrera, tras haber logrado el reconocimiento por su participación en producciones internacionales.

“No siento que me haya ido a ningún lado, lo que pasa es que la televisión se hizo presente y entre ‘Narcos: México’, ‘Andor’ y ‘La Máquina’ (2024) han sido ocho años de mi vida. Lo que me gusta son las historias que tienen, principio y final y si pueden durar dos horas o menos mejor, así que me gusta contar historias como aquellas con las que aprendí de cine como espectador”, indicó Luna, de 46 años.

‘México 86’ es el retrato que Ripstein hace de un país “aún no globalizado” en el que todavía los partidos eran “accesibles” para todos los bolsillos y en el que los aficionados acudían a “comprar sus boletos el mismo día”.

“El fútbol cambió a partir del 86 y se convirtió en esta cosa gigantesca, donde probablemente el alcance global es exorbitantemente mayor de lo que era entonces, aunque también conlleva cierta inaccesibilidad”, lamenta el cineasta, que se suma así a las críticas al Mundial expresadas por García Bernal, quien cuestionó en un discurso en Festival de Cannes “la reputación de la FIFA”.

Para Luna, la cinta también aborda el cambio político del país bajo el gobierno del Partido Revolucionario Institucional (PRI), en un contexto de “un sistema político que ya se venía autodestruyendo” y que en aquellos años perdió “toda su popularidad”, mientras la gente se “sentía abandonada por el Estado”.

“El Mundial del 86 es un gran pretexto para asomarnos a esa complejidad social y política. Surge una respuesta comunitaria muy fuerte. En ese contexto se produce el desmoronamiento de un sistema que después se vuelve evidente en el 88”, sentencia.

‘México 86’ podrá verse también en salas seleccionadas del país hasta el 5 de junio, pocos días antes de la inauguración del Mundial en el Estadio Banorte con el partido entre México y Sudáfrica, encuentro con el que el fútbol mundialista volverá a rodar en territorio mexicano 40 años después.

Kelly ou moi: “No hago música para brillar, sino para transmitir”

El show está previsto para el próximo 21 de agosto y contará con la participación de artistas invitados, que serán anunciados próximamente, según anunció la productora Garzia Group.

Canciones como “no tiene sentido”, “mi refe” y “Dios me oyó” forman parte de las propuestas de este artista que ha realizado colaboraciones con Shakira, Marc Anthony, Sebastián Yatra, María Becerra, Ed Sheeran, Wisin, entre otros.

Su nombre real es Brandon de Jesús Orozco López y es oriundo de la ciudad de Barranquilla. Se hizo conocido a través del hit viral “Loco”, lanzado en 2019. Su estilo fusiona ritmos como el reguetón, el dance hall, afrobeat y ritmos caribeños.

¿Dónde y desde cuándo se venden las entradas?

La preventa de entradas se realizará este jueves 28 y viernes 29 de mayo a través de linke-arte.com y todoticketparaguay.com. La misma será exclusiva para clientes de Itaú.

En esta preventa, con las tarjetas Visa Itaú se podrá acceder a un 20% de descuento y hasta 10 cuotas sin intereses.

La venta general de entradas comenzará el sábado 30 a las 10:00. A partir de esta fecha también se sumarán los puntos físicos Hipermercado El Pueblo- Acceso Sur y todas las sucursales de Maxicambios.

Cuando Berta Rojas y las cuerdas paraguayas hablaron de futuro

Creció en Agen, una ciudad del suroeste francés, rodeada de guitarras, voces y ensayos permanentes, en gran parte gracias a su madre, también cantante. Antes de pensar en escenarios o discos, la música ya era una forma de convivencia y de comunicación familiar. Entre las primeras influencias que recuerda aparece Serge Gainsbourg, una de las figuras más emblemáticas de la “chanson française”, aunque una parte importante de su sensibilidad artística nació más adelante, cuando su familia se mudó temporalmente a Córcega.

La experiencia en la isla mediterránea terminó marcando su manera de entender el canto. Allí descubrió la tradición polifónica corsa, construida a partir de varias voces que se entrelazan y generan armonías cargadas de intensidad emocional.

Kelly recuerda aquellos años como un período de aprendizaje intuitivo, en el que comenzó a cantar canciones en corso y a percibir la música no solamente como melodías, sino también como un espacio colectivo donde las voces dialogan entre sí. Más adelante regresó y empezó a integrarse en bandas adolescentes, hasta que poco a poco encontró un camino propio como solista, tocando guitarra y cantando en bares, restaurantes y también en las calles.

Fue justamente durante esa etapa más independiente cuando apareció una invitación inesperada para participar en The Voice Francia. Su primera reacción fue rechazar la propuesta. La televisión, admite hoy, le parecía un espacio demasiado superficial y alejado de la relación auténtica que ella buscaba construir con la música. Sin embargo, terminó aceptando cuando sintió que ya tenía algo personal para mostrar: canciones propias, una identidad artística en formación y una necesidad genuina de compartir lo que escribía.

La experiencia terminó llevándola hasta las instancias finales del programa entre más de 10.000 participantes, aunque también le dejó una sensación ambigua respecto a la exposición mediática y a la imagen que veía de sí misma en pantalla. “Era muy joven todavía”, recordó durante la charla. “No era la imagen que me gustaba de mí misma”.

Lejos de intentar prolongar el perfil televisivo que había ganado notoriedad, Kelly decidió tomar distancia y reconstruir su camino artístico desde un lugar mucho más íntimo y personal. Así nació “Première Plume”, su primer álbum, cuyo título hace referencia a las primeras letras y composiciones que escribió.

El disco funciona como una especie de autorretrato emocional, atravesado por historias personales y vínculos familiares. Entre las canciones hay incluso una dedicada a su tío, quien quedó tetrapléjico a los 14 años tras un accidente. Para ella, escribir canciones nunca tuvo que ver con construir una figura de celebridad, sino con encontrar una forma honesta de transmitir experiencias humanas.

“No hago música para brillar o simplemente para ser cantante”, explicó. “Lo importante es transmitir mensajes”. Esa idea atraviesa también el significado de su propio nombre artístico. Kelly ou moi (Kelly o yo) funciona como un juego abierto que puede interpretarse de distintas maneras: como un diálogo interno, como distintas facetas de una misma persona o incluso como la posibilidad de que cualquiera pueda verse reflejado en sus canciones, según lo explica ella. Más que una identidad cerrada, el nombre parece resumir la manera en que entiende la música: un espacio compartido donde las experiencias personales se vuelven universales.

Con el paso de los años, esa búsqueda dejó de limitarse a Francia. La artista tomó su guitarra y comenzó a viajar por distintos países, transformando los recorridos en una parte esencial de su proceso creativo.

Nepal, India, Indonesia, Colombia, Ecuador, Brasil, Argentina y ahora Paraguay forman parte de una experiencia donde la música funciona sobre todo como puente entre culturas. Más que el turismo tradicional, Kelly busca convivir con las personas, cocinar junto a ellas, compartir historias y descubrir formas diferentes de relacionarse con el mundo. Según cuenta, muchas de las cosas que más la inspiran no nacen necesariamente de las palabras, sino de gestos pequeños: una sonrisa, una mirada o un momento compartido con alguien desconocido.

Esas experiencias ya están dando forma al próximo álbum que planea lanzar. A diferencia de Première Plume, que tenía un carácter mucho más autobiográfico e introspectivo, el nuevo material estará atravesado por los sonidos y encuentros recogidos durante sus viajes. La artista adelantó que el disco incorporará instrumentos tradicionales de India, influencias latinoamericanas y colaboraciones surgidas en distintos países. Más que apropiarse de otras culturas, su intención es construir una obra atravesada por los intercambios humanos que fue viviendo durante estos años.

Durante la conversación, Kelly también reflexionó sobre cómo viajar transformó su manera de percibir a las personas y las dinámicas sociales. En tono distendido, comentó que muchas veces siente que en Francia la gente “grita mucho”, mientras que en lugares como Paraguay o India encontró una relación más tranquila, curiosa y abierta hacia el otro. Esa capacidad de escuchar y compartir es precisamente lo que hoy más valora tanto en la vida cotidiana como en la música.

Tal vez por eso los espacios íntimos terminaron siendo mucho más importantes para ella que las grandes plataformas de exposición. Aunque reconoce la utilidad de programas como The Voice para alcanzar visibilidad, siente que existe una diferencia enorme entre cantar frente a cámaras y hacerlo en un lugar pequeño donde puede mirar directamente a las personas. Para Kelly, la música pierde parte de su sentido cuando se vuelve distante. “En la televisión no ves nada. Es muy lejano”, afirmó. “En los lugares pequeños puedes mirar a la gente a los ojos”.

Ese espíritu será justamente el que buscará trasladar al concierto que ofrecerá este martes en la Mediateca de la Alianza Francesa de Asunción, donde estará acompañada del músico paraguayo Dominique Bernal. En un formato reducido y cercano, interpretará canciones propias, clásicos franceses, boleros y algunas piezas en español, idioma que también intenta incorporar en cada lugar que visita como una forma de acercarse culturalmente al público. Incluso dejó abierta la posibilidad de animarse a cantar algunas palabras en guaraní.

Más que un recital convencional, Kelly ou moi imagina el encuentro como una experiencia de intercambio. Una invitación mutua entre personas que quizás no compartan el mismo idioma, pero sí la posibilidad de entenderse a través de la música. “Que la gente sea curiosa”, dijo al pensar en el público paraguayo. “La música es un medio universal para comunicar”.

El concierto será específicamente en la Mediateca de la Alianza Francesa de Asunción (Mcal. Estigarribia 1039).

Este es el tercer caso de estudio de este proyecto, que explora archivos, memorias y relatos desplazados de la historia paraguaya desde perspectivas contemporáneas.

Esta puesta, que promete una mezcla de teatro, performance y dispositivos audiovisuales, presentará una historia enmarcada en la Guerra del Chaco.

“La Transchaco es la columna vertebral del Paraguay. O eso dicen. Una línea recta que atraviesa calor, polvo, ganado, accidentes con líquidos tiñendo el asfalto, estaciones de servicio vacías y una idea bastante confusa de nación”, señala la sinopsis de la obra.

Agrega que “cuatro travos intentan investigar un episodio perdido de la Guerra del Chaco a partir del hallazgo de un recorte de diario de 1934″.

“No entienden muy bien qué están buscando. Tampoco entienden del todo el Chaco. Ni Paraguay. Ni la masculinidad tradicional”, remarca.

Señala además que mientras los personajes avanzan “entre archivos, recuerdos, inteligencia artificial, propaganda patriótica, uniformes, fotos de guerra y rutas que no terminan nunca, empiezan a sospechar que tal vez el país entero fue construido alrededor de un gran malentendido”.

La puesta, según detallaron sus responsables, presentará a cuatro personas tratando de acercarse a lo que el relato nacional paraguayo decide dejar abandonado al costado de la ruta.

De esta manera, la obra busca establecer una tensión entre las formas en que se construyen la identidad nacional, la masculinidad y la memoria histórica.

Equipo, funciones y entradas

“Ruta Transchaco” cuenta con la colaboración artística en la dramaturgia de Paola Irún, Elías Colmán y Fernando Cañete, mientras que la producción y asistencia de dirección están a cargo de Lía Benítez Flecha.

La puesta debutará este martes 26 con una función con entradas agotadas en la Sala Piloto (Simón Bolivar 868). Las siguientes funciones serán los martes 2 y 9 de junio a las 20:30.

Las entradas se pueden adquirir de forma anticipada al WhatsApp (0987) 382-362.

“Verídicas: 10 años”, el regreso de Carola y Esther

Después de una década, Lali González y Aldo Calabrese vuelven a dar vida a las hermanas Carola y Esther, para presentar “Verídicas: 10 años”. En un formato de teatro bar, la obra se presentará desde este martes en Rock 66 (Cruz del Defensor y Alberto de Souza).

En esta nueva puesta de “Verídicas”, la historia viaja a la adolescencia de las hermanas en los años 90, una etapa marcada por sueños, ilusiones y el eterno deseo de enamorarse.

Entre recuerdos cargados de humor y nostalgia, el relato salta al presente donde Carola y Esther -ahora cuarentonas, solteras y con más preguntas que certezas- se enfrentan a dos noticias tan inesperadas como reveladoras.

Las primeras cinco funciones de la obra ya cuentan con entradas agotadas, por lo que se han sumado funciones para los días 9, 10 y 11 de junio a las 21:00. Las entradas se pueden reservar al teléfono (0982) 398-888.

Cuando Berta Rojas y las cuerdas paraguayas hablaron de futuro

La velada incluirá además interpretaciones en vivo de algunas de las canciones recopiladas en los libros, a cargo de Juan Cancio Barreto, Marcos Brizuela, Lizza Bogado y Digno Acuña junto a su conjunto.

La actividad servirá además para redescubrir el trabajo de investigación realizado por Mario Rubén Álvarez a partir de entrevistas, relatos orales y testimonios de compositores, intérpretes y personas cercanas a las obras.

El primer tomo tiene sus raíces en las crónicas publicadas durante años en la sección Memoria viva del Correo Semanal del diario Última Hora. Allí, Álvarez reunió relatos sobre cómo nacieron muchas de las polcas y guaranias más conocidas del repertorio paraguayo, construyendo un mapa emocional atravesado por el amor, la nostalgia, la guerra, la esperanza y la identidad cultural. El libro plantea además una recuperación de la memoria oral como forma de preservar historias que podrían perderse con el tiempo.

Por su parte, el segundo tomo continúa esa exploración del cancionero popular paraguayo, ampliando el universo de voces y relatos vinculados a composiciones que forman parte de la memoria colectiva. A través de estas páginas, el lector vuelve a encontrarse con los contextos, emociones y vivencias que dieron origen a canciones profundamente arraigadas en la cultura nacional.

Además de su valor documental, ambos libros están dirigidos especialmente a las nuevas generaciones, con la intención de acercarlas a las raíces de la música paraguaya y a las historias humanas detrás de cada creación artística.

Mario Rubén Álvarez, nacido en Potrero Yvaté en 1954, es periodista, poeta e investigador. A lo largo de su trayectoria se desempeñó en radio, prensa escrita y docencia, consolidándose como una de las voces más importantes en el estudio y difusión de la cultura popular paraguaya.

Cuando Berta Rojas y las cuerdas paraguayas hablaron de futuro

“Afortunadamente, es una suerte que siga teniendo ilusión por cantar, que siga después de tantos años con mi carrera contra viento y marea, y encantado de hacerlo”, afirma sonriente un cantante al que le mueve “luchar todos los días por hacer las cosas bien”.

Aunque no quiere entrar en detalles, avanza que grabará este mismo año un nuevo homenaje a la música mexicana sobre el que ya tiene “algunas ideas”, según asegura.

“Tengo tres o cuatro discos ya sobre México y voy a hacer uno nuevo”, adelanta a EFE el intérprete, que en diciembre de 2024 sacó al mercado ‘Ayer... Aún’ y mantendrá así su compromiso con el público de grabar un álbum cada dos años.

Sobre la hegemonía de la música en español y el fenómeno Bad Bunny, se muestra emocionado: “Me alegro por él, me encanta, es tan bestial...”, y agradece el apoyo a los creadores hispanohablantes y el reconocimiento que él mismo recibió este mes en Puerto Rico, con la Llave de la ciudad de San Juan por sus más de 60 años de trayectoria artística y su legado a la industria musical.

El hecho de que cante para seguidores de cuatro generaciones, como explica a EFE, no le influye en la elección del repertorio de sus conciertos, según subraya, porque todas las canciones que pone sobre el escenario son “muy populares, han pegado mucho y han sido grabadas en épocas muy fructíferas en discos”.

Al público que asista a ‘Raphaelísimo’ le pide que se divierta, “que lo pasen bien y que disfruten este año tanto como lo han hecho siempre”, una recomendación que llega de un hombre metódico y riguroso con el trabajo, como demuestra, que “lucha todos los días por hacer las cosas bien”.

Está feliz del resultado de la gira que le llevó entre abril y mayo por México, Nueva York, Washington y Miami con conciertos con entradas agotadas e infinitas muestras de apoyo, que, según dice, le hacen seguir trabajando con la misma ilusión que cuando empezó.

“Cuando me aburra, me quedaré en casa, donde es imposible aburrirse”, confiesa risueño.

“Aquel”, la serie de Netflix sobre su vida

Dice, además, que le ha encantado la serie ‘Aquel’, que estrenará Netflix en septiembre dedicada a su vida y trabajo, con Javier Morgade y Carlos Santos.

“Me gusta cómo está hecha, cómo está interpretada, los papeles” que aparecerán, aunque cree que sus seguidores no encontrarán nada de Raphael que no sepan. “Mi vida la sabe casi todo el mundo”, reconoce entre risas.

LumenTale: Memories of Trey (martes 26)

Un colorido juego de rol de recolección de monstruos al estilo de la saga Pokémon, en el que el jugador recorre un mundo repleto de fantásticas criaturas, reclutándolas o enfrentándolas - con mecánicas de combate por turnos – en duelos de destreza y tácticas.

Stonemachia (martes 26)

Un juego de acción con combate inspirado por la saga Dark Souls, que trascurre en un mundo con estética basada en el ajedrez que se encuentra sumido en una devastadora guerra con ángeles retorcidos.

World of Tanks: Heat (martes 26)

Un título ‘free to play’ en línea de los creadores del simulador bélico World of Tanks, que permite a los jugadores batirse en grandes batallas de acorazados terrestres.

007: First Light (miércoles 27)

El primer juego basado en James Bond, el icónico espía del cine y las novelas del escritor Ian Fleming, en casi 15 años, llega de la mano de los creadores de la saga Hitman. La historia explora los primeros pasos de un joven Bond en la agencia británica de inteligencia MI6, que le da la misión de dar caza a un agente renegado. El jugador deberá cumplir la misión de Bond utilizando sigilo, astucia y un variado arsenal de armas y artilugios de espía.

Uwatarerumono: Past and Present Rediscovered (miércoles 27)

Una nueva entrega de la serie de juegos de rol tácticos Uwatarerumono, en la que un grupo de aventureros deben salvar a su reino de una amenaza mística.

Schrödinger’s Call (jueves 28)

Una novela visual que gira en torno a una joven mujer que descubre que el mundo está a punto de ser destruido, y tiene la oportunidad de hacer una última llamada telefónica antes del final.

Crashout Crew (jueves 28)

Un juego multijugador en línea de los creadores de Another Crab’s Treasure, en el que hasta cuatro jugadores deben trabajar juntos operando montacargas para hacer entregas de mercaderías en circunstancias cada vez más caóticas.

Mina the Hollower (viernes 29)

El muy esperado nuevo juego de los creadores de Shovel Knight es otra aventura inspirada en clásicos ‘retro’. Este nuevo título, con una estética que emula a juegos de Game Boy Color, sigue a una aventurera que, armada con un látigo, intenta liberar a una isla de una siniestra maldición.

Abrazónicos (work in progress)

La dibujante afirmó a EFE que a través del humor se pueden contar de otra manera estados, como la furia, la vergüenza, el rencor y hasta la miseria humana.

“Me gusta mucho esa frase de Raymond Queneau que dice que el humor es una tentativa de limpiar la estupidez”, dijo.

Sobre la importancia del humor para acercar culturas y formas de entender el mundo, Maitena enfatizó en la exposición con decenas de sus trabajos, ubicada en la Capilla del Oidor en Alcalá de Henares (Madrid), que “logra que las personas se rían juntas, une”.

En este sentido, al obtener este Premio Iberoamericano aseguró que “cuando los pueblos hablan el mismo idioma pueden leerse y reírse, hay un acercamiento que hace que, por más que vivamos en otros países y a veces países que son otros mundos, todos sufrimos y somos felices por las mismas cosas”.

Maitena, del papel al digital

La forma de trabajar de Maitena siempre es la misma, dentro de sus posibilidades, ya que los lunes escribe para todos los demás días de la semana, pero “el problema que tiene eso es que la actualidad política es tan sorpresiva y explosiva que lo que escribiste para el miércoles, cuando lo dibujas a veces ya no sirve”, explicó.

La dibujante admitió también hacer muchos bocetos antes de llegar a la obra final; después los pasa a tinta y más tarde los pinta.

Aunque hace un tiempo realizaba el proceso con tinta, pluma y acuarelas, actualmente se vale de un iPad: “Es el mismo proceso pero mucho más rápido y menos sucio”, aseguró.

Ser la primera ganadora del Premio Iberoamericano de Humor Gráfico Quevedos, galardón que recogieron otros profesionales como Quino, El Roto y Forges, no es algo que pase desapercibido para Maitena.

Desde su punto de vista, ser la primera mujer en hacerse con este reconocimiento “también habla de una posición política muy interesante en esta época tan reaccionaria donde la misoginia avanza y los derechos de la mujer parecen una amenaza”.

Cuando Berta Rojas y las cuerdas paraguayas hablaron de futuro

El concierto contará con la participación especial de los guitarristas Marcelo Sosa y Noemí Recalde, de Paraguay, y del músico y compositor argentino Fernando Schulmeier. Además, subirán a escena estudiantes destacados de la institución, como parte de una propuesta que busca acercar el repertorio de Mangoré a las nuevas generaciones a través de la interpretación en vivo.

Desde el Conamu señalaron que el objetivo principal de esta actividad es preservar y difundir la obra del compositor paraguayo, promoviendo también espacios de formación y reflexión en torno a su legado musical.

Como parte del programa, el miércoles 27 de mayo a las 15:00 se desarrollará la conferencia “Análisis comparativo y proyecciones compositivas a partir de la obra Julia Florida”, a cargo de Fernando Schulmeier. La charla tendrá lugar en la Sala “Florentín Giménez” de la sede central del Isnamu, ubicada sobre Mariscal López 1048 entre Estados Unidos y Brasil, también con acceso libre para todo público.

El “Homenaje a Mangoré” se ha consolidado a lo largo de los años como uno de los espacios dedicados a la difusión y estudio de la obra de Agustín Barrios, figura fundamental de la música paraguaya y universal.

La cerámica se vuelve piel en el Centro Cultural del Lago

Con el telón todavía cerrado, una voz suave y aterciopelada pidió guardar los celulares, aquietar el ruido y escuchar con el corazón. Entonces la tela finalmente se elevó y apareció Berta, sonriente, luminosa, acompañada ya por el Cuarteto Paraqvaria.

Juntos interpretaron la Suite Guaraní de Domenico Zipoli, compositor cuya música resonó siglos atrás en las reducciones jesuíticas. Según explicaron, aquellos sonidos forman parte de una búsqueda por rastrear los primeros caminos de la guitarra en esta región y entender cómo empezó a construirse eso que hoy reconocemos como música paraguaya.

Había algo simbólico en comenzar allí, en el origen. “No saben la emoción inmensa que significa volver a casa y tocar en una sala rebosante de amor”, dijo Berta apenas tomó la palabra. Y mientras observaba el teatro lleno, tenía esa mezcla extraña de ternura y asombro de niño frente a las maravillas de la vida.

Las huellas del viaje

El concierto avanzaba como una travesía por distintos territorios sonoros. Cada cambio de sillas, atriles y cables parecía trasladar la noche hacia otro paisaje, mientras Berta recorría el escenario como quien visita diferentes estaciones de una misma memoria. En uno de esos desplazamientos llegó el turno de Sebastián Henríquez, productor y compañero de ruta desde “Legado”, el álbum que se convirtió en el primer y único disco paraguayo en ganar un Latin Grammy.

Berta recordó entonces cómo se conocieron durante aquel proceso y cómo el vínculo artístico fue creciendo hasta desembocar en “La huella de las cuerdas”, donde también trabajaron codo a codo con Popi Spatocco. La complicidad entre ambos era evidente. Henríquez, sereno y preciso, parecía devolverle sobre el escenario toda la gratitud que ella expresaba al hablar de aquellos años compartidos.

Juntos contaron parte de la investigación detrás del proyecto, una búsqueda que implicó años de trabajo junto a Spatocco. Hablaron de las guitarras renacentistas y vihuelas que llegaron a esta región en 1523, en una época convulsionada donde el continente entero atravesaba transformaciones profundas. También mencionaron el hallazgo del Códice Saldívar, documento musical donde comenzaron a encontrar patrones y sonoridades que todavía hoy sobreviven en géneros populares de América Latina.

Antes de interpretar “La huella del códice”, Sebastián relató cómo esas conexiones musicales fueron apareciendo casi como pequeñas revelaciones durante el proceso creativo. Después llegó la música y, con ella, una conexión entre ambos tan natural que por momentos parecía imposible pensar que no llevaran toda la vida tocando juntos. Había precisión pero también una escucha mutua muy sensible.

Más adelante, otro recambio llevó el concierto hacia uno de los grandes símbolos musicales del Paraguay: el arpa. Berta presentó entonces a Sixto Corbalán, compositor e intérprete que desde hace años viene expandiendo las posibilidades sonoras del instrumento hacia nuevos territorios.

En cierta forma, aquella búsqueda dialogaba directamente con el espíritu del concierto. A lo largo de la noche, Berta parecía insistir en esa idea de mantener los ojos y los oídos abiertos frente a lo distinto, incluso dentro de las tradiciones más arraigadas.

Junto a Sixto interpretó una versión encendida de “Che la reina”, donde guitarra y arpa parecían conversar, desafiarse y abrazarse al mismo tiempo. Las cuerdas chispeaban sobre el escenario mientras el público seguía cada intercambio con fascinación absoluta.

Después llegó “A mi pueblo”, de Ismael Ledesma, a quien Berta recordó como “un rebelde” que escribió música hermosa lejos del Paraguay. Mencionó también cómo emigró muy joven a Francia y nunca volvió a vivir en el país. La pieza terminó resonando como una afirmación de algo que atravesó todo el concierto: hay lugares que uno nunca abandona, incluso estando lejos.

Mientras tanto, el clima dentro del teatro seguía creciendo. Cada músico que aparecía sobre el escenario llegaba con sonrisas nerviosas, miradas brillantes y palabras cuidadosamente medidas para que la voz no terminara quebrándose. Cada tanto, en medio de los aplausos, Berta interrumpía apenas para decir “voy a afinar un poquito”, pequeños gestos que devolvían intimidad a una noche atravesada por artistas enormes.

Más adelante regresó el Cuarteto Paraqvaria, esta vez junto al percusionista Gonzalo Resquín y la contrabajista Paula Rodríguez. En conjunto con el arpa interpretaron “La jornada”, de Juan Manuel Acevedo. El teatro respondió con una ovación. Los aplausos aparecían antes de que las piezas terminaran, mientras desde distintos sectores se escuchaban gritos y vítores de un público completamente entregado al viaje.

La celebración y los compañeros de ruta

Otro rápido movimiento de sillas y atriles volvió a transformar el escenario. A esas alturas, el concierto ya parecía desplazarse por distintos hemisferios emocionales y musicales sin perder nunca el hilo invisible que conectaba todo. Entonces Berta recibió al MbarakaTrío, integrado por José Carlos Cabrera, Rodrigo Benítez Vargas y Favio Rodríguez, quienes horas antes habían regresado de una gira por Centroamérica.

Entre las historias compartidas apareció una parada inevitable en Santo Domingo, donde descansan los restos de Agustín Barrios Mangoré. Frente a su tumba, contaron, ofrecieron música como homenaje. La escena, relatada con sencillez, tenía algo muy simbólico, la idea de músicos paraguayos contemporáneos siguiendo todavía las huellas de aquel artista inmenso que llevó la guitarra del Paraguay por el mundo hace más de un siglo.

Berta habló entonces de MbarakaTrío no solamente como intérpretes brillantes, sino también como formadores y transmisores de pasión por la guitarra. Los recordó como compañeros fundamentales en los inicios de Pu Rory, aquel proyecto nacido para reunir jóvenes guitarristas de distintos puntos del país y construir un gran ensamble.

También evocó uno de los momentos más decisivos de su vida: cuando recibió la propuesta para enseñar en Berklee College of Music y mudarse a Estados Unidos. Contó que ellos les aseguraron que si ella iba, Pu Rory quedaba en buenas manos.

Había gratitud real en la forma en que lo decía. Desde ese mismo lugar habló luego de Berklee, donde hoy se desempeña como la única guitarrista latina del cuerpo docente y donde conoció músicos provenientes de todos los géneros imaginables. Quizás por eso eligieron interpretar “Bachata rosa”, de Juan Luis Guerra, quien también pasó por aquella institución. La pieza apareció como un gesto de afecto y apertura hacia otras músicas latinoamericanas.

La conversación siguió derivando hacia Mangoré. Los integrantes de MbarakaTrío contaron que durante la gira encontraron incluso un antiguo programa de mano original de uno de sus conciertos. Berta respondió recordando una experiencia similar vivida años atrás en Trinidad y Tobago. Había algo fascinante en escucharlos hablar con tanta naturalidad de hallazgos históricos que para cualquier amante de la música paraguaya rozarían lo inverosímil.

Ligado a esa misma búsqueda, Berta recordó también la travesía que realizó junto a Paquito D’Rivera bajo el nombre Tras las huellas de Mangoré. Después llegó “Wapango”, reafirmando esa necesidad persistente de seguir rastreando memorias musicales y registrarlas para que no desaparezcan.

Pero si hasta entonces el concierto había transitado momentos de contemplación y descubrimiento, lo que vino después transformó completamente la atmósfera del teatro.

La entrada de Juan Cancio Barreto convirtió el escenario en una verdadera celebración. Berta y Juan Cancio volvían a tocar juntos después de quince años. Bastaron apenas unos minutos para notar que el vínculo seguía intacto. Entre ambos circulaba una complicidad tan espontánea que parecía imposible pensar en el tiempo transcurrido.

Las anécdotas comenzaron a aparecer naturalmente. Recordaron una presentación en el Allen Room del Lincoln Center de Nueva York en 2005 y cómo Juan Cancio, maravillado por la vista comentó: “Parecida a nuestra Quinta Avenida”. El teatro entero estalló en carcajadas. Después llegó otra historia, todavía más divertida. Juan Cancio contó que Berta alguna vez intentó “hacerle gente”, mientras ella, riéndose sin poder contenerse, respondió que esos eran temas que seguía tratando en terapia.

El clima se volvió completamente festivo. Entonces empezaron a sonar “Ca’azapá”, “Jha che valle”, “Danza paraguaya” y “Punteada okára”. Más que una demostración técnica, aquello parecía una conversación llena de picardía entre dos músicos que todavía encuentran placer en sorprenderse mutuamente. Por momentos daban la impresión de ser niños corriendo juntos por un parque de diversiones, compartiendo secretos musicales y arrastrando al público dentro de ese mismo juego.

La voz y la tierra

Después de la celebración compartida con Juan Cancio Barreto, el clima del concierto comenzó a transformarse hacia otro lugar mucho más íntimo. Berta llamó entonces al escenario a Daisy Lombardo, a quien presentó como una paraguaya que “se enamoró del tango”. Lo hermoso de su historia: una artista nacida en Paraguay destacándose en uno de los géneros más emblemáticos en Argentina, al punto de haber recibido apenas días atrás el premio Tango Siglo XXI.

Pero anoche Daisy regresaba también a otro territorio. En su voz, la guarania “Nde ratypykua” apareció delicada y profunda, sostenida por una interpretación donde cada palabra parecía dicha desde un lugar muy personal. El teatro entero acompañaba en silencio, suspendido dentro de esa atmósfera serena que se había instalado de pronto sobre el escenario.

Más adelante se sumaron Sebastián Henríquez y Dani Meza, cantante de Tierra Adentro, grupo al que Berta destacó por el trabajo realizado alrededor de la música paraguaya contemporánea y el uso del guaraní dentro de la música popular. Recordó también que siguen siendo hasta hoy la única agrupación paraguaya en conseguir dos nominaciones al Grammy Latino.

Junto a Daisy interpretaron “Tierra mía”, compuesta especialmente para La huella de las cuerdas. Las voces de ambos se encontraron con una sensibilidad que se expandía por toda la sala, con fuerza y fragilidad.

Después Daisy dejó el escenario y Dani permaneció acompañado por las cuerdas de Paraqvaria para interpretar “Aguije”. Antes de comenzar, explicó que la palabra en guaraní suele traducirse como “gracias”, aunque en realidad también remite a una especie de estado de gracia o plenitud espiritual. Difícil encontrar una definición más precisa para lo que estaba ocurriendo esa noche.

A esas alturas, muchos de los músicos hablaban despacio, eligiendo cuidadosamente las palabras para no quebrarse. El concierto entero parecía avanzar sobre una sensibilidad compartida que nadie intentaba esconder.

Y cuando parecía que el cuerpo ya no podía contener mucho más, Berta volvió a sorprender al público con uno de los momentos más conmovedores de toda la noche.

Sentada en el centro del escenario, observó hacia atrás mientras lentamente se elevaba un telón. Detrás apareció una línea de pequeños guitarristas, el Ensamble Crescendo. Los aplausos comenzaron incluso antes de que tocaran la primera nota. Entonces sonó “Carol of the Bells”.

A esa altura, muchas de las piezas del concierto empezaban a encontrar sentido entre sí. Allí estaba Berta, tocando codo a codo con niños que apenas empezaban a recorrer el mismo camino que ella inició décadas atrás. Entre ellos había una pequeña guitarrista cuya guitarra parecía incluso más grande que su propio cuerpo. La imagen tenía una belleza difícil de explicar y, al mismo tiempo, contenía el espíritu que había atravesado toda la noche.

El legado

Después de compartir escenario con los pequeños guitarristas, Berta tomó un momento para hablar del futuro. Observó a los niños que se despedían y dijo, con una convicción serena, que la guitarra paraguaya tiene mucho por delante. No sonó como una frase protocolar ni como un gesto de optimismo automático. Sonó desde la experiencia de alguien que ve día a día frente a sus propios ojos la continuidad de algo que lleva años construyéndose.

Agradeció entonces a los jóvenes por el compromiso y la disciplina, pero también a las familias que sostienen esos procesos silenciosos de formación. Habló del acompañamiento, de la responsabilidad y de la importancia de cuidar esas vocaciones desde temprano. Había en sus palabras una mirada consciente sobre lo que implica transmitir conocimiento y abrir caminos para otros.

Esa idea del legado terminó encontrando una forma todavía más concreta cuando presentó nuevamente a Pu Rory, el ensamble de guitarras que impulsó en 2016. “Hoy se vuelven a encontrar”, dijo antes de recibirlos sobre el escenario.

Muchos de ellos llegaron a ese proyecto siendo apenas adolescentes, impulsados por el deseo de aprender, compartir música y expandir la curiosidad alrededor de la guitarra. Ahora regresaban convertidos en músicos formados, reencontrándose entre ellos y también con la propia Berta después de años de caminos distintos.

La Suite Pu Rory, arreglada por Pinchi Cardozo Ocampo, reunió fragmentos de piezas emblemáticas como “Trompo arasá” e “India”. Desde el escenario, las guitarras parecían multiplicarse unas dentro de otras, construyendo una sonoridad colectiva donde ya no importaba distinguir individualidades.

Poco antes de comenzar esa parte del concierto, Berta habló también de los momentos difíciles que atraviesa cualquier vida. Lo hizo para dedicar la presentación a la hermana de una de las integrantes del ensamble, fallecida apenas días atrás.

Entonces la música adquirió otro peso. De estar enterrando a su hermana un día antes, Micaela apareció sobre el escenario sosteniendo la guitarra entre las manos y transformando el dolor en otra cosa. Resultaba imposible no pensar, en ese instante, en la capacidad que tiene la música para contener, acompañar y crear refugio incluso en medio de las pérdidas más dolorosas.

Despertar

El cierre terminó reuniendo a todos los músicos sobre el escenario. Uno a uno fueron entrando nuevamente mientras las sillas comenzaban a ocuparse y las cuerdas volvían a entrelazarse. La imagen era de ceremonia colectiva.

Entonces empezó “Despertar”, de Maneco Galeano. “América es una, morena y alegre, es voz y esperanza de los valles verdes”, dice uno de sus versos más recordados. Mientras la canción avanzaba, las luces del fondo comenzaron a teñirse con los colores de la bandera paraguaya.

Sobre el escenario convivían niños cantando, jóvenes abrazando guitarras, maestros observando con orgullo y músicos que entienden el arte también como una forma de construir futuro.

Fue allí cuando terminaba de revelarse el verdadero corazón del concierto. Porque a lo largo de toda la noche Berta Rojas insistió en la idea de que la música puede convertirse en memoria, en encuentro, en refugio y también en una forma de cuidar lo que viene después. Había algo esperanzador en ver a distintas generaciones compartiendo escenario con la misma entrega, con las cuerdas capaces de unir tiempos, historias y afectos distintos dentro de un mismo abrazo.

Tras una última aparición de Berta para un bis con “El último canto” de Agustín Barrios, bien cerca de la gente, sin amplificación, y cuando la última nota se apagó, quedaba todavía vibrando en el aire la sensación de haber asistido a algo que iba mucho más allá de un concierto. Una celebración construida desde la generosidad, la transmisión y el amor inmenso hacia la música paraguaya.

La agrupación argentina Bulldog, con 35 años de carrera, trajo su sonido rockero con toques de punk al festival. Canciones como “Más y más” y “La noche sin ti” desataron el pogo entre el público que celebró la presentación de la banda.

Posteriormente llegó Árbol con su ecléctica propuesta y canciones como “Trenes, camiones y tractores”, “Prejuicios” y “Little Dreams”. En un momento, el vocalista Pablo Romero invitó al público a abrirse en dos y a cruzarse de un lado a otro.

Rock, cumbia, punk, pop formaron parte de la propuesta de la banda que le declaró su amor a Paraguay cantando “El fantasma”, antes de cerrar con “La vida”.

23:15 Andrés Calamaro y un reencuentro limitado

Andrés Calamaro se reencontró con el público paraguayo, pero se vio en la necesidad de dejar fuera de su repertorio a varios de sus éxitos debido al tiempo limitado. Por esta razón también dijo que iba a hablar poco.

Acompañado por una gran banda de músicos, el artista argentino presentó temas como “Te quiero igual”, “Crímenes prefectos”, “Mil horas” y “Bohemio”.

El público acompañó cantando y bailando éxitos como “Mil horas”, “Mi enfermedad”, “El salmón”, “Alta suciedad” y “Paloma”. Tras interpretar “Flaca”, Calamaro se retiró del escenario y regresó con una camiseta de la Albirroja deseando “suerte, elegancia y victoria en el Mundial”.

El cantante, que por momentos estuvo un poco desafinado, también recordó al técnico de la Selección Paraguaya de Fútbol, Gustavo Alfaro, como “el hombre de las mil frases”.

21:40 Usted Señálemelo y una canción de yapa

La agrupación argentina Usted Señálemelo se reencontró con el público paraguayo para presentar sus “Términos y condiciones”, su más reciente álbum.

La temática del show giró en torno a un sistema de computadora, mientras el trío desplegó en escena toda su potencia musical. En una canción también sumó al artista paraguayo Franco Ocampo, de El Culto Casero.

El público saltó y cantó con la propuesta de la agrupación mendocina que ofreció también canciones de sus anteriores trabajos como “Nuevo comienzo” y “LASER 420”. Sobre el final anunciaron que iban a incorporar una canción de yapa, dando paso a “Agua marfil”.

20:35 Estelares y un recorrido emocional en ritmo de rock

Estelares, la agrupación argentina oriunda de la ciudad de La Plata, ofreció hoy un recorrido por canciones de toda su carrera, guiado por el vocalista Manuel Moretti.

Entre estas canciones sonaron “Ella dijo”, “Cristal”, y “El día perfecto”, para la cual el cantante pidió el apoyo del público ya que desde el miércoles estaba atravesando un cuadro gripal.

Sobre el final del show llegaron temas como “Roma”, una canción del más reciente álbum de la banda; “Es el amor”, que surgió de una mañana de sábado de Moretti con sus hijas; y “El corazón sobre todo”, que fueron muy celebradas por el público.

19:45 El público abraza a El Plan de la Mariposa

El Plan de la Mariposa regresó a Paraguay y cautivó al público presente en el Rock al Puerto con su rica propuesta musical que suma un violín y, por momentos, un acordeón. La agrupación presentó sus canciones que hablan del amor, de la naturaleza e incluso de la salud mental.

Canciones como “Esquina de la sombra” y “Túnel de la vida” y “El riesgo” fueron parte de la propuesta de la banda, que tuvo una constante Interacción con el público.

18:45 Paiko, entre clásicos y una ovación

La agrupación paraguaya Paiko reivindicó su posición como una de las agrupaciones más populares del rock paraguayo durante su presentación en Rock al Puerto. La banda trajo a escena un recorrido por sus más de dos décadas de carrera con canciones como “Huyendo de ti”, “Rock reggae”.

“¡Qué vista!”, celebró Afi Ferreiro, antes de continuar el show con temas como “Quiero” y “Verte una mañana”.

Invitando a Josema González de Kuazar, la banda presentó “Kuruzu Verá”, con un estridente y potente solo de guitarra.

La banda también presentó su nueva canción “Al son del corazón”, así como la versión de la guarania “Mis noches sin ti”, que fue ampliamente celebrada por el público.

El público también celebró con la polca “Si te vas (Andrea)”.

Para el cierre llegó “Pirareta”, al que la banda sumó un nuevo coro antes del enérgico toque de harmónica de Enrique Zayas. El público ovacionó a la banda paraguaya al final de su presentación.

17:50 LaNuestra y un recorrido cargado de hits

LaNuestra abrió su presentación estrenando en vivo Todo lo que sube, un sencillo que revelaron hace un par de días. La agrupación paraguaya, que ofrece una fusión de estilos como el rock, la cumbia, la polca y el reggae ofreció un recorrido por hits como Tapar la luna, Satélite, Cómo quisiera, manteniendo una constante interacción con el público.

La presentación cerró casi como un ritual con todos los integrantes al frente del escenario cantando junto al público, que por estas horas ya se registra en una importante cantidad.

17:10 Antenna, entre éxitos propios y covers

Antenna desató el primer pogo del festival, en el marco de un show que reunió temas propios como Supersónico y En el aire.

El show también incluyó un segmento de covers, entre los que estuvo My generation de Limp Bizkit.

El guitarrista Edu Martínez interactuó con el público durante un solo y, más adelante, celebraron que el vocalista Chelo Martínez superó un cuadro de cáncer.

16:20 Tribu Sónica, de la electrónica a la cumbia

El grupo Tribu Sónica desembarcó en el Puerto de Asunción con un show enérgico y varios invitados.

Con el rock como base, la agrupación presentó temas como Fuego en el desierto, Puedo irme y Retrovisor, estas dos últimas junto a Seba Elizeche de Ciudad Mansa.

Stefy Ramírez también se sumó como invitada a cantar, mientras la banda liderada por Diego Serafini y Belén Pinto trajo a escena temas como la cumbiera El veneno y la electrónica El silencio.

Una voz potente marcó el cierre de la presentación de la banda en el festival.

15:30 Pornostars con potencia rockera

Pornostars se hizo presente en el escenario del festival con toda la potencia y un recorrido por canciones de toda su trayectoria.

La agrupación hizo frente a una falla con el micrófono del vocalista, mientras entregó al público temas como Ovni y Tengo un arma. Esta última marcó el cierre de la presentación del grupo con el público coreando.

15:00 Passiflorx, folk rock y estrenos

La percusión marcó el inicio de la presentación de Passiflorx, la banda paraguaya de folk rock. Con el mensaje “Cultura no es delito” pegado en uno de los micrófonos, la agrupación presentó temas como Jacarandá, acerca del cuidado de los bosques y Espejo, que fue dedicado a los amigos.

Ritmos como la polca y la chacarera se fusionan en la propuesta del grupo, que aprovechó su paso por el festival para sumar a Gianluca en la guitarra durante Ausencia.

También presentaron la canción inédita El color del cielo, con la participación de las cantantes Lucero Sarambi y Sofi Barudi.

Cerraron su presentación con su último sencillo El agua es de los seres que la habitan.

14:30 Bastianes y el debut de “Todo lo que queda”

Bastianes llegó al festival Rock al Puerto con su nuevo álbum Todo lo que queda, aprovechando para presentar en vivo varias de sus canciones.

La banda encabezada por Sebastián González presentó temas como Por siempre, Cara de ángel y Cansado, que fue dedicada por el vocalista “a los que todos los días intentan de nuevo”.

Invitando a agitar los brazos en alto presentaron la emotiva Ya no es lo mismo, antes de cerrar su presentación con toda la energía de Mágicas.

13:50 Mavi y Dentro del Sol abren la fiesta en el Puerto

La cantante paraguaya Mavi Zacarías fue la encargada de abrir el festival con sus canciones que cruzan el pop y el rock. La artista aprovechó para presentar en vivo su álbum bitAcOra que llegó hace unos días a las plataformas digitales.

Luego fue el turno de la agrupación paraguaya de rock Dentro del Sol descargando en escena toda su potencia, con un sonido stoner rock marcado por la guitarra eléctrica. La banda conquistó los aplausos del público aún escaso en el predio del Puerto de Asunción.

Además de las imágenes, “Presenciales” reunirá las palabras de poetas que, a partir del pedido de los personajes pintados en vivo, expresarán sus visiones de lo que sentimos o de los que nos pasa ahora. Estos poetas son: Edgar Pou, Mónica Laneri, Cristino Bogado, Lourdes Benítez, Miguelo Melgarejo, Lucy Yegros, Diego Ayala, Orlando Orué, Tessa Rivarola y Noelia Buticce.

La inauguración será mañana a las 19:00, pero también se podrán agendar visitas para este viernes 25, jueves 1 y viernes 2 de julio a las 18:00. La muestra permanecerá hasta el próximo 17 de julio.

Amengual trabajó desde su juventud en el campo de la comunicación visual, integrando las actividades de las artes plásticas, el diseño y la fotografía. Desde 1985 expone en muestras colectivas e individuales, pinturas, objetos, esculturas, fotografías y diseños en Argentina y Paraguay.