Lithium, Kurt Cobain y Areteo de Capadocia

“¿De qué lado estás?” (What side you standing on?) es el estribillo de “Oblivius”, canción interpretada ante miles de personas por la banda neoyorquina de indie rock mientras se proyectaba un videomontaje que presenta a la Agencia Central de Inteligencia de Estados Unidos involucrada en cambios de régimen en países de todo el mundo a lo largo de varias décadas y que concluye con imágenes de Israel bombardeando Gaza y de Estados Unidos bombardeando Irán.

For those who missed it: this was the moment The Strokes ensured they’ll never set foot in Coachella again! I'm so proud of them #Strokeschella pic.twitter.com/ue1UIikixU

— Zaf (@Buenozaf) April 19, 2026

La banda integrada por Julian Casablancas, Nick Valensi, Albert Hammond Jr., Nikolai Fraiture y Fabrizio Moretti es una de las más importantes y potentes agrupaciones del garage rock y del rock alternativo desde comienzos de los 2000, con discos como Is This It (2001), Room on Fire (2003) y The New Abnormal (2020). Reality Awaits, su séptimo álbum de estudio, será lanzado el 26 de junio de 2026 bajo el sello RCA Records.

Anarcómics: la rebelión del Tintín apócrifo

Los Strokes arrasaron con un poderoso concierto en el que tomaron por asalto las grandes pantallas del escenario del Festival de Coachella para poder mostrar a un público multitudinario un valeroso montaje de imágenes de expropiaciones de tierras indígenas en Estados Unidos, de figuras históricas como el abolicionista Frederick Douglass y de presidentes latinoamericanos como Salvador Allende, entre otros, señalando la implicación de Estados Unidos en sus derrocamientos, mientras Casablancas cantaba “What side you standing on?”, “¿De qué lado estás?”.

El final llegó cuando el grupo comenzó a proyectar fotografías de las “Más de 30 universidades destruidas” en Irán y de “La última universidad que queda en pie en Gaza”, seguidas de un vídeo del bombardeo de esta. Con ese duro mensaje terminó la imponente presentación de The Strokes.

Narciso: Un espejo que atraviesa el tiempo

La expectativa no está puesta únicamente en el concierto, sino en el descubrimiento. En la posibilidad de llegar por primera vez a un lugar donde su música aún está por encontrarse con quienes la escucharán en vivo. “Hay una emoción bonita por conocer, por estar ahí y poder mostrar mi trabajo y mis canciones”, agrega.

En esa idea de “mostrar” aparece también algo más profundo: el gesto de llevar un repertorio construido a lo largo de más de dos décadas hacia un público nuevo, sin referencias previas, donde cada canción vuelve a ponerse a prueba.

El origen: una vida rodeada de música

Si el presente de El David Aguilar está atravesado por la idea del viaje, su origen parece responder más a una permanencia: la de una casa donde la música ya estaba antes que cualquier decisión. Al mirar hacia atrás, incluso pone en duda la idea de haber elegido ese camino. “Sin duda influyó mucho. Últimamente he pensado que ni siquiera decidí del todo ser músico, sino que era algo que estaba tan en mi entorno que, en los últimos años, me he preguntado qué tanto nació realmente de mí”, dice.

La escena es doméstica y constante: instrumentos disponibles, un padre que tocaba varios de ellos y una práctica casi ritual del canto compartido. “Desde muy chico, a los 10 u 11 años, yo ya sabía y ‘avisé’ que me iba a dedicar a esto. Había muchos instrumentos en casa, mi papá tocaba varios y se cantaba mucho; todavía se canta mucho cuando vamos a lo de mis papás, aunque ahora sea más en plan karaoke”. Más que una epifanía puntual, lo que aparece es una continuidad, una forma de vida que se fue naturalizando hasta volverse destino.

Sin embargo, en ese recorrido también hay momentos que funcionan como hitos. Recuerda la adolescencia como una etapa de exploración intensa, donde el aprendizaje iba de la mano con la imitación y la curiosidad. “Cuando tenía 12 o 13 años y ya tenía claro que quería formarme, recuerdo desde canciones de Green Day hasta The Man Who Sold The World, que fue la primera que me aprendí en la guitarra”. A partir de ahí, el camino se diversifica: el rock en español, bandas como Maná, incursiones en el metal o el rock progresivo. “Fueron proyectos de estilos muy distintos que me marcaron”, resume.

Esa amplitud no desaparece con el tiempo, sino que se reorganiza. Más adelante, un profesor y el contacto con la poesía abren otra puerta, que lo conecta con la tradición de cantautores de distintos puntos del mundo hispanohablante. Pero incluso ahí, la identidad no se define por una sola línea. “Aunque también me gusta mucho la música norteña; siento que lo mío es un híbrido, me siento como un ‘multigrano’”, explica, intentando nombrar una mezcla que no termina de fijarse.

Esa idea del híbrido encuentra su raíz en la convivencia de universos sonoros dentro de su propia casa. Por un lado, lo que llegaba a través de su padre: “Queen, The Beatles, Bee Gees, algo de country estadounidense, Chicago, Creedence…”. Por otro, lo que efectivamente se cantaba: José Alfredo Jiménez, Álvaro Carrillo, Juan Gabriel. “Lo que oíamos por mi papá era una cosa, pero lo que cantábamos nosotros era música tradicional mexicana. Mi influencia es ese híbrido”.

El descubrimiento de la poesía como forma de vida

Si en su formación musical hay una acumulación de capas, el vínculo con la poesía aparece, en cambio, como un punto de inflexión. No tanto por la escritura en sí, sino por la forma en que redefine su manera de estar en el mundo. “Exactamente como lo dices”, responde cuando se le menciona la idea del lenguaje como refugio, y enseguida vuelve a una escena precisa: un profesor “muy bohemio” en una clase de Orientación Vocacional.

Más que teoría, lo que recibió fueron estímulos. Películas, imágenes, referencias que abrían otras posibilidades. Una de ellas fue El lado oscuro del corazón, donde la poesía no aparece como un objeto, sino como una forma de vida encarnada en autores como Oliverio Girondo, Juan Gelman y Mario Benedetti. “Yo tenía 13 años y ya conocía el concepto, pero no sabía que la poesía era una manera de ser; pensaba que era algo que simplemente se escribía”, recuerda. La revelación no pasa por el lenguaje en sí, sino por lo que lo rodea: “No sabía que la poesía trascendía las palabras”.

Hay una escena de esa película que se le queda fija: el intercambio de poemas por comida. Ahí se produce un desplazamiento de sentido. “Entendí que esto tenía un valor en la forma de vivir”, dice. A partir de ese momento, la poesía deja de ser una herramienta expresiva y empieza a operar como una lógica, una manera de interpretar la experiencia. Después vendrán otras lecturas —los poemas de Jaime Sabines, por ejemplo—, pero el origen está en ese descubrimiento adolescente, en ese gesto casi urgente de escribir para ser otra cosa.

La imagen que construye de esos años es también colectiva: cafeterías, amigos, servilletas como soporte improvisado. “Mi contacto con la poesía viene de ahí, de la adolescencia, de juntarme con amigos en cafeterías a escribir en servilletas para sentirnos más grandes. Queríamos saltarnos la adolescencia”. En ese intento de adelantarse al tiempo, la escritura funciona como atajo, como simulacro de madurez.

Con los años, esa relación no se vuelve más estable, sino más consciente de sus propias fluctuaciones. Frente a la idea de que la poesía es un territorio inaccesible o excesivamente intelectual, su respuesta introduce una variable distinta: la disposición. “La poesía es una licencia que te das para salirte un poco de la realidad”, explica, aunque reconoce que no todos conectan con ese desplazamiento. Incluso para él, ese vínculo es intermitente. “Yo mismo tengo días en los que no tengo el ‘software’ de la poesía activo y digo: ‘¿Por qué estoy escribiendo estas mamadas?’”, dice entre risas.

Lejos de idealizarla, la describe como un estado que aparece y desaparece. “Pero luego llega un jueves cualquiera, baja la poesía y me siento superconectado”. Esa irregularidad, más que un obstáculo, parece formar parte del proceso: momentos de desconexión seguidos de irrupciones inesperadas, como si la poesía no fuera algo que se controla, sino algo que ocurre.

Escribir: entre la confesión, la canción y el lenguaje propio

Cuando vuelve sobre sus primeras formas de escritura, El David Aguilar no habla de canciones, sino de poemas. “Primero escribía solo poemas en servilletas o papeles, intentando imitar a los pocos autores que conocía. Me acuerdo y me da mucha ternura; así se empieza”, dice. En ese gesto inicial no hay aún una idea de obra, sino una exploración intuitiva del lenguaje. La poesía aparece como una práctica doméstica, casi lúdica, antes de convertirse en una búsqueda consciente.

Con el tiempo, esa relación con la escritura se reconfigura. “No diría que hoy ya ‘encontré’ algo definitivo, pero he entendido que, en mi caso, la poesía es una elección de estilo casi confesional. Se trata de vaciarme”, explica. La idea de la confesión no remite aquí a la exposición, sino a una forma de depuración: decir lo esencial, sin ornamentos. “Me gusta usar palabras sencillas, no rimbombantes. Prefiero a los poetas francos, directos y económicos, que hablan con parquedad pero con estilo”.

En paralelo a su trabajo como compositor, mantiene un espacio propio en redes donde publica versos sueltos, fragmentos que no necesariamente están pensados para transformarse en canciones. Esa distinción es importante para él: no todo lo que escribe pertenece al mismo territorio. “Soy la misma persona, pero ese proyecto de poesía no tiene que ver con la canción. La poesía es un estilo donde me importa cómo acomodo los versos en la hoja o una puntuación que yo mismo inventé”, señala.

La canción, en cambio, responde a otra lógica. “Las canciones son otra vía, una oportunidad para explorar más”, dice. En ese espacio, el lenguaje puede volverse más flexible: a veces directo, otras veces cargado de metáforas, juegos fonéticos o repeticiones que, fuera de la música, perderían sentido. “La letra de canción es un género literario aparte. En la academia no está tan esclarecido su rol, pero la canción merece su propio lugar. El Nobel a Bob Dylan dice algo al respecto”.

Esa diferenciación no es solo teórica, sino práctica. Su forma de escribir se ha expandido también a partir del trabajo con otros músicos. “Como me volví coautor de muchos proyectos —me llaman como coach de escritura de canciones—, he aprendido a escuchar distintos estilos y visualizar composiciones ajenas. Eso ensanchó mi óptica”, explica. En ese intercambio aparece una idea que atraviesa su proceso creativo: la influencia como acumulación.

“Yo no hubiera compuesto mi canción Prieta si no me hubiera empapado de un montón de gente”, reconoce. Esa exposición constante a otras formas de hacer música también redefinió su propia práctica. Durante años organizó encuentros semanales en su casa, donde distintos artistas compartían su trabajo. “Yo observaba el mejor rasgo de cada proyecto y trataba de incorporarlo al mío. En el arte se vale robar, pero tiene que ser de muchísimas personas para que el robo se desdibuje y se convierta en un mosaico. Así creamos, a partir de lo que hemos consumido”.

Ese proceso de apropiación y transformación, más que una estrategia, parece una forma de aprendizaje continuo. Una manera de construir lenguaje propio desde lo compartido. Incluso la idea de estilo, que suele funcionar como marca de autor, aparece en su discurso como algo poroso. “El otro día un amigo me cantó una canción ‘al estilo Aguilar’ y supe por qué lo hizo. Me dio mucha risa”, cuenta. Lejos de incomodarlo, esa identificación lo confirma en algo que no termina de fijarse del todo. “Supongo que todos nos volvemos imitables, ya sea por respeto o por burla, pero no me importa mucho. Me honra que alguien lo diga, siento bonito porque significa que hay algo ahí”.

Los vínculos: colaborar, pertenecer, poner límites

En su recorrido, El David Aguilar ha construido una red amplia de colaboraciones que incluye nombres como Natalia Lafourcade, Jorge Drexler, Mon Laferte, El Caloncho o Loli Molina. Sin embargo, más que una lista de figuras, lo describe como una experiencia de intercambio constante entre formas distintas de entender la música. “Ha sido muy bonito. He tenido la suerte de compartir con proyectos que me gustan mucho; en algunos hay amistad y en otros es una relación laboral”, explica.

Ese tránsito entre lo afectivo y lo profesional también implica una cierta exposición continua. En proyectos colectivos como The Guapos —junto a Leiva, Jay de la Cueva y Adán Jodorowsky— reconoce que la dinámica social puede volverse intensa. “A veces eso provoca un poco de ansiedad social, sentir que descuidas lazos por lo muchos que son”, admite, en referencia a la multiplicidad de vínculos que se generan en la industria musical.

Frente a eso, aparece una idea que atraviesa su forma de relacionarse: la horizontalidad. “Sobre los ‘niveles’, yo siempre he tratado de que eso no exista. Si me habla alguien que está en el ‘top’, voy a tratar de que la energía sea completamente horizontal, de la misma forma que si me hablara un chavito que va empezando”, dice. Más que una postura ideológica, lo plantea como una forma de comportamiento cotidiano, casi como una ética de trato. “Fantaseo con que esa horizontalidad suceda”.

Pero esa apertura también convive con los límites. Con el paso del tiempo, reconoce que la gestión de los vínculos se vuelve más consciente. “Hay un factor determinante que es la edad. Llega un momento en que no puedes sostener tanto y quieres ser más económico con tu energía”, explica. Lo que en sus veintes era una red amplia y poco definida, hoy se ordena de otra manera. “Tenía amistades a diestra y siniestra sin identificarlas bien, pero por salud mental entendí que es necesario saber quiénes son amigos, quiénes son conocidos y quiénes pertenecen al universo laboral”.

Ese “universo laboral”, sin embargo, no es rígido. Se mueve, cambia de lugar, se reconfigura. “Alguien del trabajo de pronto ingresa al círculo de amistad y viceversa. Así es la naturaleza humana”, dice. En esa fluidez aparece una lectura menos controlada de los vínculos, donde las categorías no son fijas sino transitivas. “Cada vínculo que haces transforma la posibilidad de los demás; es un movimiento meticuloso y delicado donde no tienes el control específico de la situación”.

En ese tránsito entre geografías que todavía se abren y palabras que nunca terminan de fijarse, El David Aguilar parece habitar un lugar donde la creación no es destino sino movimiento. La música, la poesía y los vínculos se le aparecen como formas de lo mismo: una manera de estar en el mundo sin intentar clausurarlo del todo, de ensayar lenguajes que cambian con el tiempo y con los otros. Tal vez por eso el viaje a Paraguay no se plantea como llegada, sino como otra posibilidad de empezar a escuchar.

El dúo Mau y Ricky vuelve al país y presenta un adelanto clave de su próximo disco

El ciclo “Muy fin de mes” surge a partir de una idea planteada por la propia banda, que lo sitúa en el momento del mes en el que el ingreso económico se reduce, pero se mantiene el interés por asistir a conciertos. A partir de ese concepto, Kita Pena organiza una serie de fechas cercanas entre sí, enfocadas en la interpretación en vivo y el encuentro directo con el público.

Con dos ediciones previas realizadas, el ciclo alcanza su tercer volumen. Según la propuesta del grupo, estas presentaciones buscan sostener un formato en el que la música ocupa el lugar principal, con menor intermediación en la experiencia del show.

Para esta edición, la banda volverá a presentarse en Rockero Popurrí Nocturno, un espacio que forma parte de su recorrido y al que regresa tras un periodo sin actuaciones en ese escenario.

El concierto se enmarca en un año en el que Kita Pena cumple 15 años de trayectoria. Formada en 2011, la banda ha desarrollado una propuesta que integra géneros como pop, rumba, guarania, reggae, flamenco, folk, bossa nova, cumbia y ritmos locales. Durante este periodo, el grupo también anunció nuevos lanzamientos y la continuidad de formatos de presentación más cercanos.

El ciclo “Muy fin de mes - Vol. 3” se presenta, según la banda, como un espacio de actuación que se adapta a ese tramo del mes, manteniendo la realización de conciertos en vivo.

Madonna sorprende en el festival Coachella como invitada de Sabrina Carpenter

Tras el éxito de su “Listening Experience” en España —con funciones agotadas en ciudades como Barcelona, Valencia y Madrid— el dúo desembarca en Latinoamérica con esta propuesta que se aleja del formato tradicional de concierto. En esta ocasión, el público paraguayo tendrá acceso anticipado a canciones inéditas de su próximo álbum, aún sin publicar en plataformas digitales.

El espectáculo, con aforo limitado y una puesta diseñada especialmente para la cercanía con los fans, busca mostrar una nueva etapa artística del dúo, marcada por una evolución sonora y emocional.

Este regreso a Paraguay coincide con el lanzamiento de “Las Flores”, el segundo adelanto del disco que llegará el 28 de mayo. La canción, producida por Daramola, fusiona el pop con arreglos de raíz y se presenta como una de las composiciones más personales de su carrera.

El sencillo surge en medio de una narrativa desarrollada en redes sociales, donde los hermanos impulsaron —entre lo lúdico y lo emocional— la idea de cambiar el nombre del grupo. La propuesta, apoyada por artistas como Carlos Vives, María Becerra y De La Ghetto, evolucionó hacia una reflexión más profunda sobre su vínculo personal y artístico.

De ese proceso nace “Las Flores”, escrita por Ricky como una dedicatoria a su hermano, explorando temas como la competencia, la complicidad y el afecto familiar. El resultado es una pieza que da sentido conceptual al álbum y anticipa un trabajo más introspectivo.

Este nuevo capítulo llega después de Hotel Caracas (2024), proyecto con el que el dúo logró nominaciones a los Latin Grammy y reforzó su conexión con sus raíces venezolanas. Ahora, desde sus estudios en Miami, Casablanca, y junto a Sony Music y su sello Why Club Records, Mau y Ricky apuestan por una identidad más madura.

Con millones de reproducciones acumuladas, certificaciones internacionales y una destacada trayectoria como compositores de éxitos globales, los hermanos continúan consolidándose como referentes del pop latino contemporáneo.

La cita en Asunción no solo marcará su regreso al país, sino también un adelanto exclusivo de la nueva etapa que están a punto de presentar al mundo. Las entradas ya están en venta a través de Ticketea, desde G. 215.000.

Kevin Johansen y Liniers: una forma de estar juntos en tiempos de inteligencia artificial

Bajo la dirección de Marcelo Martinessi, la película se sumerge en la Asunción de fines de la década del 50 para narrar la historia de Narciso Arévalos, un joven cuya vitalidad y conexión con el rock and roll se ven truncadas por una muerte rodeada de silencios.

Basada en la novela homónima de Guido Rodríguez Alcalá, inspirada a su vez en el asesinato del locutor Bernardo Aranda, ocurrido en 1959, la cinta utiliza este caso para explorar las tensiones de una sociedad bajo el inicio de la dictadura de Stroessner, convirtiendo un episodio real en una reflexión universal sobre la represión y el deseo.

La piel de la memoria

Para el equipo actoral, participar en Narciso supuso un viaje de ida y vuelta entre la ficción y la realidad paraguaya. El hilo conductor de sus testimonios deja en claro que la película es necesaria porque el pasado no ha terminado de pasar.

Las actrices Natalia Cálcena y Belén Vierci coinciden en que la rigurosidad estética es el primer puente hacia esa memoria. “Es un ambiente exacto de cómo se vivía; hubo casi cuatro años de investigación”, señala Cálcena, destacando la labor de dirección de arte de Carlo Spatuzza. Para Vierci, esa precisión permite comparar comportamientos sociales: “Aunque cambió la forma, se mantienen conductas como la falta de libertad. El núcleo de la película es mostrar mundos que se conocen poco, como el del radioteatro, vital para la sociedad de entonces”.

Ese reconocimiento del presente en el espejo de 1959 es una constante. Aníbal Ortiz observa con preocupación que muchas de las cosas que pasan en la película “siguen reflejadas hoy en día”. Para Ortiz, la película es un aporte urgente a la educación: “La cultura es evolución, y en Paraguay todavía nos falta mucho camino”. Maca Candia amplía esta visión hacia una escala regional: “Es importante preguntarnos cómo estamos hoy. Latinoamérica entera se va a sentir identificada porque estos ciclos se repiten”.

Desde la perspectiva de las nuevas generaciones, Florencia Boccia destaca el papel de la empatía. “Para los más jóvenes, que solo escuchamos estas historias por la familia, la película es un ejercicio de memoria a través de la empatía con personajes que buscan su libertad”, explica.

Finalmente, Diro Romero, quien encarna al carismático Narciso, resume el dilema ético que la película plantea al espectador: “¿Dónde estamos posicionados nosotros? ¿Somos Narciso buscando libertad? ¿Somos Goya queriendo mantener el orden? ¿O somos Lulú, viviendo una vida falsa por presión social?”. Para Romero, el ejercicio que propone el filme es el de la identificación: “Todos tenemos algo de Narciso: todos queremos ser quienes somos”.

El andamiaje del sueño

Detrás de la potencia emocional de las actuaciones, se encuentra una estructura de producción que desafía los límites del mercado local. Sebastián Peña, productor general, define el cine paraguayo como una gesta de “caraduras”.

“Si esperáramos a que se den las condiciones, nunca se haría nada”, afirma Peña. Narciso es una coproducción de siete países, una arquitectura administrativa incluso más compleja que la de Las Herederas. Según el productor, esta internacionalización no es solo financiera, sino creativa: “Cada país aporta profesionales que suman capas narrativas y operacionales, logrando un proyecto sólido que pudo desembarcar con fuerza en la Berlinale y ahora en Paraguay”.

Sin embargo, Peña nota un cambio de paradigma en las políticas públicas y el sector privado. “Hoy tenemos un Instituto Nacional de Cine por el cual peleamos décadas”. Entonces para él el mensaje para el sector empresarial es muy claro: el cine no es solo cultura sino una inversión de posicionamiento nacional. “El cine tiene un retorno enorme para el país, ubicándonos en escenarios internacionales sumamente exigentes”, concluye.

El cine como territorio de memoria

Para cerrar este recorrido, es fundamental acudir a la visión de quien orquestó este universo de sombras y luces. Marcelo Martinessi, quien más que dirigir una película, con ella propone una reflexión sobre cómo habitamos nuestra propia historia. Al consultarle sobre esa dualidad tan palpable en el filme, donde la aparición del rock and roll choca contra la asfixia dictatorial, el director explica que esa fricción ya latía en la novela de Guido Rodríguez Alcalá:

“Por un lado, un orden que comenzaba a endurecerse, a organizarlo todo desde la vigilancia y el control; por otro, un pulso nuevo, una forma distinta de moverse, de desear, de estar en el mundo. Belleza y violencia comparten atmósfera, y más que el encuadre en sí, se disputan todo el campo sensorial. La película nace en esa disputa”.

Martinessi remarca que la llegada del rock and roll en la cinta no es una irrupción ruidosa, sino un proceso más sutil: “(El rock and roll) no irrumpe como una explosión, sino como un temblor. Es algo incipiente, que encuentra pequeñas grietas para manifestarse. Un gesto que no logra desplegarse del todo, porque hay algo alrededor que lo contiene, que lo observa”.

El espejo y la huella

La Asunción de finales de los 50 que retrata Narciso se siente, para muchos, como un reflejo inquietante de la actualidad. Sobre esta conexión entre épocas, Martinessi reflexiona que no buscaba simplemente reconstruir un pasado cerrado, sino rastrear sus huellas:

“Hay algo de ese momento —en apariencia lejano— que sigue vibrando en el presente, como si ciertas formas de poder, de miedo o de silencio no hubieran desaparecido del todo, sino que simplemente hubieran tomado otra forma. [...] La historia del Paraguay nos expone al riesgo de naturalizar formas autoritarias de relacionamiento que se mantienen hasta hoy en los gestos más pequeños, en los vínculos, incluso en las miradas. Y frente a eso, persiste también esa otra fuerza: la necesidad de encontrar espacios de fuga, aunque sean mínimos, aunque sean frágiles. Tal vez por eso la película puede sentirse como ese ‘espejo deformado’ que no nos devuelve una imagen exacta del presente, sino una resonancia. Algo que nos obliga a preguntarnos cuánto de aquello sigue habitándonos, y de qué maneras seguimos negociando —individual y colectivamente— con esas mismas tensiones”.

La construcción del sujeto: vulnerabilidad y silencio

A la hora de trabajar con el elenco y construir la fragilidad que exudan sus protagonistas, el director enfatiza la importancia de proteger lo que cada actor trae consigo.

Respecto a la construcción de los personajes y su labor con Diro Romero, el director expresó: “Para mi trabajo es fundamental cuidar y proteger la fuerza o la vulnerabilidad irrepetible que un actor trae consigo al set. Hay en cada uno de ellos algo orgánico, profundamente personal — tal vez como una memoria — que no se puede fabricar y que es, en definitiva, lo que completa la vida de un personaje, lo que le da una marca de identidad. En ese sentido, preciso estar muy atento a lo que surja de cada intercambio entre actor y director, en ese espacio donde lo escrito (guion, diálogos) se tensa, se desnuda o incluso se contradice. La forma final del personaje siempre está atravesada por las experiencias y las intuiciones de quien lo encarna”.

Asimismo, explicó que no busca “fijar” completamente a los actores, sino “permitir que algo de su incertidumbre permanezca vivo durante el rodaje”. “Porque, en el fondo, esa fragilidad es una forma de estar en el mundo en ese momento. Con Narciso (el personaje) se sumó la complejidad de ser alguien que se va construyendo a partir de las miradas e impresiones de los demás. Creo que para Diro ha sido esencial buscar una forma de habitar esa ‘exposición’ al público, sin perder sus propias inseguridades. Y confiar en que en esa búsqueda —a veces contradictoria— podía aparecer algo muy verdadero, más cercano a la experiencia de alguien que está, justamente, empezando a volverse quien es”, indicó.

La poética de los márgenes: el cine de lo no dicho

A lo largo de su filmografía, desde sus primeros cortometrajes hasta el impacto global de Las Herederas, la cámara de Martinessi parece haber desarrollado una obsesión por lo que queda fuera del encuadre, por los silencios y por aquellas historias que habitan los márgenes de los relatos oficiales.

Al consultarle sobre si su mirada mutó al enfrentarse a una herida tan real de nuestra memoria histórica como la de Narciso, el director ofrece una reflexión que vincula su pasado con este presente:

“A pesar de haber trabajado mayormente en el territorio de la ficción, siempre hay algo documental –visible o no– como punto de partida de cada corto o largometraje que hice (Karai Norte, La Voz Perdida, Las Herederas, entre otros). Y siempre hay una tensión que provoca aquello que los personajes no consiguen expresar. En ese sentido, Narciso no es una excepción, sino una continuidad. No sé si mi mirada mutó tanto como se fue complejizando en el diálogo con otros”.

Martinessi enfatiza que este proceso no es solitario, sino una construcción colectiva donde la sensibilidad de sus colaboradores históricos ha sido determinante para dar forma a la Asunción de 1959, una ciudad de la que existe muy poco registro visual:

“Vengo trabajando desde hace más de dos décadas con el director de arte Carlo Spatuzza y con el director de fotografía Luis Arteaga, y siento que en esta película el aporte de ellos dos ha sido determinante. Había un desafío claro: construir la vida cotidiana de Asunción de finales de los 50. Entonces, abandonamos la ilusión de poder representarla por completo, aceptamos sus vacíos. La película se mueve en ese territorio ambiguo, donde conviven elementos muy materiales, con una dimensión imaginada”.

El regreso a casa

Estrenar en Paraguay otorga a la obra una dimensión distinta, una suerte de “devolución” al lugar donde la historia siempre estuvo latente. Al preguntarle qué desearía que despierte la película en el espectador, Marcelo Martinessi se aleja de las imposiciones y apuesta por el poder de la penumbra:

“Es difícil decirlo, porque una reflexión profunda es siempre un acto muy personal. Y el cine abre camino para pensarnos. Somos testigos de una época saturada de imágenes, donde todo parece estar dicho, mostrado, iluminado hasta el exceso. Yo creo -cada vez más- en una narrativa cinematográfica donde lo que no se ve termina teniendo tanto peso como lo visible. En Narciso hay una obsesión con la oscuridad, entendida como un espacio donde aparecen los miedos (los monstruos) y los deseos de cada personaje, tal vez también los de cada espectador. La oscuridad es, además, en Paraguay, el territorio de la memoria. Narciso es una película que no se impone, sino que se ofrece como una suma de fragmentos de lo real y de lo imaginado”.

Fotos de sesión: Contentlab | Periferia - Dirección: Richard Figueredo - Fotografía: José María Riveros - Asistencia: Aldo Lezcano, Agustín Fernández.

Con un show muy distinto al que ofreció en Paraguay en marzo pasado, Sabrina Carpenter volvió al escenario de Coachella para presentar sus canciones. En un momento del show del viernes comenzó a sonar “Vogue” y Madonna apareció enfundada en un body de encaje y con botas de caño alto.

También interpretaron juntas “Like a Prayer” y una canción que formaría parte del nuevo material de Madonna, “Confessions on a Dance Floor: Part II”, que fue anunciado días pasados y lanzará el próximo 3 de julio.

La “Reina del Pop” agradeció a Carpenter por haberla invitado al show y, luego, rememoró su presentación hace dos décadas en el festival. Afirmó que estaba utilizando las mismas botas, el mismo corset y la misma chaqueta Gucci de aquella vez.

Madonna también habló de astrología y afirmó que es un tiempo de mejorar las habilidades de comunicación e invitando a evitar la confrontación. “Lo bueno de la música es que une a la gente. Es el único lugar donde la gente puede poner sus diferencias a un lado y pasar un buen momento”, indicó.

El show de Sabrina Carpenter también contó con la participación de la actriz Geena Davis, quien interpretó un monólogo; y Terry Crews cantando parte de “A Thousand Miles”, la canción de Vanessa Carlton que interpretó en una emblemática escena de la comedia “¿Y dónde están las rubias?“.

El festival Coachella puede verse en Paraguay a través de YouTube y contará este fin de semana con artistas como Justin Bieber y Karol G.

Este espacio cultural no solamente es fundamental dentro de la escena artística de Asunción, sino que también se ha constituido en el pionero de la Red de Centros Culturales de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). Esta red está actualmente integrada por 14 centros culturales en América Latina y 2 en Guinea Ecuatorial.

Según una nota publicada por Jesús Ruiz Nestosa, en 1996 al cumplirse el vigésimo aniversario del “Juan de Salazar”, el antecedente de este centro cultural fue el Instituto Paraguayo de Cultura Hispánica, cuya sede fue inaugurada en el año 1955, por iniciativa del diplomático español Carlos Fernández Shaw.

Tras regresar a nuestro país luego de casi dos décadas, Fernández Shaw decidió impulsar la creación de un Centro Cultural Español y, en el año 1975, se adquirió la vivienda ubicada sobre la calle Herrera que perteneció a don Manuel Ferreira.

La remodelación de la residencia, en la que también funcionó el Instituto Paraguayo de Cultura Hispánica, estuvo a cargo del artista español Francisco Torné Gavaldá, quien por entonces vivía en Asunción.

La inauguración del Centro Cultural de España “Juan de Salazar”

El 10 de abril de 1976 se realizó una conferencia de prensa en la que se brindó detalles de la inauguración del centro cultural y de su infraestructura.

“En esa ocasión se informó que la casa poseía la sala Menéndez Pidal dedicada a mesas redondas y seminarios, la sala Goya para exposiciones y conferencias, y el Jardín Félix de Azara para actividades al aire libre”, detalla la publicación.

Señala además que para dicho acto, que se celebró el lunes 19 de abril de 1976, se invitó al profesor Juan Ignacio Tena, director general del Instituto de Cultura Hispánica de Madrid. Esta entidad apoyó financieramente la instalación del centro cultural, así como otros aportantes.

El acto inaugural contó con la presencia del entonces presidente de la República Gral. Alfredo Stroessner. En tanto, el entonces canciller Dr. Alberto Nogués, recibió una placa como “miembro de honor” del Instituto de Cultura Hispánica de Madrid.

El himno nacional fue interpretado por la banda de músicos de la Armada Nacional. También se presentó la bailarina Lucena Tena, especializada en el manejo de las castañuelas, acompañada por el guitarrista Félix de Utrera y el cantaor Manolo Mairena, además del maestro José Vives. destacadas figuras del arte español.

“Gráfica y dibujo actual de España” fue la primera exposición que albergó el centro cultural, en su sala Goya. La muestra itinerante, que venía recorriendo ciudades de Latinoamérica, estaba conformada por obras de 19 artistas contemporáneos.

“Paraguay y España se encuentran preparados para dar un largo paso al frente en el campo cultural”, expresó Fernández Shaw en el acto inaugural, según la nota publicada en ABC el 20 de abril de 1976.

Seguramente, en ese entonces Fernández Shaw no imaginó la gran importancia que tendría el “Juan de Salazar”, 50 años después, para artistas, gestores culturales y ciudadanos que encontraron en este lugar y en sus actividades el espacio propicio para desarrollarse.

Eneide Boneu explora la persistencia de las formas, inspirada en el mito de Altea

Monika Schuchardt, una de los doce artistas que representarán a Paraguay en esta edición, destacó la importancia que ha tenido este evento para el rescate de la técnica de la acuarela en nuestro país.

“Hace años ya no se estaba practicando tanto esta técnica. Antiguamente se usaba mucho en la facultad de Arquitectura, todas las perspectivas se hacían con acuarela, se hacía todo a mano”, detalló.

La artista señaló que grandes acuarelistas surgieron en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte (FADA) de la Universidad Nacional de Asunción, pero actualmente las perspectivas se realizan por computadora.

Schuchardt recordó que en el año 2018 había dos talleres, uno en el Instituto Superior de Bellas Artes (ISBA) con Yuki Hayashi que tocaba el tema de la acuarela y otro en el Instituto Superior de Arte (ISA) con Gabriel Brizuela Santomé.

La artista señaló que, a través de Yuki Hayashi, llegó la invitación para que Paraguay sea parte de este festival en Italia en 2019. “En ese momento empezamos a buscar acuarelistas. Desesperante era buscar porque nadie estaba pintando acuarela”, recordó.

Comentó que finalmente se seleccionó a seis artistas y por la cantidad no se pudo contar con un stand propio de Paraguay. Por ello se unieron a los artistas de Ecuador.

Schuchardt recordó que tras esa primera participación en Italia, realizaron en Asunción el primer Salón de la Acuarela en el Centro de Intercambio Paraguay Hokkaido y también una exposición en el Instituto Cultural Paraguayo Alemán (ICPA).

“Desde el 2019 se hace el Salón de la Acuarela, que se hace cada dos años. En los años que no se hace el salón, se hace alguna muestra, alguna muestra temática. El año pasado hicimos, con los Fondos de Cultura, una exposición sobre el Patrimonio Nacional, donde los acuarelistas pintaron sobre lo que se está restaurando ahora”, refirió.

La artista comentó que para esta edición del Fabriano in Acquarello se realizó una convocatoria y un jurado seleccionó diez obras. Además se sumó a la propuesta de Paraguay los trabajos de dos maestros.

En esta edición estarán los trabajos de Ángel Daniel Ayala, Analía Moreno, Diego Schäfer, Ida de los Ríos, Jorge Cardozo De Lamar, Leticia Casati, Magdalena Blanco, María Gloria “Malola” Echauri, Mónica Pávez, Monika Schuchardt, William Paats y Yuki Hayashi.

Schuchardt, quien es líder de la plataforma Paraguay, detalló que el festival reúne a alrededor de 2.000 personas provenientes de 80 países, en su mayoría artistas, por lo que es el mayor encuentro mundial en torno a la acuarela.

Comentó que el encuentro empieza en Bolonia, en un centro de convenciones, con charlas, demostraciones y clases magistrales, salidas para pintar al aire libre (plein air).

“De ahí se pasa a Fabriano que es una ciudad medieval, preciosa”, detalló Schuchardt, quien estuvo anteriormente en el festival. Señaló que aquí se realiza la exposición de las obras y, este año, estará acompañando la exposición la artista y docente Analía Moreno, quien recibió un apoyo de la FADA-UNA para el viaje.

La exhibición se llevará a cabo del 24 de abril al 14 de junio en el Museo della Carta e della Filigrana. En los primeros días también habrá charlas, clases magistrales, demostraciones y una visita a la fábrica de papel Fabriano, uno de los más conocidos para dibujo y acuarela.

“Estamos muy contentos de poder participar otra vez este año”, añadió Schuchardt.

En cuanto a la temática de las obras presentadas, comentó que hay obras inspiradas en la fauna y la flora de Paraguay, también en los sitios patrimoniales y paisajes, y otros elementos representativos del país. Las obras están realizadas sobre papel con un gramaje superior a los 300 gramos.

Impulso y entusiasmo en torno a la acuarela

La artista señaló que este impulso que recibió la técnica de la acuarela en Paraguay, a partir de la participación en este festival, también ha posibilitado incrementar la cantidad y la calidad de los materiales disponibles en nuestro país.

“Crecimos muchísimo en estos años y gracias a esta movida se conformó, a partir del 2019, un colectivo que se llama Medium Acquae, donde hoy día ya somos 70 y nos piden cada vez más entrar al colectivo”, refirió.

En este sentido, detalló que el requisito para ser parte del colectivo es que sean artistas con una calidad de trabajo profesional.

Schuchardt señaló que actualmente hay gente de todas las edades pintando acuarela porque la técnica está siendo más utilizada en las facultades.

“Al haber eventos y posibilidades de participar en cosas, la gente se entusiasma y hay talleres en varios lugares”, añadió.

Finalmente, la artista señaló que lo primordial a la hora de comenzar a trabajar con la acuarela es contar con buenos materiales y aprovechar la experiencia de un maestro, participando de talleres.

También refirió que lo más lindo de la acuarela es la magia de lo inesperado. “Muchas veces la acuarela hace cosas que vos no direccionás. En otras técnicas vas y corregís, pero en la acuarela a veces te sale una mancha que vos no pensaste que iba a ser así. Pero eso es lo más lindo”, remarcó.

Las funciones de esta puesta, dirigida por Juan Carlos Cañete, serán a las 17:30 y contarán con las actuaciones de Javier Lacognata, Joaquín Diaz Sacco, Raúl Dionisi, Richard Quintana, Sebastián Pebriz y la participación de Sandy Molas.

Las entradas anticipadas cuestan G. 50.000 y se pueden adquirir al (0991) 322-213. En puerta costarán G. 70.000.

En El Granel (Juan de Salazar 372 c/ Artigas) este sábado se realizará “Tocar el arte”, una actividad dirigida a niños de 1 a 5 años. Será a las 15:30 y 16:20, a cargo de Amelí Schneider y Julia Michelagnoli.

La actividad ofrece una exploración sensorial con pintura, arena, y otros materiales simples y seguros para la creación de obras y la libertad de expresión. El costo es de G. 70.000 y las inscripciones se realizan a través del enlace bit.ly/TOCARELARTE.

El Museo de Ciencias (MuCi) ofrecerá este sábado en el Complejo Textilia (Avda. Gral. Santos c/ Defensa Nacional) una propuesta llamada Ciencia a cielo abierto, que ofrece actividades al aire libre integradas con la naturaleza.

Este sábado de 14:00 a 18:30 y el domingo de 14:00 a 19:00 se podrá vivir una experiencia guiada de acceso libre y gratuito en Po Prende: jardines temáticos, mediante los cuales se podrán conocer plantas aromáticas, medicinales y ornamentales.

También este sábado a las 18:45 se podrá realizar una actividad de observación de aves. Esta tiene un costo de G. 15.000 y cuenta con cupos limitados.

En tanto, en el Planetario San Cosmos del MuCi se podrá ver el show Escalas Cósmicas. Las funciones de este sábado serán de 16:00 a 19:00, cada una hora. Las entradas se pueden adquirir en la web www.muci.org.