En la mañana de hoy, el Presidente del Congreso Nacional, Basilio Núñez; y el director del Centro Cultural de la República El Cabildo, Aníbal Saucedo Rodas, se reunieron con el Embajador de España en Paraguay, Javier Parrondo; y el director de Relaciones Culturales y Científicas de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (Aecid).

También fueron parte de esta reunión la directora del Centro Cultural de España “Juan de Salazar”, Laura Mesa; la ministra de la Secretaría Nacional de Cultura, Adriana Ortiz y el director de relaciones culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Manuel Tornato.

En este encuentro, según informó el Cabildo, se expusieron los principales alcances del proyecto “encaminado a reorientar la Casa Bicentenario Josefina Plá en un Centro de Interpretación, Investigación y Creación contemporánea”.

En este sentido, detallaron que la propuesta se enmarca en el concepto de “museo ágora”, que proyecta un espacio vivo, abierto y participativo, integrando el legado multidisciplinario de Josefina Plá, que abarca la cerámica, la literatura, el periodismo, el teatro y la investigación histórica.

El mismo prevé contar con “una programación dinámica de exposiciones, formación, residencias artísticas y producción cultural contemporánea”.

Igualmente, indicaron que está previsto que la Casa Bicentenario albergue a la Academia Paraguaya de la Lengua Española, a modo de consolidar su perfil como ámbito de referencia para el desarrollo académico y la proyección lingüística.

Este año se cumple el centenario de la llegada de la artista española Josefina Plá a Paraguay, donde desarrolló una prolífica carrera que abarcó distintas disciplinas artísticas. La artista, nacida en la Isla de Lobos el 9 de noviembre de 1903, adoptó la nacionalidad paraguaya y falleció en Asunción el 11 de enero de 1999.

Horizontalidad, poesía y canción: el universo creativo de El David Aguilar

Billboard resaltó que el álbum más reciente de la española, “LUX”, debutó en noviembre en el primer lugar de las listas “Top Latin Albums”, “Top Latin Pop Albums”, “Classical Albums”, “Classical Crossover” y “World Albums”, así como en el cuarto sitio del Billboard 200, su primera vez en el top 10 en la lista general.

“Su más reciente álbum reafirma su estatus como una fuerza cultural, generando conversación global y consolidando su reputación como una líder creativa y visionaria”, expusieron.

La artista, de 33 años, ha reafirmado “su impacto global” en las listas de Billboard, donde ha conseguido siete veces el primer puesto en “Latin Airplay” y ha entrado nueve veces en el top 10 en “Hot Latin Songs”, además de acumular más de 60 entradas combinadas en “Billboard Global”, añadió la nota informativa.

Pero, “más allá de las listas”, los organizadores resaltaron que “su influencia trasciende la música”, pues también ha impactado a las artes visuales, la moda y la dirección artística.

“Reconocerla como ‘Mujer del Año’ es celebrar una trayectoria de excelencia artística, así como su impacto cultural y las nuevas posibilidades que continúa abriendo para las mujeres en la música”, concluyeron.

Con el anuncio, Rosalía se suma a una lista de homenajeadas que incluye a la española Lola Índigo; a las mexicanas Gloria Trevi, Julieta Venegas, Becky G y Joy (del dúo Jesse & Joy); y a las puertorriqueñas Ivy Queen y Young Miko.

Entre tanto, la cantante y empresaria Chiquis, ganadora de tres premios Latin Grammy y figura de la música regional mexicana, será la conductora del especial.

Horizontalidad, poesía y canción: el universo creativo de El David Aguilar

Dirigida por el bailarín Nicolás Moreno Cibils, con producción general de Jimena Ramírez y Deyanira Medina, ÚNico’s Ballet fue fundada en 2021 y ha desarrollado desde entonces una serie de obras originales, además de actividades como giras, cursos y eventos vinculados a la danza.

El programa “Portales” propone revisitar dos trabajos previamente presentados por la compañía. La gala se abrirá con “Vidrios Rotos”, una obra con música de Philip Glass, coreografía de Nicolás Moreno y vestuario de Ronald Casco. La pieza aborda las distintas etapas del duelo a partir de la representación de experiencias vinculadas a la ruptura, la pérdida y la reconstrucción personal.

El cierre estará a cargo de “Trasdecer – detrás del ser”, un proyecto que combina música, danza y elementos audiovisuales. La propuesta se desarrolla a partir de una narrativa inspirada en el realismo mágico, en la que se construyen paisajes sonoros e imágenes que acompañan la historia de una comunidad aislada, atravesada por tensiones entre tradición y cambio.

El proyecto musical cuenta con la producción de Luigi Manzoni, dirección de arte y diseño de Enmanuel Lezcano, y realización audiovisual de Sebastián Sorera. A esto se suma la participación del elenco de ÚNico’s Ballet, con coreografía e iluminación de Nicolás Moreno y diseño de vestuario de Adrien Barb.

La obra presenta a los personajes Clara Oscuro y Tenue López, a través de quienes se desarrolla el conflicto entre la preservación de las raíces y la irrupción de fuerzas externas que amenazan con modificar el equilibrio de la comunidad.

Las entradas tienen un costo de G. 100.000 en preventa y G. 120.000 en puerta, y se encuentran disponibles a través de la plataforma Tuti, vía WhatsApp al (0993) 302294 y en el sitio web de la compañía.

La artista, que acompañó la publicación con varias fotografías junto a Brandoni, añadió: “Tuve el privilegio y el honor más grande que puede tener un actor, el haber trabajado contigo... Te quiero y te agradezco eternamente, Maestro infinito”.

En “Nada”, la serie creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, Brandoni interpretó a crítico culinario muy particular, que pierde a su mano derecha y contrata a Antonia, una joven paraguaya recién llegada a Buenos Aires, interpretada por Majo Cabrera.

En esta serie, que también tiene entre sus protagonistas a Robert De Niro, Brandoni prueba varios platos típicos de la gastronomía del Paraguay como el vorí-vorí, el jukysy y el pira caldo.

En una entrevista ofrecida a ABC cuando se estrenó la serie, que actualmente está disponible en Disney+, Majo Cabrera comentó que formó una “amistad muy genuina” con Brandoni.

“Él que es un actor de tanta experiencia, de tanta trayectoria, en todo momento me acompañó y me guió, me tiró muchos tips y yo también aprovechaba para sacarle toda la información que podía. Sabía bien que estaba parada frente a una leyenda del cine argentino y aproveché lo máximo que pude”, dijo.

El año pasado se habló de la realización de “Todo”, la segunda parte de esta serie, pero hasta el momento no hay mayores detalles de si se finalizó el rodaje de este proyecto.

Otros artistas recuerdan a Brandoni en sus redes

El reconocido actor argentino Ricardo Darín expresó su dolor por el fallecimiento de Brandoni a través de su cuenta de X. “Chau Beto, te vamos a recordar y a extrañar tanto!”, expresó el artista.

Darín protagonizó junto a Brandoni la serie televisiva “Mi cuñado” y también compartieron pantalla en la película “La odisea de los giles”.

Soledad Silveyra compartió un comunicado a través de Instagram afirmando que se fue uno de los actores con el que tuvo el privilegio de compartir el último año y medio. “Me queda la tranquilidad de saber que fue lo mejor para él”.

“Su amor por el teatro era inquebrantable: el público siempre primero. Me lo decía seguido: ‘Solita, el escenario lo cura todo’ y lo vivía en cada función”, agregó.

“Hoy lo recuerdo con admiración y con un enorme agradecimiento. Su coraje y su pasión quedan conmigo, siempre”, indicó la actriz, que estuvo protagonizando con Brandoni la obra teatral “¿Quién es quién?“.

Oscar Martínez también recurrió al Instagram para recordar a Brandoni, a quien conoció hace 55 años en su primera película, “La gran ruta”.

“Beto querido, fuiste pura pasión, puro talento y puro amor por nuestro querido y castigado país. Podés estar tranquilo; lo diste todo”, señaló en su publicación.

Martínez recordó además que fueron “hermanos en ‘La Tregua’ en el 74 y amigos en ‘El Cuento de las Comadrejas’ hace pocos años”.

“Fue maravilloso conocerte, trabajar con vos y compartir nuestra amada profesión no sólo como un medio, sino como un modo de vida. Hasta siempre, amigo. Te vamos a extrañar como se echa de menos a los irreemplazables. Abrazo eterno. Descansá en paz”, añadió.

Luis Brandoni falleció en la madrugada de este lunes a los 86 años, tras sufrir complicaciones derivadas de una caída y otros problemas de salud. Tuvo una prolífica carrera, siendo parte de grandes éxitos del cine argentino como “Esperando la carroza”, “Made in Argentina”, “La Patagonia rebelde”, entre otros.

Vampire Crawlers (martes 21)

Desarrolladores: Nosebleed Interactive

Distribuidores: Poncle

Plataformas: Windows, PlayStation 5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch

Un spin-off del gran éxito ‘indie’ de 2022 Vampire Survivors que introduce mecánicas ‘roguelike’ y combate basado en cartas para permitir a los jugadores enfrentar desafiantes niveles utilizando las armas y personajes de Survivors.

Masters of Albion en ‘early access’ (miércoles 22)

Desarrolladores: 22cans

Plataforma: Windows

Entra en su etapa de acceso anticipado el nuevo juego de Peter Molyneux, ícono de los juegos de estrategia, que vuelve a sus raíces con un título en el que el jugador toma el rol de un dios que debe construir y proteger una civilización.

Tides of Tomorrow (miércoles 22)

Desarrolladores: DigixArt

Distribuidores: Deep Silver

Plataformas: Windows, PlayStation 5, Xbox Series X/S

Una aventura narrativa ambientada en un planeta devastado por una catástrofe natural que ha inundado la mayor parte del mundo. El jugador debe buscar una cura para una misteriosa enfermedad. Las decisiones que un jugador toma un jugador pueden afectar cómo se desarrolla la historia para otros usuarios.

Kiln (jueves 23)

Desarrolladores: Double Fine

Distribuidores: Xbox Game Studios

Plataformas: Windows, PlayStation 5, Xbox Series X/S

El nuevo juego de los creadores de Psychonauts y Broken Age es un juego de acción multijugador en el que los jugadores diseñan criaturas hechas de cerámica - las formas que el jugador les da determinan sus habilidades – con las que luego deben competir en vertiginosos desafíos.

Sudden Strike 5 (jueves 23)

Desarrolladores: Kite Games

Distribuidores: Kalypso Media

Plataformas: Windows, PlayStation 5, Xbox Series X/S

Una nueva entrega de la serie de juegos de estrategia bélica Sudden Strike, que pone al jugador al mando de las fuerzas beligerantes de la Segunda Guerra Mundial. El juego incluye una campaña de 25 misiones basadas en las batallas disputadas en Europa y el norte de África.

Kingdom’s Return: Time-Eating Fruit and the Ancient Monster (jueves 23)

Desarrolladores: Inti Creates

Plataformas: Windows, PlayStation 5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2

Un juego de rol que se divide en dos partes: secuencias de acción en 2D en las que el jugador debe recolectar recursos y un modo en el que los jugadores deben usar esos recursos para reconstruir un reino caído en el abandono y aumentar el poder de sus personajes.

Snap & Grab (viernes 24)

Desarrolladores: No Goblin

Plataforma: Windows

Un juego de sigilo y estrategia en el que el jugador toma el rol de una renombrada fotógrafa de modas que usa su trabajo para planear audaces robos de objetos de alto valor. El jugador debe fotografiar el lugar del golpe, descubriendo debilidades en la seguridad y oportunidades de infiltración para luego planear y ejecutar golpes perfectos.

Yunyun Syndrome?! Rhythm Psychosis (viernes 24)

Desarrolladores: WSS Playground

Plataforma: Windows

Un desconcertante y frenético juego de ritmo en el que una chica obsesionada con el caótico estilo de música ‘denpa’ intenta hacer que el mundo entero comparta su obsesión.

Con unas 60 décadas de carrera en cine, televisión y teatro, Brandoni era una de las figuras más destacadas de las artes actorales en Argentina.

Nacido en 1940, Brandoni protagonizó grandes éxitos del cine argentino como Esperando la carroza (1985), Mi obra maestra (2018) o La odisea de los giles (2019).

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Su película más reciente fue la adaptación de la obra teatral Parque Lezama, que se estrenó en la plataforma de streaming Netflix el pasado mes de marzo.

Décadas de actuación

Comenzó su carrera en el teatro en la década de 1960 y en las siguientes décadas se destacó no solo por su trabajo actoral, sino también por su activismo sindical y su militancia política en oposición a la dictadura militar que regía en su país, circunstancias que lo obligaron a abandonar Argentina durante años.

Al momento de su muerte, Brandoni tenía en escena en Buenos Aires la obra teatral ¿Quién es quién? y se preparaba para el rodaje de una nueva temporada de la exitosa serie Nada, para la plataforma de streaming Disney+, que protagonizó con Robert De Niro y la actriz paraguaya Majo Cabrera.

Luis Brandoni fue ganador de múltiples premios Martín Fierro por su trabajo en series como Mi cuñado o Un gallo para Esculapio.

Tras tres semanas en cartelera, la franquicia ha conseguido superar a la película más taquillera del año, Proyecto Fin del Mundo, que acumula 573 millones de recaudación en todo el mundo desde su estreno el 20 de marzo.

Este film se mantiene en el segundo puesto de películas más vistas en Norteamérica y este fin de semana ha acumulado 20 millones de dólares en ese mercado.

Cartelera: Horarios de ‘Proyecto Fin del Mundo’ en cines de Paraguay

La única entrada esta semana en el ranking de las películas de Box Office Mojo es La posesión de la momia que entra en tercer puesto con 34 millones de dólares de recaudación en el primer fin de semana de su estreno en todo el mundo -13 en norteamérica y 20 en el resto de mercados-.

El drama, la película protagonizada por Robert Pattison y Zendaya, cae al cuarto puesto en Estados Unidos y Norteamérica -4,8 millones recaudados- y alcanza una recaudación total de 81 millones en todo el mundo.

En el cuarto puesto se encuentra Tu, yo y la Toscana, que acumula 16 millones de recaudación en todo el mundo.

Cartelera: Horarios de ‘Super Mario Galaxy’ en cines de Paraguay

El estreno de Super Mario Galaxy: La película -que recaudó 372 millones de dólares en su primer fin de semana en todo el mundo- ha batido varios récords: es el quinto mejor estreno de la historia para una película de animación y el cuarto mejor para un lanzamiento de un estudio de Hollywood, solo superado por Zootopia 2, Moana 2 y la primera película de Super Mario Bros. -sin ajustar inflación-, según datos de Hollywood Reporter.

Lithium, Kurt Cobain y Areteo de Capadocia

“¿De qué lado estás?” (What side you standing on?) es el estribillo de “Oblivius”, canción interpretada ante miles de personas por la banda neoyorquina de indie rock mientras se proyectaba un videomontaje que presenta a la Agencia Central de Inteligencia de Estados Unidos involucrada en cambios de régimen en países de todo el mundo a lo largo de varias décadas y que concluye con imágenes de Israel bombardeando Gaza y de Estados Unidos bombardeando Irán.

For those who missed it: this was the moment The Strokes ensured they’ll never set foot in Coachella again! I'm so proud of them #Strokeschella pic.twitter.com/ue1UIikixU

— Zaf (@Buenozaf) April 19, 2026

La banda integrada por Julian Casablancas, Nick Valensi, Albert Hammond Jr., Nikolai Fraiture y Fabrizio Moretti es una de las más importantes y potentes agrupaciones del garage rock y del rock alternativo desde comienzos de los 2000, con discos como Is This It (2001), Room on Fire (2003) y The New Abnormal (2020). Reality Awaits, su séptimo álbum de estudio, será lanzado el 26 de junio de 2026 bajo el sello RCA Records.

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Los Strokes arrasaron con un poderoso concierto en el que tomaron por asalto las grandes pantallas del escenario del Festival de Coachella para poder mostrar a un público multitudinario un valeroso montaje de imágenes de expropiaciones de tierras indígenas en Estados Unidos, de figuras históricas como el abolicionista Frederick Douglass y de presidentes latinoamericanos como Salvador Allende, entre otros, señalando la implicación de Estados Unidos en sus derrocamientos, mientras Casablancas cantaba “What side you standing on?”, “¿De qué lado estás?”.

El final llegó cuando el grupo comenzó a proyectar fotografías de las “Más de 30 universidades destruidas” en Irán y de “La última universidad que queda en pie en Gaza”, seguidas de un vídeo del bombardeo de esta. Con ese duro mensaje terminó la imponente presentación de The Strokes.

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La expectativa no está puesta únicamente en el concierto, sino en el descubrimiento. En la posibilidad de llegar por primera vez a un lugar donde su música aún está por encontrarse con quienes la escucharán en vivo. “Hay una emoción bonita por conocer, por estar ahí y poder mostrar mi trabajo y mis canciones”, agrega.

En esa idea de “mostrar” aparece también algo más profundo: el gesto de llevar un repertorio construido a lo largo de más de dos décadas hacia un público nuevo, sin referencias previas, donde cada canción vuelve a ponerse a prueba.

El origen: una vida rodeada de música

Si el presente de El David Aguilar está atravesado por la idea del viaje, su origen parece responder más a una permanencia: la de una casa donde la música ya estaba antes que cualquier decisión. Al mirar hacia atrás, incluso pone en duda la idea de haber elegido ese camino. “Sin duda influyó mucho. Últimamente he pensado que ni siquiera decidí del todo ser músico, sino que era algo que estaba tan en mi entorno que, en los últimos años, me he preguntado qué tanto nació realmente de mí”, dice.

La escena es doméstica y constante: instrumentos disponibles, un padre que tocaba varios de ellos y una práctica casi ritual del canto compartido. “Desde muy chico, a los 10 u 11 años, yo ya sabía y ‘avisé’ que me iba a dedicar a esto. Había muchos instrumentos en casa, mi papá tocaba varios y se cantaba mucho; todavía se canta mucho cuando vamos a lo de mis papás, aunque ahora sea más en plan karaoke”. Más que una epifanía puntual, lo que aparece es una continuidad, una forma de vida que se fue naturalizando hasta volverse destino.

Sin embargo, en ese recorrido también hay momentos que funcionan como hitos. Recuerda la adolescencia como una etapa de exploración intensa, donde el aprendizaje iba de la mano con la imitación y la curiosidad. “Cuando tenía 12 o 13 años y ya tenía claro que quería formarme, recuerdo desde canciones de Green Day hasta The Man Who Sold The World, que fue la primera que me aprendí en la guitarra”. A partir de ahí, el camino se diversifica: el rock en español, bandas como Maná, incursiones en el metal o el rock progresivo. “Fueron proyectos de estilos muy distintos que me marcaron”, resume.

Esa amplitud no desaparece con el tiempo, sino que se reorganiza. Más adelante, un profesor y el contacto con la poesía abren otra puerta, que lo conecta con la tradición de cantautores de distintos puntos del mundo hispanohablante. Pero incluso ahí, la identidad no se define por una sola línea. “Aunque también me gusta mucho la música norteña; siento que lo mío es un híbrido, me siento como un ‘multigrano’”, explica, intentando nombrar una mezcla que no termina de fijarse.

Esa idea del híbrido encuentra su raíz en la convivencia de universos sonoros dentro de su propia casa. Por un lado, lo que llegaba a través de su padre: “Queen, The Beatles, Bee Gees, algo de country estadounidense, Chicago, Creedence…”. Por otro, lo que efectivamente se cantaba: José Alfredo Jiménez, Álvaro Carrillo, Juan Gabriel. “Lo que oíamos por mi papá era una cosa, pero lo que cantábamos nosotros era música tradicional mexicana. Mi influencia es ese híbrido”.

El descubrimiento de la poesía como forma de vida

Si en su formación musical hay una acumulación de capas, el vínculo con la poesía aparece, en cambio, como un punto de inflexión. No tanto por la escritura en sí, sino por la forma en que redefine su manera de estar en el mundo. “Exactamente como lo dices”, responde cuando se le menciona la idea del lenguaje como refugio, y enseguida vuelve a una escena precisa: un profesor “muy bohemio” en una clase de Orientación Vocacional.

Más que teoría, lo que recibió fueron estímulos. Películas, imágenes, referencias que abrían otras posibilidades. Una de ellas fue El lado oscuro del corazón, donde la poesía no aparece como un objeto, sino como una forma de vida encarnada en autores como Oliverio Girondo, Juan Gelman y Mario Benedetti. “Yo tenía 13 años y ya conocía el concepto, pero no sabía que la poesía era una manera de ser; pensaba que era algo que simplemente se escribía”, recuerda. La revelación no pasa por el lenguaje en sí, sino por lo que lo rodea: “No sabía que la poesía trascendía las palabras”.

Hay una escena de esa película que se le queda fija: el intercambio de poemas por comida. Ahí se produce un desplazamiento de sentido. “Entendí que esto tenía un valor en la forma de vivir”, dice. A partir de ese momento, la poesía deja de ser una herramienta expresiva y empieza a operar como una lógica, una manera de interpretar la experiencia. Después vendrán otras lecturas —los poemas de Jaime Sabines, por ejemplo—, pero el origen está en ese descubrimiento adolescente, en ese gesto casi urgente de escribir para ser otra cosa.

La imagen que construye de esos años es también colectiva: cafeterías, amigos, servilletas como soporte improvisado. “Mi contacto con la poesía viene de ahí, de la adolescencia, de juntarme con amigos en cafeterías a escribir en servilletas para sentirnos más grandes. Queríamos saltarnos la adolescencia”. En ese intento de adelantarse al tiempo, la escritura funciona como atajo, como simulacro de madurez.

Con los años, esa relación no se vuelve más estable, sino más consciente de sus propias fluctuaciones. Frente a la idea de que la poesía es un territorio inaccesible o excesivamente intelectual, su respuesta introduce una variable distinta: la disposición. “La poesía es una licencia que te das para salirte un poco de la realidad”, explica, aunque reconoce que no todos conectan con ese desplazamiento. Incluso para él, ese vínculo es intermitente. “Yo mismo tengo días en los que no tengo el ‘software’ de la poesía activo y digo: ‘¿Por qué estoy escribiendo estas mamadas?’”, dice entre risas.

Lejos de idealizarla, la describe como un estado que aparece y desaparece. “Pero luego llega un jueves cualquiera, baja la poesía y me siento superconectado”. Esa irregularidad, más que un obstáculo, parece formar parte del proceso: momentos de desconexión seguidos de irrupciones inesperadas, como si la poesía no fuera algo que se controla, sino algo que ocurre.

Escribir: entre la confesión, la canción y el lenguaje propio

Cuando vuelve sobre sus primeras formas de escritura, El David Aguilar no habla de canciones, sino de poemas. “Primero escribía solo poemas en servilletas o papeles, intentando imitar a los pocos autores que conocía. Me acuerdo y me da mucha ternura; así se empieza”, dice. En ese gesto inicial no hay aún una idea de obra, sino una exploración intuitiva del lenguaje. La poesía aparece como una práctica doméstica, casi lúdica, antes de convertirse en una búsqueda consciente.

Con el tiempo, esa relación con la escritura se reconfigura. “No diría que hoy ya ‘encontré’ algo definitivo, pero he entendido que, en mi caso, la poesía es una elección de estilo casi confesional. Se trata de vaciarme”, explica. La idea de la confesión no remite aquí a la exposición, sino a una forma de depuración: decir lo esencial, sin ornamentos. “Me gusta usar palabras sencillas, no rimbombantes. Prefiero a los poetas francos, directos y económicos, que hablan con parquedad pero con estilo”.

En paralelo a su trabajo como compositor, mantiene un espacio propio en redes donde publica versos sueltos, fragmentos que no necesariamente están pensados para transformarse en canciones. Esa distinción es importante para él: no todo lo que escribe pertenece al mismo territorio. “Soy la misma persona, pero ese proyecto de poesía no tiene que ver con la canción. La poesía es un estilo donde me importa cómo acomodo los versos en la hoja o una puntuación que yo mismo inventé”, señala.

La canción, en cambio, responde a otra lógica. “Las canciones son otra vía, una oportunidad para explorar más”, dice. En ese espacio, el lenguaje puede volverse más flexible: a veces directo, otras veces cargado de metáforas, juegos fonéticos o repeticiones que, fuera de la música, perderían sentido. “La letra de canción es un género literario aparte. En la academia no está tan esclarecido su rol, pero la canción merece su propio lugar. El Nobel a Bob Dylan dice algo al respecto”.

Esa diferenciación no es solo teórica, sino práctica. Su forma de escribir se ha expandido también a partir del trabajo con otros músicos. “Como me volví coautor de muchos proyectos —me llaman como coach de escritura de canciones—, he aprendido a escuchar distintos estilos y visualizar composiciones ajenas. Eso ensanchó mi óptica”, explica. En ese intercambio aparece una idea que atraviesa su proceso creativo: la influencia como acumulación.

“Yo no hubiera compuesto mi canción Prieta si no me hubiera empapado de un montón de gente”, reconoce. Esa exposición constante a otras formas de hacer música también redefinió su propia práctica. Durante años organizó encuentros semanales en su casa, donde distintos artistas compartían su trabajo. “Yo observaba el mejor rasgo de cada proyecto y trataba de incorporarlo al mío. En el arte se vale robar, pero tiene que ser de muchísimas personas para que el robo se desdibuje y se convierta en un mosaico. Así creamos, a partir de lo que hemos consumido”.

Ese proceso de apropiación y transformación, más que una estrategia, parece una forma de aprendizaje continuo. Una manera de construir lenguaje propio desde lo compartido. Incluso la idea de estilo, que suele funcionar como marca de autor, aparece en su discurso como algo poroso. “El otro día un amigo me cantó una canción ‘al estilo Aguilar’ y supe por qué lo hizo. Me dio mucha risa”, cuenta. Lejos de incomodarlo, esa identificación lo confirma en algo que no termina de fijarse del todo. “Supongo que todos nos volvemos imitables, ya sea por respeto o por burla, pero no me importa mucho. Me honra que alguien lo diga, siento bonito porque significa que hay algo ahí”.

Los vínculos: colaborar, pertenecer, poner límites

En su recorrido, El David Aguilar ha construido una red amplia de colaboraciones que incluye nombres como Natalia Lafourcade, Jorge Drexler, Mon Laferte, El Caloncho o Loli Molina. Sin embargo, más que una lista de figuras, lo describe como una experiencia de intercambio constante entre formas distintas de entender la música. “Ha sido muy bonito. He tenido la suerte de compartir con proyectos que me gustan mucho; en algunos hay amistad y en otros es una relación laboral”, explica.

Ese tránsito entre lo afectivo y lo profesional también implica una cierta exposición continua. En proyectos colectivos como The Guapos —junto a Leiva, Jay de la Cueva y Adán Jodorowsky— reconoce que la dinámica social puede volverse intensa. “A veces eso provoca un poco de ansiedad social, sentir que descuidas lazos por lo muchos que son”, admite, en referencia a la multiplicidad de vínculos que se generan en la industria musical.

Frente a eso, aparece una idea que atraviesa su forma de relacionarse: la horizontalidad. “Sobre los ‘niveles’, yo siempre he tratado de que eso no exista. Si me habla alguien que está en el ‘top’, voy a tratar de que la energía sea completamente horizontal, de la misma forma que si me hablara un chavito que va empezando”, dice. Más que una postura ideológica, lo plantea como una forma de comportamiento cotidiano, casi como una ética de trato. “Fantaseo con que esa horizontalidad suceda”.

Pero esa apertura también convive con los límites. Con el paso del tiempo, reconoce que la gestión de los vínculos se vuelve más consciente. “Hay un factor determinante que es la edad. Llega un momento en que no puedes sostener tanto y quieres ser más económico con tu energía”, explica. Lo que en sus veintes era una red amplia y poco definida, hoy se ordena de otra manera. “Tenía amistades a diestra y siniestra sin identificarlas bien, pero por salud mental entendí que es necesario saber quiénes son amigos, quiénes son conocidos y quiénes pertenecen al universo laboral”.

Ese “universo laboral”, sin embargo, no es rígido. Se mueve, cambia de lugar, se reconfigura. “Alguien del trabajo de pronto ingresa al círculo de amistad y viceversa. Así es la naturaleza humana”, dice. En esa fluidez aparece una lectura menos controlada de los vínculos, donde las categorías no son fijas sino transitivas. “Cada vínculo que haces transforma la posibilidad de los demás; es un movimiento meticuloso y delicado donde no tienes el control específico de la situación”.

En ese tránsito entre geografías que todavía se abren y palabras que nunca terminan de fijarse, El David Aguilar parece habitar un lugar donde la creación no es destino sino movimiento. La música, la poesía y los vínculos se le aparecen como formas de lo mismo: una manera de estar en el mundo sin intentar clausurarlo del todo, de ensayar lenguajes que cambian con el tiempo y con los otros. Tal vez por eso el viaje a Paraguay no se plantea como llegada, sino como otra posibilidad de empezar a escuchar.

El dúo Mau y Ricky vuelve al país y presenta un adelanto clave de su próximo disco

El ciclo “Muy fin de mes” surge a partir de una idea planteada por la propia banda, que lo sitúa en el momento del mes en el que el ingreso económico se reduce, pero se mantiene el interés por asistir a conciertos. A partir de ese concepto, Kita Pena organiza una serie de fechas cercanas entre sí, enfocadas en la interpretación en vivo y el encuentro directo con el público.

Con dos ediciones previas realizadas, el ciclo alcanza su tercer volumen. Según la propuesta del grupo, estas presentaciones buscan sostener un formato en el que la música ocupa el lugar principal, con menor intermediación en la experiencia del show.

Para esta edición, la banda volverá a presentarse en Rockero Popurrí Nocturno, un espacio que forma parte de su recorrido y al que regresa tras un periodo sin actuaciones en ese escenario.

El concierto se enmarca en un año en el que Kita Pena cumple 15 años de trayectoria. Formada en 2011, la banda ha desarrollado una propuesta que integra géneros como pop, rumba, guarania, reggae, flamenco, folk, bossa nova, cumbia y ritmos locales. Durante este periodo, el grupo también anunció nuevos lanzamientos y la continuidad de formatos de presentación más cercanos.

El ciclo “Muy fin de mes - Vol. 3” se presenta, según la banda, como un espacio de actuación que se adapta a ese tramo del mes, manteniendo la realización de conciertos en vivo.

Madonna sorprende en el festival Coachella como invitada de Sabrina Carpenter

Tras el éxito de su “Listening Experience” en España —con funciones agotadas en ciudades como Barcelona, Valencia y Madrid— el dúo desembarca en Latinoamérica con esta propuesta que se aleja del formato tradicional de concierto. En esta ocasión, el público paraguayo tendrá acceso anticipado a canciones inéditas de su próximo álbum, aún sin publicar en plataformas digitales.

El espectáculo, con aforo limitado y una puesta diseñada especialmente para la cercanía con los fans, busca mostrar una nueva etapa artística del dúo, marcada por una evolución sonora y emocional.

Este regreso a Paraguay coincide con el lanzamiento de “Las Flores”, el segundo adelanto del disco que llegará el 28 de mayo. La canción, producida por Daramola, fusiona el pop con arreglos de raíz y se presenta como una de las composiciones más personales de su carrera.

El sencillo surge en medio de una narrativa desarrollada en redes sociales, donde los hermanos impulsaron —entre lo lúdico y lo emocional— la idea de cambiar el nombre del grupo. La propuesta, apoyada por artistas como Carlos Vives, María Becerra y De La Ghetto, evolucionó hacia una reflexión más profunda sobre su vínculo personal y artístico.

De ese proceso nace “Las Flores”, escrita por Ricky como una dedicatoria a su hermano, explorando temas como la competencia, la complicidad y el afecto familiar. El resultado es una pieza que da sentido conceptual al álbum y anticipa un trabajo más introspectivo.

Este nuevo capítulo llega después de Hotel Caracas (2024), proyecto con el que el dúo logró nominaciones a los Latin Grammy y reforzó su conexión con sus raíces venezolanas. Ahora, desde sus estudios en Miami, Casablanca, y junto a Sony Music y su sello Why Club Records, Mau y Ricky apuestan por una identidad más madura.

Con millones de reproducciones acumuladas, certificaciones internacionales y una destacada trayectoria como compositores de éxitos globales, los hermanos continúan consolidándose como referentes del pop latino contemporáneo.

La cita en Asunción no solo marcará su regreso al país, sino también un adelanto exclusivo de la nueva etapa que están a punto de presentar al mundo. Las entradas ya están en venta a través de Ticketea, desde G. 215.000.

Kevin Johansen y Liniers: una forma de estar juntos en tiempos de inteligencia artificial

Bajo la dirección de Marcelo Martinessi, la película se sumerge en la Asunción de fines de la década del 50 para narrar la historia de Narciso Arévalos, un joven cuya vitalidad y conexión con el rock and roll se ven truncadas por una muerte rodeada de silencios.

Basada en la novela homónima de Guido Rodríguez Alcalá, inspirada a su vez en el asesinato del locutor Bernardo Aranda, ocurrido en 1959, la cinta utiliza este caso para explorar las tensiones de una sociedad bajo el inicio de la dictadura de Stroessner, convirtiendo un episodio real en una reflexión universal sobre la represión y el deseo.

La piel de la memoria

Para el equipo actoral, participar en Narciso supuso un viaje de ida y vuelta entre la ficción y la realidad paraguaya. El hilo conductor de sus testimonios deja en claro que la película es necesaria porque el pasado no ha terminado de pasar.

Las actrices Natalia Cálcena y Belén Vierci coinciden en que la rigurosidad estética es el primer puente hacia esa memoria. “Es un ambiente exacto de cómo se vivía; hubo casi cuatro años de investigación”, señala Cálcena, destacando la labor de dirección de arte de Carlo Spatuzza. Para Vierci, esa precisión permite comparar comportamientos sociales: “Aunque cambió la forma, se mantienen conductas como la falta de libertad. El núcleo de la película es mostrar mundos que se conocen poco, como el del radioteatro, vital para la sociedad de entonces”.

Ese reconocimiento del presente en el espejo de 1959 es una constante. Aníbal Ortiz observa con preocupación que muchas de las cosas que pasan en la película “siguen reflejadas hoy en día”. Para Ortiz, la película es un aporte urgente a la educación: “La cultura es evolución, y en Paraguay todavía nos falta mucho camino”. Maca Candia amplía esta visión hacia una escala regional: “Es importante preguntarnos cómo estamos hoy. Latinoamérica entera se va a sentir identificada porque estos ciclos se repiten”.

Desde la perspectiva de las nuevas generaciones, Florencia Boccia destaca el papel de la empatía. “Para los más jóvenes, que solo escuchamos estas historias por la familia, la película es un ejercicio de memoria a través de la empatía con personajes que buscan su libertad”, explica.

Finalmente, Diro Romero, quien encarna al carismático Narciso, resume el dilema ético que la película plantea al espectador: “¿Dónde estamos posicionados nosotros? ¿Somos Narciso buscando libertad? ¿Somos Goya queriendo mantener el orden? ¿O somos Lulú, viviendo una vida falsa por presión social?”. Para Romero, el ejercicio que propone el filme es el de la identificación: “Todos tenemos algo de Narciso: todos queremos ser quienes somos”.

El andamiaje del sueño

Detrás de la potencia emocional de las actuaciones, se encuentra una estructura de producción que desafía los límites del mercado local. Sebastián Peña, productor general, define el cine paraguayo como una gesta de “caraduras”.

“Si esperáramos a que se den las condiciones, nunca se haría nada”, afirma Peña. Narciso es una coproducción de siete países, una arquitectura administrativa incluso más compleja que la de Las Herederas. Según el productor, esta internacionalización no es solo financiera, sino creativa: “Cada país aporta profesionales que suman capas narrativas y operacionales, logrando un proyecto sólido que pudo desembarcar con fuerza en la Berlinale y ahora en Paraguay”.

Sin embargo, Peña nota un cambio de paradigma en las políticas públicas y el sector privado. “Hoy tenemos un Instituto Nacional de Cine por el cual peleamos décadas”. Entonces para él el mensaje para el sector empresarial es muy claro: el cine no es solo cultura sino una inversión de posicionamiento nacional. “El cine tiene un retorno enorme para el país, ubicándonos en escenarios internacionales sumamente exigentes”, concluye.

El cine como territorio de memoria

Para cerrar este recorrido, es fundamental acudir a la visión de quien orquestó este universo de sombras y luces. Marcelo Martinessi, quien más que dirigir una película, con ella propone una reflexión sobre cómo habitamos nuestra propia historia. Al consultarle sobre esa dualidad tan palpable en el filme, donde la aparición del rock and roll choca contra la asfixia dictatorial, el director explica que esa fricción ya latía en la novela de Guido Rodríguez Alcalá:

“Por un lado, un orden que comenzaba a endurecerse, a organizarlo todo desde la vigilancia y el control; por otro, un pulso nuevo, una forma distinta de moverse, de desear, de estar en el mundo. Belleza y violencia comparten atmósfera, y más que el encuadre en sí, se disputan todo el campo sensorial. La película nace en esa disputa”.

Martinessi remarca que la llegada del rock and roll en la cinta no es una irrupción ruidosa, sino un proceso más sutil: “(El rock and roll) no irrumpe como una explosión, sino como un temblor. Es algo incipiente, que encuentra pequeñas grietas para manifestarse. Un gesto que no logra desplegarse del todo, porque hay algo alrededor que lo contiene, que lo observa”.

El espejo y la huella

La Asunción de finales de los 50 que retrata Narciso se siente, para muchos, como un reflejo inquietante de la actualidad. Sobre esta conexión entre épocas, Martinessi reflexiona que no buscaba simplemente reconstruir un pasado cerrado, sino rastrear sus huellas:

“Hay algo de ese momento —en apariencia lejano— que sigue vibrando en el presente, como si ciertas formas de poder, de miedo o de silencio no hubieran desaparecido del todo, sino que simplemente hubieran tomado otra forma. [...] La historia del Paraguay nos expone al riesgo de naturalizar formas autoritarias de relacionamiento que se mantienen hasta hoy en los gestos más pequeños, en los vínculos, incluso en las miradas. Y frente a eso, persiste también esa otra fuerza: la necesidad de encontrar espacios de fuga, aunque sean mínimos, aunque sean frágiles. Tal vez por eso la película puede sentirse como ese ‘espejo deformado’ que no nos devuelve una imagen exacta del presente, sino una resonancia. Algo que nos obliga a preguntarnos cuánto de aquello sigue habitándonos, y de qué maneras seguimos negociando —individual y colectivamente— con esas mismas tensiones”.

La construcción del sujeto: vulnerabilidad y silencio

A la hora de trabajar con el elenco y construir la fragilidad que exudan sus protagonistas, el director enfatiza la importancia de proteger lo que cada actor trae consigo.

Respecto a la construcción de los personajes y su labor con Diro Romero, el director expresó: “Para mi trabajo es fundamental cuidar y proteger la fuerza o la vulnerabilidad irrepetible que un actor trae consigo al set. Hay en cada uno de ellos algo orgánico, profundamente personal — tal vez como una memoria — que no se puede fabricar y que es, en definitiva, lo que completa la vida de un personaje, lo que le da una marca de identidad. En ese sentido, preciso estar muy atento a lo que surja de cada intercambio entre actor y director, en ese espacio donde lo escrito (guion, diálogos) se tensa, se desnuda o incluso se contradice. La forma final del personaje siempre está atravesada por las experiencias y las intuiciones de quien lo encarna”.

Asimismo, explicó que no busca “fijar” completamente a los actores, sino “permitir que algo de su incertidumbre permanezca vivo durante el rodaje”. “Porque, en el fondo, esa fragilidad es una forma de estar en el mundo en ese momento. Con Narciso (el personaje) se sumó la complejidad de ser alguien que se va construyendo a partir de las miradas e impresiones de los demás. Creo que para Diro ha sido esencial buscar una forma de habitar esa ‘exposición’ al público, sin perder sus propias inseguridades. Y confiar en que en esa búsqueda —a veces contradictoria— podía aparecer algo muy verdadero, más cercano a la experiencia de alguien que está, justamente, empezando a volverse quien es”, indicó.

La poética de los márgenes: el cine de lo no dicho

A lo largo de su filmografía, desde sus primeros cortometrajes hasta el impacto global de Las Herederas, la cámara de Martinessi parece haber desarrollado una obsesión por lo que queda fuera del encuadre, por los silencios y por aquellas historias que habitan los márgenes de los relatos oficiales.

Al consultarle sobre si su mirada mutó al enfrentarse a una herida tan real de nuestra memoria histórica como la de Narciso, el director ofrece una reflexión que vincula su pasado con este presente:

“A pesar de haber trabajado mayormente en el territorio de la ficción, siempre hay algo documental –visible o no– como punto de partida de cada corto o largometraje que hice (Karai Norte, La Voz Perdida, Las Herederas, entre otros). Y siempre hay una tensión que provoca aquello que los personajes no consiguen expresar. En ese sentido, Narciso no es una excepción, sino una continuidad. No sé si mi mirada mutó tanto como se fue complejizando en el diálogo con otros”.

Martinessi enfatiza que este proceso no es solitario, sino una construcción colectiva donde la sensibilidad de sus colaboradores históricos ha sido determinante para dar forma a la Asunción de 1959, una ciudad de la que existe muy poco registro visual:

“Vengo trabajando desde hace más de dos décadas con el director de arte Carlo Spatuzza y con el director de fotografía Luis Arteaga, y siento que en esta película el aporte de ellos dos ha sido determinante. Había un desafío claro: construir la vida cotidiana de Asunción de finales de los 50. Entonces, abandonamos la ilusión de poder representarla por completo, aceptamos sus vacíos. La película se mueve en ese territorio ambiguo, donde conviven elementos muy materiales, con una dimensión imaginada”.

El regreso a casa

Estrenar en Paraguay otorga a la obra una dimensión distinta, una suerte de “devolución” al lugar donde la historia siempre estuvo latente. Al preguntarle qué desearía que despierte la película en el espectador, Marcelo Martinessi se aleja de las imposiciones y apuesta por el poder de la penumbra:

“Es difícil decirlo, porque una reflexión profunda es siempre un acto muy personal. Y el cine abre camino para pensarnos. Somos testigos de una época saturada de imágenes, donde todo parece estar dicho, mostrado, iluminado hasta el exceso. Yo creo -cada vez más- en una narrativa cinematográfica donde lo que no se ve termina teniendo tanto peso como lo visible. En Narciso hay una obsesión con la oscuridad, entendida como un espacio donde aparecen los miedos (los monstruos) y los deseos de cada personaje, tal vez también los de cada espectador. La oscuridad es, además, en Paraguay, el territorio de la memoria. Narciso es una película que no se impone, sino que se ofrece como una suma de fragmentos de lo real y de lo imaginado”.

Fotos de sesión: Contentlab | Periferia - Dirección: Richard Figueredo - Fotografía: José María Riveros - Asistencia: Aldo Lezcano, Agustín Fernández.