Los Museos se Muestran reunirá a cerca de 40 espacios en el Centro Cultural del Puerto

La convocatoria permanecerá abierta hasta el 13 de septiembre de 2026 y los resultados serán anunciados el 25 de septiembre. La premiación oficial y el lanzamiento del proyecto ganador se realizarán el 6 de noviembre, durante la FILFA 2026. La dirección de esta quinta edición estará a cargo del fotógrafo Raúl Villalba.

El concurso contará con una única categoría y podrán participar autores paraguayos o extranjeros con residencia comprobable en el país, mayores de 18 años. Cada postulante podrá presentar un solo proyecto editorial.

La selección estará a cargo de una comisión integrada por tres profesionales nacionales e internacionales vinculados a la autoría y edición de fotolibros. Entre los criterios de evaluación se tendrán en cuenta la solidez conceptual de la propuesta, la coherencia narrativa y visual, la resolución editorial y la viabilidad técnica de producción.

La obra ganadora recibirá un proceso integral de acompañamiento editorial que incluirá asesorías con profesionales nacionales e internacionales, la impresión de una maqueta del libro, el lanzamiento oficial en la FILFA y apoyo para la difusión del proyecto en festivales y espacios especializados de la región.

Desde su creación en 2014, el Concurso Nacional de Fotolibro se consolidó como una de las principales plataformas de estímulo a la producción editorial fotográfica en Paraguay. A lo largo de sus distintas ediciones, acompañó y visibilizó proyectos relevantes de la escena local, entre ellos Mondo Eusebio, de Martin Crespo, ganador de la primera edición; La Terminal, de Juana Barreto Yampey, premiado en 2016; Detrás de la piel, de Andrea Ferreira, distinguido en 2019; y ¿Cuántos recuerdos guarda la memoria?, de Jess Insfrán Pérez, proyecto ganador de la edición 2024.

Las bases y condiciones del concurso ya se encuentran disponibles a través de las redes sociales oficiales de la FILFA, mientras que las consultas podrán realizarse al correo concursofilfapy@gmail.com.

Protestas, escándalos y tragedias en la Bienal de Venecia

La curaduría de esta edición estará a cargo de la museóloga Alicia Elias, la licenciada Leticia Alvarenga y el museólogo Javier Palma, quienes plantean una reflexión sobre los museos como espacios de memoria, diálogo y encuentro cultural.

La programación incluirá además una serie de actividades complementarias y ponencias desde las 14:00. El ciclo abrirá con “Creando comunidad desde el lenguaje”, a cargo de Gonzalo Recalde Ramírez, director de Comunicación de MuCi. Luego, a las 15:00, el periodista y divulgador científico Eduardo Quintana ofrecerá la charla “¿Para qué sirven los museos cuando el mundo se rompe?”, enfocada en el papel social y cultural de estas instituciones en contextos de crisis.

A las 16:00 se desarrollará la ponencia “Tekorenda: el patrimonio como sitio de vida, memoria y desarrollo comunitario”, presentada por la arquitecta Silvia Rossanna Rey Méndez, especialista en conservación patrimonial y actual coordinadora de proyectos del programa Tekorenda de la Secretaría Nacional de Cultura.

Más tarde, a las 17:00, María Stella Bogarín Frutos y Jorge Benítez Cabral abordarán el “Rescate de la historia guaraní-jesuítica de Santiago, Misiones”, compartiendo investigaciones vinculadas al patrimonio jesuítico paraguayo. Finalmente, a las 18:00, el académico brasileño Camilo de Mello Vasconcellos, subdirector del Museo de Arqueología y Etnología de la Universidad de São Paulo, ofrecerá una conferencia sobre el perfil y las perspectivas de los museos antropológicos en Brasil.

Desde su creación en 2017, “Los Museos se Muestran” se ha consolidado como una de las plataformas culturales más importantes dedicadas a la difusión del patrimonio y el trabajo de los museos paraguayos, generando un espacio de encuentro entre instituciones, investigadores y público general.

La actividad fue presentada oficialmente el pasado viernes 8 de mayo en el Espacio Cultural Staudt, en un acto que contó con la presencia de Paola Martínez, directora del Museo de Ciencias del Paraguay (MuCi); Jorge Srur, gerente regional sur del Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe (CAF); el arquitecto Christian Ceuppens, director de Museos Nacionales de la Secretaría Nacional de Cultura; Gloria Velilla, directora de Proyectos de la Asociación Noche de los Museos Paraguay; y Jacinto Santa María Ammatuna, ministro de la Secretaría Nacional de Turismo (SENATUR).

Museos y espacios participantes

• Fundación Museo de Ciencias
• Museo Fundación Demetrio Ortiz
• Museo Fernández Caballero
• Museo Judío del Paraguay, Fundación Dr. Walter Kochmann
• Centro Cultural FCM-UNA Prof. Dr. Salvador Addario Bentrón
• Museo Histórico de Neuland
• El Tour de Liebig
• Casa Bicentenario de la Música Agustín Pío Barrios - CCR Cabildo
• Casa Bicentenario de la Literatura Augusto Roa Bastos
• Casa Bicentenario de la Danza Tala Ern Retifoff
• Centro Cultural de la Ciudad Carlos Colombino - Manzana de la Rivera
• Casa Bicentenario del Teatro “Edda de los Ríos” del Centro Cultural de la República El Cabildo
• Museo de Las Biblias, Colegio Internacional
• Casa Bicentenario de las Artes Visuales Ignacio Núñez Soler del Centro Cultural de la República El Cabildo
• Museos Fernheim
• Museo Nacional de Bellas Artes
• Templo Budista Fo Guang Shan Paraguay
• El Cántaro BioEscuela Popular
• Museo de Sillas Asunción (MUSA)
• Museo de ITAIPÚ Tierra Guaraní
• Museo de los Inmigrantes y Casa de la Cultura de Bella Vista
• Casa de la Integración CAF
• Espacio Cultural Roa Bastos
• Centro Cultural y Museo Masónico - Gran Logia Simbólica del Paraguay - Gran Oriente del Paraguay
• Museo Parroquial San Rafael
• Museo de los Caídos en Ytororó
• Museo “Juan Emiliano O’Leary”, del CNC
• Centro de Interpretación AVAIU
• Museo de la Cámara Fotográfica del Instituto Técnico Superior de la Imagen / MUCAFOT-ITSI
• Museo Ferroviario Estación Central de Asunción
• Museo Fray Juan Bernardo
• Centro Cultural de la República El Cabildo
• Centro Cultural de España en Asunción
• Museo de CLYFSA
• Museo del CEL, Museo de Todos
• Fundación Texo para el Arte Contemporáneo
• Heimatmuseum der Kolonie Menno
• Casa Museo y Academia de batería “Nene y Papi Barreto”

Figuras del audiovisual iberoamericano se dieron cita para esta premiación, que coronó en la categoría de miniseries o teleseries a la producción argentina “El eternauta”. La misma otorgó, apenas iniciada la ceremonia, el Platino al Mejor creador de miniserie o teleserie a Bruno Stagnaro.

También le dio a Ricardo Darín el Premio Platino a la Mejor interpretación masculina en miniserie o teleserie, además del Premio Platino a la Mejor miniserie o teleserie.

De esta manera, la serie estrenada en la plataforma Netflix y basada en la novela gráfica de Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López, sumó siete reconocimientos con los obtenidos anteriormente en las categorías de interpretación masculina de reparto (César Troncoso), interpretación femenina de reparto (Andrea Pietra), dirección de montaje y efectos especiales.

Marcos Cáceres, el paraguayo que trabajó en la serie “Menem” y es ganador de un Premio Platino

En tanto, la actriz mexicana Paulina Gaitán obtuvo el Premio Platino a la Mejor interpretación femenina en miniserie o teleserie por su trabajo en “Las muertas”.

El premio a la Mejor Película de Animación fue a manos de la película dominicana “Olivia & las Nubes”, dirigida por Tomás Pichardo Espaillat.

En tanto, la película brasileña “Apocalípsis en los trópicos”, dirigida por Petra Costa, se impuso en la categoría de Mejor Documental donde competía la producción paraguaya “Bajo las banderas, el sol”, dirigida por Juanjo Pereira.

El cantante colombiano Camilo se hizo presente en escena, junto a un gran despliegue de músicos para interpretar “Una vida pasada”, una canción con ritmo de salsa.

Los presentadores Carlos Torres y Cayetana Guillén Cuervo rindieron un homenaje a las telenovelas, antes de dar paso al nueva categoría Mejor teleserie de larga duración, que fue a manos de la producción brasileña “Beleza Fatal”.

Enrique Cerezo, presidente de los Premios Platino, fue el responsable de presentar el Premio Platino de Honor al artista argentino Guillermo Francella, destacando su carrera en el teatro, el cine y la televisión.

“El mejor de los mimos, muchas gracias. Me hacen muy feliz”, expresó Francella al recibir la estatuilla en medio de una ovación de la audiencia. “La pasión no garantiza el éxito, pero le da sentido al camino”, agregó y rememoró sus frases de la película “El secreto de sus ojos”, en las que señalaba que el hombre puede cambiar de todo, menos de pasión.

La película española “Sorda”, dirigida por Eva Libertad, conquistó el Premio Platino a la Mejor Ópera Prima. También para España irá el Premio Platino a la Mejor Comedia Iberoamericana, que quedó en manos de “La cena”, dirigida por Manuel Gómez Pereira.

El cantante español Manuel Carrasco también se hizo presente en la ceremonia ofreciendo un segmento musical con la canción “Qué bonito es querer”.

A lo largo de la gala artistas como Natalia Reyes, Diego Boneta y Griselda Siciliani destacaron con poesía a los distintos elementos de la naturaleza como el aire, el fuego y el agua; en coincidencia con el gran entorno natural del parque que albergó la ceremonia.

La joven actriz española Blanca Soroa fue la ganadora del Premio Platino a la Mejor interpretación femenina por su trabajo en “Los domingos”, mientras que el Premio Platino a la Mejor interpretación masculina fue para el brasileño Wagner Moura por “El agente secreto”.

De esta manera, la película brasileña abrió una racha en la que, de la mano de Kleber Mendonça Filho, sumó las estatuillas de Mejor Guion y Mejor Dirección. También la de Mejor Película de Ficción Iberoamericana.

De esta manera, el filme ambientado en tiempos de la dictadura brasileña conquistó un total de siete reconocimientos, al sumar los tres que ya obtuvo en la gala previa a este evento en las categorías de Música original, Dirección de montaje y Dirección de Arte.

Antes del cierre de la gala, un número que combinó el ritmo mexicano del son jarocho y el flamenco español, anunció que los Premios Platino volverán en 2027 a la ciudad de Madrid, España; donde ya se han realizado varias ediciones de este certamen organizado por Egeda y Fipca.

La Comilona de Teletón

“Barriguita llena, corazón contento” dicen desde la organización del encuentro solidario.

Desde las 9:00 podés asistir al evento gastronómico más esperado, La Comilona de Teletón. En esta ocasión, tendrá lugar en la sede de Jubilados Bancarios (Avda. Santa Teresa).

Más informaciones, en tuti.com.py

Marilina Bogado aparece entre artistas que actuarán en la ceremonia previa al partido Paraguay-EE.UU.

Teatro / Nunca estuve en Dublín

Ofrecido por: Arlequín Teatro

Hora: 20:00

Lugar: Arlequín Teatro

Informaciones: tuti.com.py

¿Qué ver en streaming?: Estrenos en Netflix, Disney+ y Prime Video

MARTES 12

Concierto / Vader

Ofrecido por: Absoluto Rock

Hora: 20:00

Lugar: Absoluto Rock

Informaciones: tuti.com.py

MIÉRCOLES 13

Concierto / Korn

Ofrecido por: G5Pro

Hora: 20:00

Lugar: Jockey Club

Informaciones: ticketea.com.py

JUEVES 14

Fiestas Patrias / Actividades varias

Desde las 8:00 podés participar de las distintas actividades disponibles por los festejos patrios. Arranca con la apertura del Museo Casa de la Independencia y a las 9:00 habrá Te Deum por la Patria en la Catedral.

Luego podrás probar las delicias de la Feria de Sabores en la Plaza del Cabildo/ Plaza de Armas.

“Mortal Kombat 2” se ajusta a los deseos de los fans y revive la nostalgia

A las 11:00, Feria Palmear y desde las 18:00, Festival de la Independencia.

Además habrá bici tour, recorrido por cervecerías artesanales y terrazas, así como proyección de películas nacionales. Informaciones: @cultura_py

Concierto / Mocedades

Ofrecido por: TopShows

Hora: 21:00

Lugar: Banco Central del Paraguay

Informaciones: ticketea.com.py

VIERNES 15

Concierto / Winona Riders + Mi sueño póstumo

Ofrecido por: La Otra Bar

Hora: 21:00

Lugar: La Otra Bar (Herrera 875)

Informaciones: tuti.com.py

“Ñande Sy y la poética del campo surge a partir de una mirada muy profunda hacia las mujeres de la tercera edad, hacia lo que representan en términos de memoria, de transmisión de saberes, de continuidad entre generaciones. Es una serie que nace de la necesidad de visibilizar todo lo que significa esa mujer de campo dentro de nuestra sociedad. Muchas veces son figuras silenciosas, pero fundamentales: sostienen la vida cotidiana, cuidan, enseñan, transmiten formas de hacer y de sentir”, explica Carla Ascarza.

Al mismo tiempo no puede dejar de pensar que la tercera edad en nuestro país sigue siendo una materia pendiente en muchos aspectos: “Entonces, la serie también tiene ese trasfondo, el de poner en el centro a estas mujeres, darles presencia, reconocer su valor y su lugar”.

Mitología pictórica de Carla Ascarza y Horacio Guimaraes

—¿Para estas obras te inspiraste en algún personaje en especial?—Sí, en realidad hay dos momentos muy importantes. El primero fue en el año 2017, cuando trabajé a partir de la fotografía de un gran artista, Didac López, quien me cedió generosamente el uso de una imagen para realizar un retrato de una abuelita. Esa figura quedó muy presente en mí, como algo que no se había cerrado del todo. Y años después, conocí a una abuelita que vendía caramelos en la calle. Su situación, su precariedad, pero también su dignidad, me impactaron profundamente. Ahí sentí que todo empezaba a cobrar sentido. Esa imagen inicial y ese encuentro real se unieron, y de alguna manera dieron origen a todo este universo.

—¿Cómo es posible lograr imágenes tan realistas de la vida cotidiana de estas mujeres?—Creo que tiene mucho que ver con la observación, pero también con una forma de construir la imagen que no busca copiar la realidad tal cual es. Trabajo desde lo que yo llamo proporciones y perspectivas emocionales. Eso significa que las figuras, los espacios, incluso los objetos, no responden necesariamente a una lógica estrictamente realista, sino a lo que la escena necesita transmitir. Una figura puede ser más grande de lo que sería en la realidad, o un espacio puede simplificarse, porque lo importante no es la fidelidad visual, sino la carga emocional. Entonces, aunque la imagen pueda parecer muy cercana a lo real, en realidad está atravesada por decisiones simbólicas que buscan expresar algo más profundo.

—¿Cuántas obras tiene la serie?—Para esta exposición en particular, presento un cuerpo de obra bastante definido. Hay nueve obras de gran formato realizadas al óleo sobre lienzo, otras más pequeñas, bocetos y estudios y relicarios que contienen pequeñas obras en su interior. En todas ellas está presente la figura de la abuelita, de una u otra manera. A veces aparece directamente en escena –tomando mate, colgando la ropa, en sus gestos cotidianos– y otras veces a través de sus objetos: elementos que forman parte de su vida diaria y que se convierten en pequeños rituales. Todo el conjunto funciona como un universo coherente, donde cada pieza aporta una mirada distinta sobre esa misma presencia.

Ñande o rostros del mundo

—Más allá de la exposición, ¿qué representa estar la Noche de las Galerías?—Es una oportunidad muy importante, tanto a nivel personal como colectivo. Por un lado, permite que las galerías se fortalezcan como espacios de encuentro, de circulación del arte, de construcción cultural. Y, por otro, para los artistas es un momento en el que podemos mostrar trabajos que realmente nos atraviesan, que nacen de procesos profundos de investigación y búsqueda. También es un espacio donde el público se acerca de otra manera más abierta, más disponible al diálogo. Y eso siempre es valioso.

—¿En qué etapa de tu carrera te encontrás?—Siento que estoy en una etapa de mucha claridad. Después de haber transitado distintos caminos, hoy tengo una relación más consciente con mi lenguaje. No significa que esté todo resuelto, al contrario, hay muchas preguntas abiertas. Pero hay una seguridad en la forma de trabajar, en las decisiones, en lo que quiero decir. Es una etapa de profundización más que de exploración inicial.

—¿Un sueño por cumplir?—Tengo varios, pero hay uno que me moviliza especialmente: que las artes ocupen un lugar mucho más importante en la sociedad. Me gustaría que el arte tenga una presencia más fuerte en la vida cotidiana de las personas, pero también en las agendas públicas, en las decisiones, en la forma en que pensamos el desarrollo cultural de un país. Y en lo personal, también sueño con poder seguir expandiendo mi obra, llevarla a otros contextos, otros territorios, y que ese diálogo crezca sin perder su raíz.

pgomez@abc.com.py

Mejor Interpretación masculina en miniserie o teleserie: Ricardo Darín por “El Eternauta”.

Mejor Interpretación femenina en miniserie o teleserie: Paulina Gaitán por “Las muertas”.

Mejor miniserie o teleserie: El Eternauta.

Mejor película de animación: “Olivia & Las Nubes”, de Tomás Pichardo Espaillat.

Mejor película documental: “Apocalipsis en los trópicos”, de Petra Costa.

Mejor serie de larga duración: Beleza fatal

Premio Platino de Honor: Guillermo Francella

Mejor Ópera Prima: “Sorda”, dirigida por Eva Libertad.

Mejor Comedia Iberoamericana: “La cena”, dirigida por Manuel Gómez Pereira.

Mejor Interpretación femenina: Blanca Soroa por “Los domingos”.

Mejor Interpretación masculina: Wagner Moura por “El agente secreto”.

Mejor Guion: Kleber Mendonça Filho por “El agente secreto”.

Mejor Dirección: Kleber Mendonça Filho por “El agente secreto”.

Mejor Película Iberoamericana de Ficción: El agente secreto

El jurado de la Bienal dimitió en bloque el pasado jueves 30 de abril. Una semana antes, había declarado que no consideraría para los tradicionales premios León de Oro a aquellos países cuyos gobiernos estuvieran acusados ​​de crímenes de lesa humanidad por la Corte Penal Internacional (CPI), con lo cual dejaban a Israel y Rusia fuera de concurso.

En respuesta, la organización suprimió los Leones de Oro e instituyó los “Leones de los Visitantes“, que se otorgarán por voto popular y serán anunciados el 22 de noviembre, último día de la Bienal. Con eso, Israel y Rusia volvían a concursar.

Ante eso, todos los integrantes del jurado internacional dimitieron.

La Bienal de Venecia abrió sus puertas sin jurado y en medio de protestas

En un comunicado publicado hoy, sábado 9 de mayo, en la plataforma e-flux, casi la mitad de los 111 artistas y colectivos artísticos incluidos en la exposición “In Minor Keys”, además de 16 expositores de diversos pabellones nacionales, han anunciado su renuncia a ser considerados para los “Leones de los Visitantes”.

Como antecedente, es importante señalar que cuando la Fundación de la Bienal confirmó, a principios de marzo, la participación de Israel y Rusia en la 61.ª Bienal de Venecia, la mayoría de los artistas de “In Minor Keys”, así como decenas de expositores de pabellones nacionales, exigieron la exclusión de Israel del evento en una carta abierta.

El comunicado publicado hoy (en inglés) en e-flux dice lo siguiente:

Declaración de retirada de los premios “Leones de los Visitantes”.

Hoy, 9 de mayo de 2026, nosotros, los artistas abajo firmantes de In Minor Keys, seleccionados por Koyo Kouoh, curadora de la 61.ª edición de la Bienal de Venecia, y de los Pabellones Nacionales, nos retiramos de la contienda por los premios “Leones de los Visitantes”. Lo hacemos en solidaridad con la renuncia del jurado seleccionado por Koyo Kouoh.

Entre los firmantes hay nombres como los de Fabric Aragno, Éric Baudelaire, Sabian Baumann, Carolina Caycedo, Annalee Davis, Bonnie Devine, Nolan Oswald Dennis, Rachel Fallon, Uriel Orlow, Alan Phelan, Carrie Schneider, Berni Searle, Cauleen Smith y Oriol Vilanova. La lista completa puede verse aquí: https://www.e-flux.com/notes/6783494/statement-of-withdrawal-from-visitor-lion-awards

Ayer, víspera de la inauguración, cientos de personas marcharon por las avenidas venecianas hasta la Fondamenta Arsenale, donde se encuentra el pabellón de Israel, agitando pancartas con lemas como “No al pabellón del genocidio”.

La Bienal de Venecia en huelga contra la participación de Israel

Hoy, durante la primera jornada del festival de arte más prestigioso del mundo, además del israelí permanecieron cerrados los pabellones de Austria, Bélgica, Egipto, Lituania, Luxemburgo, Polonia, Eslovenia, España, Suiza, Türkiye, Finlandia, Países Bajos, Irlanda, Qatar, Malta, Chipre, Ecuador y Reino Unido.

El cierre de estas instalaciones estuvo motivado, además, por una huelga de 24 horas de artistas, curadores y trabajadores culturales en protesta “contra la presencia del Pabellón Israelí en medio del genocidio que se está cometiendo en Palestina”.

Enfrentamientos entre policía y manifestantes pro-Palestina en la Bienal de Venecia

En un hecho sin precedentes, el pasado jueves 30 de abril, pocos días antes de la inauguración de la presente edición de la Bienal, el jurado internacional renunció en bloque.

Ante la ausencia de jurado, se ha decidido que este año no se entregarán los tradicionales Leones de Oro y que, en su lugar, se instaurará un sistema de votación pública para entregar unos premios que serán denominados “Leones de los Visitantes”.

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Durante la actividad, los autores resaltaron la riqueza del arte jesuítico conservado en el museo santiagueño “Tesoros Jesuíticos”, además del aporte de la investigación para rescatar la historia más antigua y profunda de la reducción de Santiago, creada en la segunda mitad del siglo XVII y vigente hasta finales del siglo XVIII.

Benítez señaló que los asistentes mostraron gran interés en los detalles de la investigación y realizaron consultas relacionadas con las características actuales de la comunidad santiagueña. El libro ya había sido presentado el pasado 23 de abril en el Museo de Itaipú, en Hernandarias.

Asimismo, anunciaron que la obra será presentada nuevamente el próximo 31 de mayo en la Feria Internacional del Libro de Asunción, con el apoyo de la Editorial “El Lector”, sello encargado de la publicación del material.

Los participantes de la 17 Jornada de Geohistoria también adquirieron el libro anterior de los autores, titulado “Santiago. Capital de las Ruinas Jesuíticas de Adobe”, publicado en 2024.

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Mocedades: canciones contra la velocidad del mundo

El recinto estaba lleno. No desbordado, no convertido en una estampida nostálgica, sino lleno de personas que decidieron reunirse alrededor de canciones que siguen respirando décadas después de haber sido escritas. Y ahí aparece algo interesante: reducir un fenómeno así a la nostalgia sería injusto. La nostalgia sola no llena un estadio. Lo que llena un estadio es el significado.

Había gente cantando a los gritos. Personas con los ojos vidriosos. Algunas secándose lágrimas mientras seguían cada palabra como si las canciones todavía les pertenecieran íntimamente. Y quizá así sea. La música tiene ese poder extraño: guardar historias ajenas hasta que terminan convirtiéndose en propias.

Air Supply apareció sobre el escenario como si el tiempo hubiese decidido hacer una excepción con ellos. Las voces de Russell Hitchcock y Graham Russell permanecen intactas, milagrosamente claras, sostenidas por armonías que todavía suenan enormes. Detrás, una banda impecable, elegante, incluso acompañada por cuerdas, le daba a cada canción un peso emocional todavía mayor. No había cinismo ni distancia irónica. Había entrega absoluta a la melodía.

Y entonces uno entiende que el verdadero poder de las baladas nunca estuvo en la cursilería de sus detractores, sino en su honestidad. En la capacidad de decir sentimientos enormes sin esconderse detrás del sarcasmo.

La lista de canciones terminó funcionando como una especie de defensa de la sensibilidad. Porque Air Supply nunca tuvo miedo de escribir sobre la fragilidad humana, sobre la necesidad de otro, sobre el amor como refugio. Ahí estaban “Sweet Dreams” y “Goodbye”, hablando de despedidas inevitables, de esos vínculos que incluso cuando terminan siguen dejando habitaciones encendidas dentro de uno. Y poco después “Even the Nights Are Better” parecía responderle a esa tristeza con otra idea igual de simple y poderosa: que a veces la sola presencia de alguien puede volver soportable la oscuridad.

En varios momentos el concierto pareció insistir en algo casi “fuera de época”: la importancia de mostrarse vulnerable. “Just as I Am” proponía justamente eso, ser querido sin máscaras, mientras “Here I Am” ofrecía la otra cara de la misma moneda: estar ahí para alguien cuando todo alrededor se desmorona. Y en canciones como “Chances” o “The One That You Love” aparecía esa incertidumbre emocional tan humana, esa necesidad desesperada de saber si el amor que uno entrega realmente encuentra respuesta.

Lo más impresionante es que ninguna de estas canciones suena vieja o pasada de moda. Porque justamente las buenas baladas no dependen de modas; dependen de emociones reconocibles. Por eso “Two Less Lonely People in the World” todavía puede conmover a un estadio entero: porque sigue hablando de algo esencial, de la esperanza de encontrar a alguien que vuelva el mundo un poco menos hostil. Lo mismo ocurrió con “Lost in Love” e “I Can Wait Forever”, canciones atravesadas por la entrega total, por esa forma casi dolorosa de permanecer emocionalmente disponible incluso cuando no hay garantías de nada.

Y entonces llegó uno de los momentos más extraños y hermosos de la noche. Los músicos abandonaron el escenario y Graham Russell quedó solo para compartir poesía. Poesía. En medio de un mundo acelerado, hiperestimulado, donde todo parece diseñado para impedir el silencio, un concierto multitudinario se permitió una pausa para escuchar palabras, sin apuro ni golpes de efecto, solo la voz y el tiempo.

El tramo final terminó de confirmar el poder intacto de esas canciones. “Making Love Out of Nothing at All” apareció enorme, teatral, intensa, llevando el dramatismo romántico hasta un punto casi épico. Después llegó “Without You”, probablemente una de las baladas definitivas sobre la ausencia, y finalmente “All Out of Love”, convertida ya no solo en canción sino en himno colectivo. Miles de personas cantándola como si todavía encontraran algo suyo ahí dentro.

Y finalmente, dentro de todo eso, se puede entender el “fenómeno”, que Air Supply no sigue llenando recintos porque el público quiera revivir el pasado; sigue llenándolos porque hay canciones que todavía saben acompañar la vida de las personas.

Porque quizás algunas melodías envejecen, pero otras, definitivamente permanecen. Y eso fue exactamente lo que ocurrió el pasado jueves en el SND Arena. Y al final, eso también es el poder de la música: conservar emociones intactas mientras todo lo demás cambia.

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Antes de su presentación en Paraguay junto al mexicano Alex Fernández (nieto del legendario Vicente Fernández), Rosa Rodríguez conversó sobre la vigencia del grupo, las nuevas generaciones y la importancia de “decir cosas bonitas” en tiempos donde, según lamenta, “se pierde un poco el respeto y la magia”.

Es así que Mocedades sigue ocupando un lugar casi milagroso dentro de la música en español: el de las canciones que no envejecen, sino que maduran. Lejos de instalarse únicamente en la nostalgia, la cantante habla de Mocedades como un proyecto que todavía encuentra nuevas formas de dialogar con el presente. “Siento mucha responsabilidad, para empezar, y mucho agradecimiento por poder estar donde estoy y por pertenecer a un grupo con una trayectoria inmensa”, cuenta. “Cada vez que me subo a un escenario y recibo todo el cariño del público, es inexplicable”.

Hay una palabra que atraviesa constantemente la conversación: permanencia. Mientras buena parte de la música actual parece diseñada para consumirse rápidamente, Rosa cree que las canciones de Mocedades continúan encontrando refugio en algo más profundo: las emociones dichas con delicadeza. “Creo que los temas de Mocedades son poemas a los que se les ha puesto una música maravillosa y que no pasan de moda”, afirma.

La explicación, sin embargo, no está solamente en clásicos como Eres tú o Tómame o déjame. Para Rosa, la clave también está en la capacidad del grupo para seguir moviéndose. “Siempre estamos innovando, haciendo duetos con compañeros maravillosos, sacando temas inéditos”, explica. “El secreto no sé cuál es, tal vez habría que preguntárselo al público, pero sí diría que va un poco por esas letras maravillosas con una música fantástica”.

Renovarse sin romper la esencia

En ese sentido, la permanencia de Mocedades tampoco parece apoyarse únicamente en la nostalgia. Rosa habla del grupo como una formación que todavía busca desplazarse, mezclarse y encontrar nuevas formas de habitar canciones que llevan décadas en la memoria colectiva. En los últimos años, esa búsqueda tomó forma a través de colaboraciones con artistas de distintas generaciones y estilos, como David Bisbal, la ex Mecano, Ana Torroja, Morat, Lucero, Fonseca, Alejandro Lerner, Luciano Pereyra, Mijares, entre otros. Una experiencia que, asegura, terminó ampliando no solo el repertorio emocional del grupo, sino también su alcance.

“La verdad es que todos los compañeros han sido maravillosos; todos dijeron que sí en cuanto Mocedades tocó su puerta”, recuerda. Más que elegir una colaboración puntual, prefiere hablar de una suma de sensibilidades: músicos jóvenes, estilos distintos y una voluntad mutua de adaptación. “Nosotros también nos hemos intentado adaptar a ellos y al final han quedado unos duetos fantásticos”.

En su relato aparece constantemente la idea de fusión, casi como una forma de supervivencia artística. Rosa describe esas colaboraciones como “una amalgama” entre generaciones distintas, capaz de acercar las canciones históricas del grupo a públicos nuevos sin perder identidad en el camino. “Nuestras canciones ya van de generación en generación, pero el estar con artistas más jóvenes sí nos ha ayudado a llegar todavía más lejos”, explica.

Esa renovación también ocurre puertas adentro, incluso cuando las canciones siguen siendo las mismas. Después de tantos años interpretando un repertorio tan reconocible, Rosa sostiene que todavía existen maneras nuevas de entrar en él. “Se encuentran nuevos significados, nuevos sonidos y diferentes formas de hacer”, dice. Y aunque para el público muchas veces los cambios sean imperceptibles, para quien vive dentro de la canción cada detalle importa.

“Yo utilizo mi instrumento, que es la voz, y siempre hay alguna cosa que cambias”, cuenta. “Pequeñas cosas que a veces pasan inadvertidas para el público, pero que para nosotros los artistas no”. Quizá ahí también exista parte del secreto: en entender que las canciones no permanecen intactas, sino vivas.

“Se pierde un poco el respeto, se pierde la magia”

En algún punto de la conversación, el tema deja de ser únicamente la música y empieza a desplazarse hacia algo más amplio: la manera en que una época habla sobre el amor. Mientras muchas canciones actuales parecen apoyarse en la inmediatez, la provocación o la agresividad verbal, Rosa defiende otra forma de decir las cosas, una donde el lenguaje todavía conserva cierta delicadeza.

No lo plantea desde la condena generacional ni desde la nostalgia automática, más bien habla desde una incomodidad sincera, casi íntima, frente a ciertas formas contemporáneas de expresar el afecto. “El amor ha existido, existe y existirá siempre”, dice. “La forma de decirlo... bueno, hay formas de decirlo hoy en día que yo no las entiendo muy bien”.

Para ella, el problema no pasa necesariamente por los nuevos ritmos ni por los cambios estéticos, sino por la manera en que el lenguaje modifica también la forma de vincularse. “Si estás con la persona que quieres, lo suyo es que le digas cosas bonitas o en un lenguaje bonito”, reflexiona. Luego se detiene un instante y admite, con honestidad tranquila: “Hay cosas que escuchas hoy y dices: ‘¿cómo puede ser que a una persona que quieres le digas esas cosas?’”.

La conversación deriva entonces hacia una idea que atraviesa gran parte del universo emocional de Mocedades: el respeto como una manera de cuidar al otro a través de las palabras. Rosa lo expresa de forma contundente: “No me puedes decir las barbaridades que a veces se dicen en ciertos temas si de verdad me quieres, porque me faltas al respeto”.

Y la frase más reveladora de toda la charla llega justo después, casi como una conclusión involuntaria sobre el presente: “Se pierde un poco el respeto, se pierde la magia, se pierde todo. Yo creo que el lenguaje es muy importante”.

Ahí aparece, probablemente, una de las razones por las que las canciones de Mocedades siguen encontrando refugio incluso en generaciones que crecieron muy lejos de su época dorada: no hablan solamente del amor, sino también de la forma en que elegimos tratar a quienes queremos.

La persistencia de la ternura

En medio de una conversación atravesada por la memoria, el lenguaje y las formas de amar, también hubo espacio para un momento mínimo y doméstico que terminó revelando el tono completo de la entrevista. Mientras intentaba continuar una pregunta, mis dos gatas interrumpieron brevemente la videollamada. Rosa sonrió al instante: “Tenemos invitados”. La escena duró apenas unos segundos, pero resumió bastante bien el espíritu de toda la charla: cercanía antes que solemnidad, calidez antes que discurso.

Quizá por eso, cuando habla del concierto que Mocedades presentará en Paraguay en la antesala del Día de la Madre, Rosa no lo describe únicamente como un espectáculo musical, sino como una celebración compartida. El show incluirá un recorrido por los clásicos más importantes del grupo, nuevas canciones y la participación especial de Alex Fernández, en una noche pensada para reunir generaciones distintas alrededor de un mismo repertorio emocional.

“Le vamos a cantar al amor, le vamos a cantar a las mamás”, cuenta. Pero enseguida aclara que la idea no es solamente interpretar canciones sobre el escenario, sino convertir el concierto en algo colectivo: “Esperamos que toda la gente que venga cante con nosotros y que sea una fusión mágica para celebrar la vida, las madres, la música, el amor... para celebrarlo todo”.

Y entonces aparece otra de esas frases simples que, en boca de Mocedades, parecen adquirir una gravedad distinta. Rosa hace una pausa breve y concluye: “Porque en esta vida se trata de celebrar, poco a poco, pero celebrar”.

Todavía quedan entradas en venta a través de Ticketea, desde G. 400.000.

El artista compatriota interpretó “Pájaro Campana”, una de las piezas más representativas de nuestra música y que apareció en “Zoo Quest”, el primer programa sobre vida salvaje conducido por Attenborough durante la década de 1950.

Horas antes del evento, la cuenta oficial de Yglesias publicó un mensaje dedicado al reconocido naturalista británico. “Un muy feliz cumpleaños número 100 a Sir David Attenborough. Francisco está encantado de haber sido invitado a tocar Pájaro Campana en la celebración del cumpleaños de Sir David en el Royal Albert Hall”, señalaba la publicación.

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Gala con artistas y figuras internacionales

El homenaje reunió a personalidades vinculadas a la televisión, la música y los documentales sobre naturaleza. Entre los invitados estuvieron Michael Palin y Steve Backshall.

También participaron músicos relacionados con producciones de “Planet Earth”, una de las series documentales más reconocidas de Attenborough. El cantante Dan Smith interpretó una versión orquestal de “Pompeii” junto a la BBC Concert Orchestra, mientras que la banda islandesa Sigur Rós presentó “Hoppípolla”, canción utilizada en promociones de “Planet Earth”.

La programación incluyó además a la cantante británica Sienna Spiro y a la BBC Concert Orchestra, encargada de interpretar composiciones asociadas a algunos de los momentos más recordados de los documentales de Attenborough.

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Ocho décadas dedicadas a la vida salvaje

David Attenborough cumplió 100 años ayer. El presentador y naturalista británico es considerado una de las figuras más influyentes de la divulgación científica y los documentales sobre naturaleza, con una trayectoria de más de ocho décadas en la televisión.

Su trabajo incluye producciones emblemáticas como Planet Earth, además de numerosas series centradas en biodiversidad, conservación ambiental y vida salvaje.