Nancy Luzko estrenará “Puká”, una obra coral en guaraní, en Miami

La propuesta plantea un recorrido musical que reúne composiciones de Johann Sebastian Bach y Frédéric Chopin con obras originales de Collins, en un programa que busca establecer conexiones entre la tradición académica y las sonoridades de la cultura contemporánea.

A través del piano, el espectáculo propone un acercamiento a distintos lenguajes musicales, con referencias tanto al repertorio clásico como al rock y a otros ámbitos de la creación actual.

La trayectoria de Collins abarca diferentes territorios de la composición musical. Entre sus trabajos figura su participación como coautor de música para el videojuego “Cyberpunk 2077″, mientras que su recorrido artístico también está vinculado a proyectos del ámbito del rock, siendo destacado por bandas y figuras como Tool y Alice Cooper.

Con “Nocturnos de neón”, el artista llegará a Asunción con una propuesta que reúne estas distintas vertientes de su experiencia musical en un mismo escenario.

Nancy Luzko estrenará “Puká”, una obra coral en guaraní, en Miami

Bajo la dirección del maestro José Miguel Echeverría, la orquesta desarrollará un programa elaborado junto con la organización ambientalista Guyra Paraguay, que integra imágenes de aves de la región, especialmente de nuestro país, con información sobre sus características, los lugares que habitan y su estado actual de conservación.

La primera parte del concierto, titulada “Aves en la música del Paraguay”, reunirá composiciones vinculadas con la naturaleza y las aves, entre ellas “Ka’aguy Ryakuã”, de Remberto Giménez; “Piririta”, de Alejandro Villamayor; “Chirikoe”, de Juan Carlos Moreno González y Manuel Frutos Pane; “Pájaro Choguy”, de Pitaguá; “Pájaro campana”, recopilado por Félix Pérez Cardozo, y “El canto de mi selva”, de Herminio Giménez.

En la segunda parte, denominada “Naturaleza y Música”, participará el Coro de Niños Coreanos del Paraguay, dirigido por Sabi Lee, quien también actuará como soprano. El repertorio incluirá “Ombra mai fu”, de Georg Friedrich Händel; “Look at the World”, de John Rutter; “Beautiful Country”, de Han Tae-su y Chae Jeong-eu, y la popular canción italiana “O sole mio”, de Eduardo Di Capua.

El ciclo es organizado por la Dirección General de Cultura y Turismo de la Municipalidad de Asunción y la Sociedad Filarmónica de Asunción. Cuenta con la presentación de la Fundación Itaú y Petrobras, y la colaboración de Guyra Paraguay.

El acceso al concierto será libre y gratuito.

“Moratoria revocada”: el arte como espacio para escuchar las infancias interrumpidas

La pieza, escrita en guaraní, será interpretada por las agrupaciones corales estadounidenses Vocal Youth Miami, Amazonia, Miami Sound Space y Miamibloco, y reunirá alrededor de 150 cantantes en una experiencia que vincula música, identidad cultural y comunidad.

“Todo comenzó con una invitación de Jamie Sutta, directora de Vocal Youth Miami, una gran amiga y colega a quien admiro mucho. Un día, Jamie me propuso escribir una obra para su coro, y recuerdo que le respondí: ‘¡Sí, por supuesto! Algún día lo haré’”, cuenta Luzko.

Tiempo después, asistió a uno de los conciertos de la agrupación y vivió una experiencia que terminaría impulsando la composición. “La energía de las voces, la emoción de escuchar a tantos jóvenes cantando juntos, despertó algo en mí. Y, curiosamente, al día siguiente nació Puká”.

La compositora le contó enseguida a Sutta que estaba trabajando en la obra. Fue entonces cuando conoció los planes para “Groove Together”, un festival que comenzaba a organizarse, y recibió la invitación para participar como compositora invitada especial. La sorpresa llegó cuando supo que su creación no sería interpretada por un solo coro, sino por cuatro agrupaciones reunidas.

Para Luzko, el proyecto también representa la posibilidad de formar parte de una iniciativa cuyo compromiso trasciende lo musical. Destaca la labor de los organizadores y directores, tanto por su excelencia artística como por su compromiso humano y social.

“Son instituciones que abrazan la diversidad y creen firmemente que la música debe estar al alcance de todos. Cuando un joven no cuenta con los recursos necesarios para estudiar música, buscan becas y oportunidades para que pueda hacerlo”, señala.

“Y eso, para mí, es verdaderamente maravilloso. Porque la música no solamente nos permite expresarnos artísticamente, sino que también tiene el poder de unirnos, de abrir puertas y de transformar vidas”.

El guaraní como expresión musical

La elección del idioma fue una decisión natural para la compositora, que encuentra en él una conexión profunda con sus orígenes. “El guaraní es un idioma muy querido para mí, porque forma parte de mis raíces y de mi tierra natal. Siempre lo he sentido como un idioma profundamente musical, lleno de expresividad, de riqueza y de una belleza muy particular. Hay tantas emociones que podemos transmitir a través del guaraní que, para mí, escribir esta obra en ese idioma fue algo muy natural”, explica.

El nacimiento de la melodía también tuvo algo de espontáneo. Luzko recuerda que estaba manejando cuando una secuencia musical comenzó a sonar en su cabeza, acompañada por la palabra “puká”, que significa “risa” o “reír” en guaraní. Empezó a cantarla y, casi sin darse cuenta, el ritmo y la melodía quedaron grabados en su memoria. En cuanto pudo, se sentó al piano y comenzó a escribir.

“Desde el primer momento supe que quería crear algo alegre, lleno de vida y de energía positiva”, afirma. La intención era transmitir un mensaje sencillo, pero significativo en un mundo en el que, según reflexiona, las ocupaciones y preocupaciones cotidianas muchas veces hacen olvidar la importancia de disfrutar.

“Por eso quise que Puká transmitiera precisamente ese mensaje: una invitación a sonreír, a reír, a celebrar la vida y a unirnos a través de la música. Y qué mejor manera de hacerlo que a través del guaraní, llevando un pedacito de mi querido Paraguay a un escenario donde tantas voces y culturas diferentes se encuentran”.

La experiencia también plantea un desafío: cerca de 150 cantantes estadounidenses se acercarán al idioma por primera vez. Algunos, señala la compositora, nunca habían escuchado hablar en guaraní e incluso desconocían su existencia o su procedencia.

“No se trataba solamente de enseñarles a cantar una obra, sino también de acercarlos a una lengua, a una cultura y a una parte muy querida de mis raíces paraguayas”, expresa.

Luzko reconoce que la pronunciación del guaraní puede resultar compleja para quienes nunca han tenido contacto con él. A eso se suma el trabajo de escribir para cuatro agrupaciones diferentes, integrando tantas voces en una misma expresión musical. Sin embargo, considera que esas dificultades terminaron convirtiéndose en una oportunidad de intercambio cultural.

“Creo que allí está precisamente la magia de este proyecto: demostrar que la música puede trascender las barreras del idioma, acercar culturas y unir a las personas a través de una misma emoción”, sostiene.

Una identidad que viaja con la música

A lo largo de su trayectoria como pianista y compositora, Luzko ha desarrollado su formación y su trabajo artístico entre Paraguay, Europa y Estados Unidos. Es doctora en Artes Musicales por la Universidad de Miami y ha compuesto obras para piano, orquesta, ballet, ópera, música sacra y voz.

Aunque su recorrido la ha llevado por diferentes países y culturas, afirma que sus raíces paraguayas permanecen presentes en su música, a través de influencias de los ritmos, las melodías y la riqueza cultural del país.

“Para mí, componer es también una manera de expresar quién soy, de dónde vengo y todo aquello que forma parte de mi identidad artística”, señala.

En ese sentido, considera que “Puká” representa una continuación natural de su trayectoria, pero también una experiencia particular porque, esta vez, el propio idioma guaraní ocupa un lugar protagónico.

“Me emociona profundamente pensar que una obra nacida de mis raíces paraguayas pueda ser interpretada por tantas voces de diferentes culturas aquí, en Estados Unidos”, expresa.

“Creo que este proyecto refleja algo en lo que siempre he creído: la música no tiene fronteras, y nuestras raíces pueden convertirse en un puente para unir culturas”.

Y concluye: “Si a través de mi música puedo compartir un poquito de la belleza y la alegría de mi querido Paraguay con el mundo, siento que estoy cumpliendo una parte muy importante de mi misión como compositora”.

Con su declaración, la AHA ha publicado un informe técnico (white paper) que explica en detalle por qué la definición de “antisemitismo” de la IHRA, con “la redacción imprecisa de los ejemplos”, se presta a ser usada “indebidamente para infringir la Primera Enmienda y la libertad académica”, constituyendo una amenaza para la investigación histórica.

Sally Rooney se ve forzada a no vender sus libros en Reino Unido por apoyar a Palestine Action

En su comunicado oficial, fechado el 14 de octubre de 2026, los historiadores denuncian los intentos de imponer de manera obligatoria en la educación superior dicha definición de “antisemitismo” creada por la Alianza Internacional para el Recuerdo del Holocausto (IHRA). Los historiadores señalan que esta imposición atenta contra el rigor académico al impedir el debate libre y documentado sobre Palestina, el sionismo, el Estado de Israel y la historia de Medio Oriente.

A continuación, traducimos la declaración de la AHA.

Sobre el uso indebido de la definición de antisemitismo de la IHRA

“La Asociación Histórica Estadounidense está comprometida con la defensa de la libertad académica y la práctica profesional de la investigación y la enseñanza históricas. Por lo tanto, se opone firmemente al uso indebido de la definición de antisemitismo de la Alianza Internacional para el Recuerdo del Holocausto (IHRA) y de los ejemplos que esta proporciona, a través de instituciones federales, estatales y locales, restringiendo la investigación histórica legítima y la libertad académica, en particular la investigación y la enseñanza sobre Israel, Palestina, el sionismo y Medio Oriente”.

60 organizaciones piden a la ONU rechazar la polémica definición de antisemitismo creada por la Alianza Internacional para la Memoria del Holocausto (IHRA)

“El antisemitismo ha sido una fuerza virulenta y letal en la historia mundial y sigue siendo una grave preocupación. Precisamente por eso, las definiciones de antisemitismo deben formularse y aplicarse con especial cuidado, sobre todo si las instituciones las utilizan de formas que afecten a la investigación, la docencia y el debate público. Como su nombre indica, la ‘definición de trabajo’ de la IHRA y sus ejemplos se desarrollaron en un contexto histórico e institucional específico como una herramienta jurídicamente no vinculante, destinada a guiar a la IHRA y otras organizaciones para identificar y combatir el antisemitismo. Sus ejemplos reconocen que las manifestaciones de antisemitismo ‘podrían incluir el ataque contra el Estado de Israel, concebido como una colectividad judía’, pero la definición aclara que ‘críticas a Israel similares a las dirigidas contra cualquier otro país no pueden considerarse antisemitas’. Institucionalizar la definición de la IHRA fuera de contexto y aplicarla de forma restrictiva, ignorando esta salvedad, amenaza la libre investigación y el debate histórico abierto.

“Las definiciones pueden ser una guía útil, y otros grupos han propuesto alternativas a la ‘definición de trabajo’ de la IHRA. Sin embargo, las definiciones abstractas no pueden sustituir un análisis histórico riguroso, la contextualización ni el juicio académico. Tampoco pueden, por sí solas, sustituir un diálogo genuino y abierto entre académicos y estudiantes. De acuerdo con los principios de libertad académica y la propia Declaración sobre Normas de Conducta Profesional de la AHA, los historiadores deben conservar la libertad de investigar y enseñar sin sentirse obligados a juzgar los acontecimientos e ideas históricas según definiciones de antisemitismo generadas en el presente, para necesidades actuales o según afirmaciones actuales de identidad grupal.

Medio centenar de académicos advierten contra instrumentalización del antisemitismo

“Reconociendo que los historiadores a menudo trabajan en circunstancias adversas, la AHA reafirma que la enseñanza y la investigación históricas se benefician de un entorno que permite la indagación abierta, la contextualización rigurosa y el debate académico, libre de antisemitismo y otras formas de odio. La AHA se compromete a defender la libertad académica de todos los historiadores frente a las medidas institucionales que restringen la investigación, la enseñanza y el debate académico legítimo”.

La serie, que acaba de estrenar su tráiler, seguirá a un grupo de amigos en sus treinta y cuarenta atravesando ese momento en el que todo parece desajustarse al mismo tiempo.

Trabajos que tambalean, vínculos que se redefinen, citas fallidas y secretos que salen a la luz los empujan a preguntarse quiénes son y qué están dispuestos a sostener cuando el presente ya no se parece a lo que imaginaron.

Santi Talledo y Diego Vago son los escritores y showrunners de esta serie que constará de ocho capítulos, de veinte minutos de duración, en los que los protagonistas se verán envueltos en situaciones delirantes que demuestran que el crecimiento no viene con un manual de instrucciones.

La realización de la serie está a cargo de Pampa Films y la dirección es de Nicolás Silbert y Lalo Mark.

¿Cuándo se estrena y dónde se podrá ver “Somos así”?

El estreno de la serie “Somos así” está previsto para el 18 de noviembre. La misma estará en la sección Hulu de la plataforma Disney+.

Semanas atrás, Nicolás Occhiato y Santi Talledo participaron de un panel en Iberseries Platino, donde hablaron del acuerdo entre Disney+ y Luzu TV para trasladar a la ficción el universo de “Nadie dice Nada”, detallando el proceso creativo de esta serie.

Los detalles del regreso de “Nadie dice Nada” a Paraguay

Para los próximos días se aguarda el regreso de “Nadie dice Nada” a Paraguay. El programa de streaming vendrá con su equipo conformado por Nicolás Occhiato, Flor Jazmín Peña, Momi Giardina, Santi Talledo, Martín Garabal y Marcos Giles.

Según anticiparon, este viernes 23 de octubre estarán haciendo el programa en vivo desde la oficina de Personal, sobre la Avda. España c/ Máximo Lira.

Hasta este martes 20, los clientes de Samsung y Personal interesados en participar pueden registrarse a través de un enlace. Los que accedan a la experiencia tendrán la chance de ser parte de una foto grupal, participar de la tribuna en vivo, ganar premios sorpresa y ganar entradas para el show.

Video: El divertido “crossover” de ABC con Luzu TV en Atlanta y el saludo de Nico Occhiato

En tanto, el sábado 24 se llevará a cabo el show de “Nadie dice Nada” en el SND Arena (Avda. Eusebio Ayala y RI 6 Boquerón). Será a las 21:00 y las entradas se pueden adquirir a través de Tuti. Los sectores aún disponibles y precios son:

• Platea: G. 200.000
• Preferencias Norte y Sur: G. 250.000
• VIP Oro: G. 385.000
• VIP Platino: G. 430.000

Las entradas para los sectores VIP Bronce, Palco Norte y Palco Sur ya están agotadas.

Las agrupaciones corales Vocal Youth Miami, Amazonia, Miami Sound Space y Miamibloco son las agrupaciones que tendrán a su cargo interpretar esta obra, que fue compuesta especialmente por Luzko a partir de un pedido de los organizadores del evento.

Luzko, quien es Doctora en Artes Musicales por la Universidad de Miami, se encargó de supervisar los ensayos y llevará la identidad cultural paraguaya a un escenario multicultural, en una propuesta que combina música, comunidad y diversidad.

A través de un comunicado, la artista paraguaya celebró esta posibilidad y afirmó que “es profundamente emocionante llevar nuestra lengua guaraní a un escenario en Estados Unidos”.

“Escuchar tantas voces unidas cantando en nuestro idioma representa una manera de compartir nuestra cultura y nuestras raíces con el mundo, y es más emocionante aún el hecho de que todas las voces que la interpretarán nunca antes habían oído el guaraní”, agregó.

El evento Groove Together se llevará a cabo a las 4:00 PM en el Miami Senior High School y tendrá a Luzko como invitada especial, según destaca el afiche de la actividad

“Los Nocheros, 40 años. El show” se denomina la gira que marcó el reencuentro del grupo conformado por Rubén Ehizaguirre, Mario y Álvaro Teruel con el público paraguayo. Tras una obertura instrumental, la chacarera “Yo soy tu río” marcó el inicio de este concierto, que el público acompañó con las palmas.

“La razón” apareció luego en el repertorio del conjunto, que estuvo acompañado en escena por cinco músicos y dos coristas. Tras un breve “Buenas noches, Asunción” de Álvaro, el grupo siguió con “Soy como soy” y la chacarera “Fiesta en la cueva”.

“Buenas noches, Asunción; buenas noches, Paraguay; buenas noches, Latinoamérica”, saludó Mario Teruel, quien fue el que mayormente interactuó con el público a lo largo del concierto.

“¡Qué alegría estar en esta tierra bendita donde hace tanto tiempo llegamos con nuestras canciones. Acá comenzamos a sentirnos artistas internacionales", agregó el cantante.

También destacó el estrecho vínculo entre ambos países recordando que a través de artistas como Los Chalchaleros y Los Fronterizos crecieron escuchando guaranias y otras expresiones de la música paraguaya.

Dando paso a una “zamba bien salteña” llegó el turno de “Me enamoré de una zamba”, seguida por la rítmica chacarera “Boquita de luna”.

“Movimiento de amor”, “Ausencia” también marcaron este recorrido musical de Los Nocheros, así como la animada “Las moras” y “Déjame que me vaya”.

Mario recordó que hace un año grabaron una zamba que ya conocían de hace mucho. Pero, cuando Rubén fue a hacer una colaboración para un disco en homenaje a Horacio Guarany, se enteró que el reconocido músico y compositor había creado esta canción pensando en Los Nocheros.

Así fue la introducción de la zamba “El amor es un viento que regresa”, que fue recibida con aplausos por el público.

“Es increíble que nosotros hemos comenzado a cantar canciones como jugando. Nunca hemos imaginado que nos iban a pasar cosas tan lindas”, reflexionó Mario Teruel, agradeciendo a Dios y a la gente por esta trayectoria.

Entrando en un segmento más romántico, la agrupación presentó “En suspenso”, “Del gris al azul” y la animada “Vuela una lágrima”, que puso al público a bailar en sus asientos.

Las exitosas baladas “Canción del adiós” y “Roja boca” también resonaron en la noche asuncena, siendo ampliamente coreadas por el público. Tampoco faltó “Entre la tierra y el cielo”, otro de los grandes éxitos del grupo.

Tras interpretar la animada “Solo pa’ bailarla”, Mario Teruel fue presentando a todos los integrantes de la banda y los coristas que los acompañan.

En los coros están Ania Banchig, Florencia Carmona y Santino Moreno Teruel, quien también toca la guitarra. En la guitarra eléctrica estuvo Tomi Fontanessi, Palín Sosa en la batería, Ramón Vivas en el bajo y Germán Mercado en el teclado y los arreglos.

La banda le otorga a Los Nocheros un sonido con toques más pop o rock, sin perder la esencia folclórica que caracteriza al trío, que se destaca por sus armonías vocales y en el que las voces de Rubén y Álvaro también sobresalen en sus momentos como solistas.

La balada “Sin principio ni final”, compuesta por especialmente por Abel Pintos para el grupo, también estuvo presente en esta celebración, así como otro gran éxito de estas cuatro décadas: la balada “No saber de ti”.

El “Vino nochero” levantó el espíritu con su ritmo, al cual le siguió “A don Ata”, con algunos pañuelos o sacos siendo revoleados desde la platea.

“Tómame” también resonó en el Gran Teatro del BCP, mientras una introducción con guitarra eléctrica y coros marcó el inicio de “Materia pendiente”, que el público acompañó agitando los brazos.

“Paraguay querido, gracias por acompañarnos en estos festejos tan bonitos”, exclamaron sobre el cierre del show. El público aplaudiendo de pie pidió más y así llegaron las animadas “Chacarera del rancho” y “El humahuaqueño” para cerrar la fiesta.

Voces de Asunción, clásicos para abrir la velada

El grupo Voces de Asunción abrió la velada ofreciendo una selección de clásicos de la música paraguaya e internacional. El repertorio incluyó temas como la guarania “Regalo de amor”, las baladas “Abrázame” y “Hoy tengo ganas de ti”, pasando por el chamamé “Oración del remanso” y concluyó con la polca “Chokokue kéra yvoty”

El grupo recibió con aplausos la propuesta del grupo vocal paraguayo, que se destacó con sus arreglos vocales y celebró la posibilidad de estar en dicho teatro.

En esta exposición se podrán encontrar los trabajos en distintas técnicas visuales, en el marco de una velada en la que el arte y el café de especialidad se encontrarán en un mismo espacio.

Los artistas que serán parte de esta exposición, que se podrá visitar con acceso libre y gratuito, son:

• Bel Piris
• Chebo González
• Evelyn Barrios
• Johana Gómez
• LatidoSur
• Lucio Miranda
• Margot Martí
• Matías Alcaraz
• Yaiza GH
• Juan Carlos Ferrari
• Shirley Sánchez (Tattoo Flash)

Paralelamente, en la Casa Ardissone (25 de mayo 871 e/ Tacuary y Estados Unidos) a las 19:00 se habilitará la muestra “Naturalezas posibles”, con curaduría de Adriana Almada.

En esta muestra se podrán encontrar “cuatro propuestas que, desde lenguajes y procedimientos diferentes, encuentran un elemento en común en la exploración de formas orgánicas”, según detalla el texto de la exposición.

En “Naturalezas posibles” se podrán encontrar las obras de:

• Arbissone (Roque Ardissone y Mauro Arbizza)
• Yuki Hayashi
• Oliviero Rainaldi
• Ingrid Seall

La propuesta de Arbissone consiste en esculturas en bronce y poliresina, mientras que Yuki Hayashi presenta dibujos y pinturas de diversas plantas.

Ingrid Seall presentará obras de cerámica que “hacen del pliegue su motivo principal”, según el texto de la curadora; mientras que Rainaldi explora la figura humana a través de la escultura, el dibujo y la pintura.

“Seguimos Vivas”: un fotolibro recupera la memoria trans y travesti de Paraguay

La coreografía está a cargo de Paola Ferraro, mientras que Mica Martínez, Ilse Riveros, Ruth López, Malu y Florencia Amarilla participan en la performance. El equipo incluye además a Juanchi Franco en las proyecciones; Nicolás Domínguez y Elvis Gauto en video; Fran Villalba en el montaje de sonido; Santi Schaerer en iluminación y sonido; Celeste Prieto en el diseño del afiche, y Silvia Sebilla y Mili Rojas en diseño gráfico, entre otros colaboradores.

La producción cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec), y el respaldo de la California Polytechnic State University (Cal Poly), el Centro de Documentación y Estudios y el Centro Cultural de España en Asunción.

Las infancias detrás de las cifras

Una niña de 15 años, embarazada de siete meses, le contó al fotógrafo y artista visual Luis Vera que le gustaba mirar dibujos animados de princesas. No era una conversación sobre las circunstancias de su embarazo ni sobre la violencia que pudo haber atravesado. Vera la escuchaba hablar de su día a día, de sus gustos y de las pequeñas cosas que forman parte de la vida. Sin embargo, en aquella conversación cotidiana aparecía un contraste difícil de ignorar: seguía siendo una niña, aunque su realidad la hubiera colocado frente a responsabilidades que no le correspondían.

Ese encuentro forma parte del proceso de investigación que Vera desarrolla desde 2018 sobre la maternidad forzada de niñas y adolescentes. Ahora, fragmentos de esas conversaciones, resguardadas para proteger la identidad de sus protagonistas, se integran a “Moratoria revocada”, una obra performática e interdisciplinaria que creó junto con la compositora y artista sonora estadounidense Julie Herndon.

La pieza, subtitulada “25 sueños desgarrados por día”, propone una experiencia en la que confluyen fotografía, videoarte, mapping, iluminación, música en vivo, danza y performance.

El título remite a la moratoria social, ese tiempo que una sociedad concede a niñas, niños y jóvenes para jugar, aprender, explorar su identidad y postergar las responsabilidades adultas. Cuando una niña se ve obligada a asumir la maternidad, esa etapa queda interrumpida. La obra toma esa idea como punto de partida para abordar una problemática que los artistas no pretenden resolver desde el escenario, sino poner frente a la sociedad.

“Nosotros planteamos el problema y lo traemos a la superficie, porque siempre estuvo ahí; no planteamos una solución, buscamos que la sociedad y los profesionales se hagan cargo de ello”, explica Vera. Para el artista, se trata de llamar la atención sobre una realidad que requiere respuestas más allá del ámbito cultural.

Un mosquitero roto y una infancia sin resguardo

Uno de los símbolos centrales de la obra es un mosquitero. Su presencia no es casual, pues Vera recuerda que estos objetos aparecen en su memoria visual desde los años ochenta, cuando fotografiaba sobre la ruta 1, cerca de Itá, donde se exhibían en casas que los fabricaban.

Con el tiempo, la imagen adquirió nuevas resonancias. En “Moratoria revocada”, el mosquitero remite al resguardo, al descanso y a la protección, pero también puede aparecer roto, convertido en una barrera que atrapa o como una estructura que queda sola, marcada por la ausencia.

La metáfora se extiende a todo el lenguaje visual de la instalación. El dolor no se presenta mediante imágenes explícitas de violencia, sino a través de asociaciones, movimientos, sonidos y elementos cotidianos que adquieren nuevos significados. La elección permite abordar un asunto delicado sin convertir los cuerpos de las niñas en imágenes destinadas a provocar impacto.

Cabe resaltar que Vera viene trabajando sobre problemáticas sociales desde hace décadas. En proyectos anteriores abordó las condiciones de vida de comunidades campesinas e indígenas, la situación de las trabajadoras domésticas y la realidad de los pueblos ayoreos en aislamiento voluntario, entre otros temas. En esta ocasión, su investigación sobre el embarazo infantil comenzó a tomar forma escénica a través del movimiento y las imágenes, hasta convertirse en una propuesta que reúne distintas disciplinas.

El encuentro con Herndon abrió un nueva camino para el proyecto: la posibilidad de incorporar el sonido como una forma de escuchar y hacer presentes las historias.

Escuchar también es una forma de dar testimonio

Vera y Herndon se conocieron en una residencia artística en la Cité Internationale des Arts, en París, entre 2021 y 2022, donde compartían el mismo pabellón de talleres. Herndon recuerda que se acercó al estudio del paraguayo y encontró una exposición fotográfica que incluía música, una combinación que despertó su curiosidad.

“Es raro encontrar a un fotógrafo que piense simultáneamente en el sonido y la música”, recuerda la compositora. A partir de entonces comenzaron a intercambiar ideas sobre sus procesos creativos. Tiempo después, Vera le compartió un borrador del proyecto y ambos iniciaron una conversación que se extendió durante meses, con lecturas, referencias e investigaciones sobre una problemática que reconocieron como global.

En la instalación, Herndon trabaja con sonidos acústicos y electrónicos, texturas sutiles, contrastes y registros de voces. Su interés no consiste solamente en acompañar la danza o ilustrar lo que sucede en escena, sino en crear una atmósfera que permita recibir las historias desde otra dimensión.

“El sonido es una manera de observar y de escuchar; es escuchar a través del sonido”, señala. Durante el proceso, investigó cómo las experiencias traumáticas pueden manifestarse en el cuerpo y de qué manera ciertas sensaciones físicas pueden encontrar una expresión sonora.

Las voces de las niñas ocupan un lugar particular en esa composición. Vera cuenta que, durante sus conversaciones, nunca les preguntó por las circunstancias de sus embarazos. Las escuchó hablar de sus rutinas y preferencias, procurando registrar aspectos de sus vidas que no quedaran reducidos a la experiencia de la maternidad.

Para protegerlas, los registros se incorporan de manera fragmentaria y sin revelar sus identidades. Las fotografías exhibidas tampoco corresponden a las mismas niñas cuyas voces se escuchan, una decisión adoptada para evitar su revictimización. Según Vera, el equipo cuenta con autorizaciones legales de sus tutores para el uso de los registros dentro del proyecto.

La compositora entiende su participación como una forma de testimonio. Su trabajo consiste en escuchar, permanecer presente ante esas historias y contribuir a amplificar las voces de las niñas mediante el lenguaje musical.

“Estos problemas no son exclusivos de Paraguay; son globales”, expresa Herndon. La artista considera que reunir distintas perspectivas alrededor de una problemática compartida puede abrir un espacio para la empatía, la reflexión y las preguntas difíciles.

Un espacio sin espectadores

La experiencia que propone “Moratoria revocada” tampoco responde a la disposición habitual de una obra teatral. No hay una distancia convencional entre escenario y platea: quienes ingresan recorren el lugar y pasan a formar parte de la composición espacial.

Vera concibió Espacio E como un entorno en el que artistas y público compartieran un mismo plano. La decisión tiene una intención conceptual, el de señalar que la problemática no sucede en un lugar ajeno a la sociedad, sino que interpela a quienes conviven con ella. “Es una metáfora del tema: todos somos responsables y estamos metidos en lo mismo”, explica.

La obra se desarrolla en tiempo real. Los movimientos de las intérpretes, la música, las proyecciones y los cambios de intensidad construyen una composición que se transforma a medida que sucede.

La producción reúne además a un equipo de colaboradores paraguayos en las áreas de video, proyecciones, montaje sonoro, iluminación y diseño. Para Vera, esa dimensión colectiva fue fundamental para concretar una obra construida a lo largo de varios años.

Herndon llegó a Asunción para sumarse a los ensayos presenciales, una instancia que considera decisiva. Aunque conocía el proyecto a través de los materiales audiovisuales que le enviaba Vera, encontrarse en el espacio con las intérpretes y trabajar directamente con la coreógrafa le permitió comprender cómo podían integrarse los distintos elementos.

El arte como vehículo de expresión

La colaboración también plantea preguntas sobre el lugar del arte ante los conflictos de su tiempo. Vera defiende la libertad de cada creador para elegir sus preocupaciones, pero considera que el trabajo artístico puede contribuir a abrir espacios de discusión. “Como artistas no podemos abarcarlo todo, pero elegimos causas que nos conmueven o preocupan”, sostiene. En su caso, prefiere trabajar con problemáticas colectivas y recurrir a lenguajes contemporáneos que permitan acercarlas a espacios donde habitualmente no se debaten.

Herndon coincide en que el arte puede contribuir a poner determinados asuntos en el centro de la conversación pública, sin pretender reemplazar el trabajo de quienes los investigan o buscan soluciones. “Como artistas tenemos opiniones personales, pero no pretendemos imponer diagnósticos culturales absolutos. Sin embargo, al sumarnos a un proyecto como este, elegimos orientar la atención y la energía hacia un tema que merece ser escuchado”, señala. Para la compositora, se trata de generar una reflexión colectiva que conecte lo local con lo global.

Esa apertura también forma parte de la invitación que ambos hacen al público. La propuesta se puede experimentar desde distintos lugares: a través de la fotografía, el movimiento, la música, las luces y las proyecciones, pero también desde las preguntas que surgen al encontrarse con la problemática que atraviesa la obra.

Consultada sobre cómo animaría a la gente a vivir esta experiencia, Herndon responde: “Yo diría que no será como cualquier cosa a la que han ido antes y que deberían venir con una mente abierta y un corazón abierto para experimentar algo único”.

Proyecto busca “sembrar cuentos” en el Chaco para revitalizar historias de las comunidades

A través de fotografías, relatos y recuerdos, el material recupera las trayectorias de quienes precedieron a las generaciones actuales y dejaron huellas en la historia de esta comunidad. La propuesta apunta a conservar testimonios de vidas que han permanecido históricamente invisibilizadas y a generar un espacio de reconocimiento para quienes contribuyeron a abrir caminos en Paraguay.

El título “Seguimos Vivas” expresa el carácter colectivo y político de esta iniciativa, que plantea la importancia de preservar las memorias trans y travestis como parte de la historia paraguaya. La publicación busca, además, propiciar un encuentro entre generaciones y contribuir a la transmisión de estas experiencias hacia el futuro.

El lanzamiento se realizará a las 19:00 en El Estero Cultural, con una convocatoria abierta al encuentro y al intercambio de memorias en torno a las historias reunidas en el fotolibro.

Esta actividad es coordinada por el Colectivo de Arte y Educación Artesanas de la Palabra. Asimismo, cuenta con el respaldo financiero del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (FONDEC) y recibe el acompañamiento de la Red de Gestores Culturales del Chaco Paraguayo junto al Centro Cultural Melodía.

Su objetivo central se focaliza en el rescate de la memoria oral territorial, la mejora de la expresión oral y la mediación de lectura mediante técnicas de la narración oral escénica como recurso pedagógico comunitario. El programa se desarrolla bajo un formato híbrido que integra clases virtuales y dos jornadas presenciales, uniendo teoría, práctica e investigación con enfoques de psicología evolutiva y artes escénicas.

Más allá del aprendizaje técnico de la narración, la propuesta busca consolidarse como un medio de salvaguardia del patrimonio inmaterial a través de la formación de mediadores culturales en la región. De este modo, la “oralitura” permite poner en valor la identidad chaqueña y dotar a los participantes de estrategias para recopilar y difundir los relatos de su entorno.

Pilar: se inaugura la V Feria Nacional del Libro con homenaje al idioma guaraní

Rescatar la voz de las comunidades

Desde la perspectiva de los organizadores, representados por Félix Fariña, la iniciativa constituye una oportunidad crucial para rescatar la voz de las comunidades y tender puentes generacionales. El propósito fundamental expresado por la Red es evitar la pérdida del patrimonio oral, logrando que los relatos permanezcan vivos y fortalezcan el sentido de pertenencia regional.

El programa promueve la idea de que todas las personas poseen relatos valiosos, necesitando únicamente de un espacio y la orientación adecuada para expresarlos. Al respecto, el docente e investigador Jorge Brítez (Maestro del Arte 2024) destaca el valor integrador del cuento como reflejo identitario e invita a la población a perder el miedo a narrar sus vivencias.

En lo relativo a los datos prácticos, el primer encuentro virtual se transmitirá vía Google Meet este viernes de 19:00 a 21:00 horas. Quienes deseen participar deben realizar una preinscripción previa a través de un formulario digital habilitado, teniendo la opción de contactar a la organización para mayor información. La preinscripción: https://forms.gle/aCoau1DPJgCGT1tK9

Finalmente, el Colectivo Artesanas de la Palabra, gestor de la idea, cuenta con una trayectoria desde 2010 en la promoción de la narración oral escénica en Paraguay. Su labor previa abarca diplomaturas, proyectos premiados por la OEI, la organización de bienales y encuentros internacionales, así como ciclos culturales y de arte social.

Organizaciones culturales piden a la SNC mayor participación en la organización del MICSUR

La música de la cantante paraguaya Sol Gómez, entre las nominadas de la escena independiente argentina

Flou celebra los 20 años de “Tácito”

Flou celebrará dos décadas de “Tácito”, su segundo álbum de estudio, con un concierto este sábado 17 de octubre, a las 19:30, en la Sala García Lorca del Centro Cultural Manzana de la Rivera (Ayolas esq. Benjamín Constant).

Publicado en 2006, el material forma parte de la trayectoria de una de las bandas que han marcado el desarrollo del rock paraguayo. La presentación propone volver sobre las canciones de aquel trabajo y reencontrarse con el público que ha acompañado al grupo a lo largo de los años.

La apertura estará a cargo de La Sal de la Tierra. Las entradas cuestan G. 105.000 y están disponibles en Tuti. Como parte de la iniciativa solidaria vinculada al concierto, se recibirán alimentos no perecederos a beneficio de la Fundación Dequení.

The Missing Peace trae su rock alternativo a Asunción

Desde Estados Unidos llegará The Missing Peace, agrupación que forma parte de la escena alternativa del área metropolitana de Washington D. C. El quinteto se presentará este sábado 17, a las 20:00, en Absoluto Rock Bar, ubicado en Herrera 875, como parte de su gira sudamericana “Buscando La Paz”.

Su propuesta cruza la carga emocional del indie rock con la intensidad del post-hardcore y el punk, en un sonido que también incorpora elementos del shoegaze. El recorrido por Sudamérica marca su primera visita a la región y contempla dos fechas en Paraguay: la de Asunción y otra prevista para el domingo 18 en Caaguazú.

La presentación en la capital contará con dos proyectos locales. Mi Sueño Póstumo, banda paraguaya de shoegaze queer, compartirá escenario con Chicoplastic, propuesta que cruza el noise, el post-hardcore y el rock progresivo.

Las entradas para el concierto en Asunción cuestan G. 44.000 y se pueden adquirir a través de Tuti.

Sukeban presenta “Un golpe tras otro”

Este viernes 16 Sukeban presentará oficialmente su EP “Un golpe tras otro” en Hopping Bar (Chile esquina Rodríguez de Francia), en Asunción. Las puertas abrirán a las 21:00 y Mushroomcloud será la banda invitada, con su propuesta de rock psicodélico y stoner.

Las canciones recorren temas políticos y sociales, desde los cambios en las relaciones de poder a escala mundial hasta las transformaciones de Asunción. La propuesta combina la sátira con una mirada crítica sobre el presente y el entorno cotidiano.

Integrada por Alejandro Servián en guitarra y voz, Luisfer Torres en bajo y voz, Liz Orué en batería y Christopher Mayeregger en guitarra, Sukeban también repasará temas de sus anteriores EP, “Petrocalipsis” (2023) y “Exorbitante” (2024).

Las entradas anticipadas cuestan G. 30.000 y las disponibles en puerta, G. 40.000.

The Crayolas y 411Y, en una jornada gratuita

El Centro Cultural de España Juan de Salazar (Tacuary c/ Herrera) celebrará su 50º aniversario con “Nuestro barrio galáctico”, una jornada de puertas abiertas que se desarrollará este sábado 17 de octubre desde las 10:00 y combinará actividades culturales con música en vivo.

La programación musical comenzará a las 16:00 sobre la calle Tacuary, con el DJ Il Ragazzo. A las 19:30, el escenario del patio del centro cultural recibirá a 411Y, artista que transita entre el pop, el R&B, el trap, el UK garage y la electrónica experimental.

A las 20:30 será el turno de The Crayolas, banda paraguaya formada en Asunción en 2016. Su propuesta combina indie rock, dream pop, post-punk, psicodelia y electrónica, con una identidad visual que acompaña su búsqueda sonora.

La jornada forma parte de las actividades del Mes de España y se extenderá hacia el espacio público para propiciar un encuentro entre artistas, vecinos y visitantes. El acceso será libre y gratuito.

Ignition reúne a diez proyectos emergentes

Los World Skate Games Asunción 2026 también tendrán un escenario para la música paraguaya emergente. Este sábado 17 se realizará el festival Ignition en el predio del Comité Olímpico Paraguayo, con diez artistas y agrupaciones seleccionados mediante una convocatoria nacional impulsada por la Secretaría Nacional de Cultura.

La programación se dividirá en dos bloques. Desde las 10:00 actuarán Sari Carri, Novique MC, Enas, MOBB y A Días de Júpiter, con presentaciones previstas hasta las 14:45.

La actividad se reanudará a las 20:00 con Passiflorx, El Ojo de Orión, Becasina y Aliados Reggae. Esa Onda cerrará el encuentro con una presentación ya en la madrugada del domingo 18.

El festival busca dar visibilidad a proyectos locales y acercar sus repertorios a públicos diversos, en el contexto de una competencia internacional dedicada a los deportes sobre ruedas. La entrada será libre y gratuita.

Burger Fest suma conciertos a su propuesta gastronómica

El Burger Fest se realizará este sábado 17 y domingo 18 de octubre, de 11:00 a 23:00, en el Complejo Barrail de la Costanera de Asunción. El encuentro, dedicado a las hamburguesas artesanales, fue reprogramado por las condiciones climáticas previstas para sus fechas originales.

Además de la oferta gastronómica, el festival incluirá música en vivo durante las dos jornadas. El sábado actuarán Mente Nativa, durante el atardecer, y Nati Doljak, por la noche. El domingo se presentará Camila González durante el día, mientras que The Kilks tendrá a su cargo el cierre musical.

Las entradas generales cuestan G. 49.500 en puerta. El evento también contempla propuestas recreativas y espacios destinados a las familias.

Mauri Bauzá presenta “Íntimamente”

El cantante Mauri Bauzá ofrecerá el espectáculo “Íntimamente” este sábado 17 de octubre, a las 20:00, en el Teatro Latino (Tte. Fariña c/ Iturbe).

La propuesta se presenta como una velada centrada en la música y la interpretación, con una puesta orientada a generar un encuentro cercano con el público. Para asistir, las entradas están disponibles a través de Ticketea, con precios de G. 110.000 para el sector VIP, G. 85.000 para generales y G. 65.000 para platea alta.

“Sábados de drama y terror paraguayo” en Cine de Barrio: estas son las películas del ciclo

El gran Gatsby

Una nueva mirada escénica a la clásica novela de F. Scott Fitzgerald. Ambientada en Nueva York de 1920, la historia sigue al excéntrico millonario Jay Gatsby, quien organiza lujosas fiestas para reencontrarse con Daisy, el gran amor de su pasado. Detrás del brillo se esconde la obsesión por recuperar un pasado que ya no existe.

• Lugar: Teatro de las Américas del CCPA (José Berges c/ Estados Unidos)
• Adaptación y dirección: Bruma Mendoza
• Actúan: Bicho Acosta, Jonathan Trinidad, Zunny Echagüe, Giuseppe Rossi, Bianca Domínguez, Junior Martínez, Samantha Pioget, Divi Ledesma, Katy Hetter y Meg Ávalos.
• Funciones: Viernes 16 y sábado 17 a las 20:00
• Entradas: Anticipadas a G. 50.000 y, en puerta, G. 70.000.

Dispositivos vinculados

Propuesta de teatro experimental, resultante de un laboratorio denominado SIGILAB. La puesta aborda cómo las personas se relacionan en un entorno atravesado por pantallas.

• Lugar: Casa Sigilos (Palma 751)
• Idea y dirección: Julio Romero
• Co-dirección: Natalia Tibiletti
• Actúan: Sol Mazacote, Grecia Fernández, Ovidio Cabrera, Rafael Cantalppi, Anchi Flores, Claudio Orrego y Natalia Tibiletti.
• Funciones: Viernes 16 a las 20:30 y domingo 18 a las 20:00.
• Entradas: G. 85.000 para la Comunidad Sigilos y G. 100.000 para el público en general.

Nadie vuelve porque sí

El día del estreno de “Volver”, de Pedro Almodóvar, Agustina permanece voluntariamente aislada en su casa, refugiada en sus recuerdos y en su fascinación por el cine. Intenta recomponerse de la muerte de Tobías, su compañero y el amor de su vida, hasta que sucede aquello que tantas veces deseó: Tobías regresa. Aunque no exactamente como ella lo había imaginado.

• Lugar: Arlequín Teatro (Antequera 1061 c/ Tte. Fariña)
• Libreto: Guillermo Hermida
• Dirección: Jorge Báez
• Actúan: Sonia Amarilla, Fran Gubetich, Fabu Olmedo y Mauri Martínez.
• Funciones: Viernes 16 y sábado 17 a las 21:00, domingo 18 a las 20:00.
• Entradas: G. 80.000 en Ticketea

Terapia de parejas

¿Qué pasa cuando las parejas que llevan años juntas descubre que, en realidad, ya no se conocen?: Laura y Martín llegan al consultorio de la excéntrica Dra. Vega intentando salvar una relación llena de discusiones, celos, redes sociales y reproches. Pero no son los únicos: Mónica y Beto, otra pareja con una forma muy particular de quererse, también llegan buscando respuestas... aunque parecen necesitar más paciencia que terapia.

• Lugar: Teatro Casa Mayor (Malutín c/ Guido Spano)
• Libreto: Andrea Sánchez
• Dirección: Cyn Dávalos
• Actúan: Inocencia Fernandez, Joel Venialgo, Juan Reyes, Romi López, Marce Lamas, Marcos González  Teresa Barriocanal.
• Funciones: Sábado 17 a las 20:30 y domingo 18 a las 20:00.
• Entradas: G. 80.000 en puerta

Mamíssima

Nuevo unipersonal de humor de Lali González en el que aborda diversas situaciones acerca de la maternidad, sin filtros. Los grupos de WhatsApp del colegio, las fiestas de 15 años, las exigencias familiares y más serán parte de este show que combinará stand up con audiovisual.

• Lugar: Sala 5 del Cine Villamorra (Mcal. López y Charles de Gaulle)
• Funciones: Viernes 16 y sábado 17 a las 21:00 y domingo 18 a las 20:00
• Entradas: Ticketea a G. 120.000

Psicópata

Entre risas, escalofríos y confesiones, un asesino serial expone su infancia, sus crímenes y la forma en que su historia fue “robada” por una plataforma de streaming.

• Lugar: TIAtro (Avda. España 611 c/ San José)
• Libreto: Fernando Schmidt
• Dirección: Marcela Gilabert
• Actúa: Ariel Galeano
• Función: Viernes 16 a las 21:00
• Entradas: G. 80.000 en puerta

1. Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)

Año: 1922

Director: F.W. Murnau

Actores: Max Schreck, Gustav von Wangenheim, Greta Schröder

Trama: En 1838, el joven agente inmobiliario Thomas Hutter viaja a los Cárpatos para cerrar la venta de una propiedad en Transilvania con el misterioso conde Orlok. Pronto descubre que su anfitrión es un vampiro centenario que desata una plaga de peste mortal en la ciudad de Wisborg y fija su macabra obsesión en Ellen, la esposa de Hutter.

Por qué es icónica: Es la piedra angular del cine de terror expresionista alemán y la adaptación no autorizada definitiva de Drácula de Bram Stoker. La imponente y grotesca silueta de Max Schreck como el conde Orlok estableció la imagen clásica del vampiro como una criatura monstruosa y repulsiva, alejándolo del aristócrata seductor, y definió la estética de las sombras y el horror visual.

Nuevas versiones:

• Nosferatu (1979): Una aclamada versión dirigida por Werner Herzog y protagonizada por Klaus Kinski e Isabelle Adjani, que rinde tributo formal al clásico mudo aportando un toque profundamente melancólico y operístico.
• Nosferatu (2024): Dirigida por Robert Eggers y protagonizada por Bill Skarsgård, Lily-Rose Depp y Nicholas Hoult, una reinterpretación moderna con el sello visual oscuro y atmosférico característico del director.

Plataformas para ver: Disponible en diversas plataformas de cine independiente y archivos de dominio público digital.

2. Psicosis (Psycho)

Año: 1960

Director: Alfred Hitchcock

Actores: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin

Trama: Marion Crane, una secretaria que huye tras robar cuarenta mil dólares a su jefe para comenzar una nueva vida, llega de noche a un solitario motel de carretera regentado por el tímido y sumiso Norman Bates, quien vive bajo la sombra y el control asfixiante de su dominante madre.

Por qué es icónica: Rompió con todas las convenciones de Hollywood al matar a su protagonista a mitad de la trama y revolucionó el género con su uso pionero del montaje, la música de cuerdas de Bernard Herrmann y el suspenso psicológico. Además, desafió la censura de la época y redefinió la figura del asesino en serie cinematográfico.

Nuevas versiones:

• Psycho (1998): Un inusual remake plano por plano dirigido por Gus Van Sant, protagonizado por Vince Vaughn como Norman Bates y Anne Heche, rodado íntegramente a color como un ejercicio cinematográfico experimental.
• Bates Motel (2013-2017): Una exitosa serie de televisión precuela protagonizada por Freddie Highmore y Vera Farmiga, que explora en profundidad la compleja relación psicosocial entre Norman y su madre durante su adolescencia.
• Plataformas para ver: Movistar Plus+, Apple TV (alquiler digital).

Halloween: 5 sagas más icónicas del cine de terror

3. El bebé de Rosemary (Rosemary’s Baby)

Año: 1968

Director: Roman Polanski

Actores: Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer

Trama: Rosemary y su esposo Guy, un actor ambicioso, se mudan a un imponente y antiguo edificio en Nueva York conocido por su oscura reputación. Tras quedar embarazada, Rosemary comienza a sufrir extraños dolores y visiones perturbadoras, mientras desarrolla la creciente sospecha de que sus extraños y entrometidos vecinos vecinos ancianos tienen planes siniestros y satánicos para su futuro hijo.

Por qué es icónica: Es una de las obras maestras absolutas del terror psicológico y el cine de paranoia urbana. Polanski construyó una atmósfera asfixiante donde el verdadero horror reside en la duda sobre si el mundo conspira contra la protagonista o si todo es producto de su mente, consolidando el subgénero de maternidad maldita y culto satánico.

Nuevas versiones:

• Rosemary’s Baby (Miniserie, 2014): Una adaptación televisiva de dos episodios protagonizada por Zoe Saldana y Patrick J. Adams, trasladando la trama al París contemporáneo.
• Apartment 7A (2024): Una precuela cinematográfica estrenada en Paramount+ dirigida por Natalie Erika James y protagonizada por Julia Garner, centrada en los oscuros sucesos del edificio Bramford justo antes de la llegada de Rosemary.

Plataformas para ver: Paramount+, Apple TV (alquiler digital).

4. El exorcista (The Exorcist)

Año: 1973

Director: William Friedkin

Actores: Linda Blair, Ellen Burstyn, Max von Sydow, Jason Miller

Trama: Regan, la hija de doce años de una famosa actriz, comienza a experimentar cambios físicos y de personalidad inexplicables, profiriendo insultos blasfemos y levitando. Desesperada tras el fracaso de la ciencia médica, su madre recurre a la Iglesia católica, obligando a dos sacerdotes a librar un peligroso combate espiritual contra una entidad demoníaca.

Por qué es icónica: Considerada por muchos la película más aterradora de la historia, llevó el terror sobrenatural al mainstream con un nivel de realismo y crudeza inéditos. Sus impactantes efectos prácticos, el diseño de sonido y las transgresoras imágenes de posesión causaron desmayos masivos en los cines y marcaron un antes y un después en las películas de temática satánica.

Nuevas versiones:

• El exorcista: Creyentes (The Exorcist: Believer, 2023): Una secuela directa dirigida por David Gordon Green que trae de regreso a Ellen Burstyn, buscando iniciar una nueva trilogía centrada en posesiones múltiples en la actualidad.

Plataformas para ver: Max, Amazon Prime Video.

5. La masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre)

Año: 1974

Director: Tobe Hooper

Actores: Marilyn Burns, Gunnar Hansen, Edwin Neal, Allen Danziger

Trama: Un grupo de jóvenes amigos viaja en furgoneta por las carreteras secundarias de Texas para visitar la tumba del abuelo de dos de ellos. En el camino recogen a un extraño autoestopista desquiciado y terminan cayendo en las garras de una familia de sádicos asesinos caníbales liderados por Leatherface, un gigante enmascarado con una motosierra.

Por qué es icónica: Redefinió el cine slasher y las películas de terror independientes con una estética de falso documental y un realismo hiperviolento y sofocante. La creación de Leatherface y su familia de caníbales rurales introdujo el terror visceral y la sensación de peligro ineludible bajo el sol abrasador de Texas.

Nuevas versiones:

• Ha generado una extensa franquicia con numerosas secuelas, precuelas y remakes, destacando la versión de 2003 dirigida por Marcus Nispel y protagonizada por Jessica Biel, además de la cinta secuela lanzada en Netflix en 2022.

Plataformas para ver: Prime Video, Apple TV.

6. Halloween: La noche de los monstruos (Halloween)

Año: 1978

Director: John Carpenter

Actores: Jamie Lee Curtis, Donald Pleasence, Nick Castle

Trama: Durante la noche de Halloween de 1963, un niño de seis años llamado Michael Myers asesina brutalmente a su hermana mayor y es internado en un sanatorio psiquiátrico. Quince años después, logra escapar la noche previa a Halloween y regresa a su tranquilo pueblo natal de Haddonfield para acechar a una joven niñera y a sus amigos.

Por qué es icónica: Sentó las reglas definitivas del subgénero slasher moderno: el asesino enmascarado e implacable (Michael Myers), el arquetipo de la “final girl” interpretado por Jamie Lee Curtis, y una partitura musical minimalista y obsesiva compuesta por el propio director que aumentó la tensión a niveles insospechados.

Nuevas versiones:

• Halloween (2007): Un violento remake y reinterpretación de los orígenes dirigido por Rob Zombie.
• Trilogía secuela moderna (2018-2022): Iniciada por David Gordon Green con Halloween (2018), seguida de Halloween Kills (2021) y Halloween Ends (2022), la cual ignoró todas las secuelas anteriores para ofrecer un cierre directo al enfrentamiento entre Laurie Strode y Michael Myers 40 años después.

Plataformas para ver: Filmin, Apple TV (alquiler digital).

Del papel a la pantalla: las adaptaciones icónicas de Stephen King

7. El resplandor (The Shining)

Año: 1980

Director: Stanley Kubrick

Actores: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers

Trama: Jack Torrance acepta un empleo como cuidador de invierno en el aislado Hotel Overlook junto a su esposa Wendy y su hijo Danny, quien posee un don psíquico llamado “resplandor”. A medida que la nieve los corta por completo del exterior, las fuerzas malévolas del hotel corrompen la mente de Jack, empujándolo a una espiral de locura asesina contra su propia familia.

Por qué es icónica: Una obra maestra del terror psicológico visual y espacial. Kubrick transformó una novela de fantasmas en un estudio claustrofóbico sobre la locura, la culpa y la violencia doméstica en el Hotel Overlook, utilizando innovadores planos cenitales con la entonces revolucionaria cámara Steadicam e imágenes icónicas que ya forman parte de la cultura pop global.

Nuevas versiones:

• El resplandor (Miniserie, 1997): Escrita por el propio Stephen King y dirigida por Mick Garris para televisión, creada con el propósito explícito de ser una adaptación completamente fiel a la novela original.
• Doctor Sueño (Doctor Sleep, 2019): Dirigida por Mike Flanagan, funciona tanto como secuela directa de la película de Kubrick como adaptación de la novela homónima de King, siguiendo a un adulto Danny Torrance.

Plataformas para ver: Max, Amazon Prime Video.

8. Poltergeist: Juegos diabólicos (Poltergeist)

Año: 1982

Director: Tobe Hooper (con fuerte autoría de producción y guion de Steven Spielberg)

Actores: JoBeth Williams, Craig T. Nelson, Heather O’Rourke, Beatrice Straight

Trama: La apacible vida de una familia americana de clase media se ve alterada cuando fenómenos extraños comienzan a suceder en su casa: los muebles se mueven solos y objetos cotidianos cobran vida. La situación se vuelve aterradora cuando una fuerza maligna secuestra a la hija menor a través del televisor, obligando a sus padres a buscar ayuda paranormal.

Por qué es icónica: Logró fusionar el terror sobrenatural de casas encantadas con la entrañable estética suburbana estadounidense de los años ochenta. La escena del televisor estático y la entrañable pero trágica figura de la pequeña Carol Anne elevaron al filme a la categoría de clásico intergeneracional del terror comercial.

Nuevas versiones:

• Poltergeist (2015): Un remake moderno dirigido por Gil Kenan y producido por Sam Raimi, adaptando los terrores paranormales a la era de las pantallas planas y los dispositivos digitales actuales.

Plataformas para ver: Netflix, Apple TV.

9. Chucky: El muñeco diabólico

Año: 1988

Director: Tom Holland (reconocido director de cine fantástico y de terror de los 80)

Actores: Catherine Hicks, Chris Sarandon, Alex Vincent, Brad Dourif (voz)

Trama: Antes de morir a manos de la policía en una juguetería, un sádico asesino en serie utiliza un ritual vudú para transferir su alma a un popular muñeco de moda llamado “Good Guy”. El juguete es comprado como regalo de cumpleaños para el pequeño Andy, desatando una ola de crímenes sangrientos de los que nadie cree responsable al inocente muñeco.

Por qué es icónica: Tomó un concepto aparentemente absurdo —un muñeco infantil poseído por el alma de un asesino en serie mediante magia vudú— y lo convirtió en un thriller de terror frenético y sumamente efectivo. Dio origen a una de las franquicias más longevas, influyentes y con mayor toque de humor negro del cine fantástico.

Nuevas versiones:

• Child’s Play (El muñeco diabólico, 2019): Un remake dirigido por Lars Klevberg que reinventa a Chucky no como un asesino poseído por magia vudú, sino como un juguete tecnológico de alta gama con inteligencia artificial alterada.
• Chucky (Serie de TV, 2021-2024): Creada por Don Mancini (el guionista original de la saga), es una exitosa continuación directa de las películas clásicas que expande el canon con múltiples temporadas.

Plataformas para ver: Prime Video, Apple TV (alquiler digital).