Kevin Johansen y Liniers: una forma de estar juntos en tiempos de inteligencia artificial

Bajo la dirección de Marcelo Martinessi, la película se sumerge en la Asunción de fines de la década del 50 para narrar la historia de Narciso Arévalos, un joven cuya vitalidad y conexión con el rock and roll se ven truncadas por una muerte rodeada de silencios.

Basada en la novela homónima de Guido Rodríguez Alcalá, inspirada a su vez en el asesinato del locutor Bernardo Aranda, ocurrido en 1959, la cinta utiliza este caso para explorar las tensiones de una sociedad bajo el inicio de la dictadura de Stroessner, convirtiendo un episodio real en una reflexión universal sobre la represión y el deseo.

La piel de la memoria

Para el equipo actoral, participar en Narciso supuso un viaje de ida y vuelta entre la ficción y la realidad paraguaya. El hilo conductor de sus testimonios deja en claro que la película es necesaria porque el pasado no ha terminado de pasar.

Las actrices Natalia Cálcena y Belén Vierci coinciden en que la rigurosidad estética es el primer puente hacia esa memoria. “Es un ambiente exacto de cómo se vivía; hubo casi cuatro años de investigación”, señala Cálcena, destacando la labor de dirección de arte de Carlo Spatuzza. Para Vierci, esa precisión permite comparar comportamientos sociales: “Aunque cambió la forma, se mantienen conductas como la falta de libertad. El núcleo de la película es mostrar mundos que se conocen poco, como el del radioteatro, vital para la sociedad de entonces”.

Ese reconocimiento del presente en el espejo de 1959 es una constante. Aníbal Ortiz observa con preocupación que muchas de las cosas que pasan en la película “siguen reflejadas hoy en día”. Para Ortiz, la película es un aporte urgente a la educación: “La cultura es evolución, y en Paraguay todavía nos falta mucho camino”. Maca Candia amplía esta visión hacia una escala regional: “Es importante preguntarnos cómo estamos hoy. Latinoamérica entera se va a sentir identificada porque estos ciclos se repiten”.

Desde la perspectiva de las nuevas generaciones, Florencia Boccia destaca el papel de la empatía. “Para los más jóvenes, que solo escuchamos estas historias por la familia, la película es un ejercicio de memoria a través de la empatía con personajes que buscan su libertad”, explica.

Finalmente, Diro Romero, quien encarna al carismático Narciso, resume el dilema ético que la película plantea al espectador: “¿Dónde estamos posicionados nosotros? ¿Somos Narciso buscando libertad? ¿Somos Goya queriendo mantener el orden? ¿O somos Lulú, viviendo una vida falsa por presión social?”. Para Romero, el ejercicio que propone el filme es el de la identificación: “Todos tenemos algo de Narciso: todos queremos ser quienes somos”.

El andamiaje del sueño

Detrás de la potencia emocional de las actuaciones, se encuentra una estructura de producción que desafía los límites del mercado local. Sebastián Peña, productor general, define el cine paraguayo como una gesta de “caraduras”.

“Si esperáramos a que se den las condiciones, nunca se haría nada”, afirma Peña. Narciso es una coproducción de siete países, una arquitectura administrativa incluso más compleja que la de Las Herederas. Según el productor, esta internacionalización no es solo financiera, sino creativa: “Cada país aporta profesionales que suman capas narrativas y operacionales, logrando un proyecto sólido que pudo desembarcar con fuerza en la Berlinale y ahora en Paraguay”.

Sin embargo, Peña nota un cambio de paradigma en las políticas públicas y el sector privado. “Hoy tenemos un Instituto Nacional de Cine por el cual peleamos décadas”. Entonces para él el mensaje para el sector empresarial es muy claro: el cine no es solo cultura sino una inversión de posicionamiento nacional. “El cine tiene un retorno enorme para el país, ubicándonos en escenarios internacionales sumamente exigentes”, concluye.

El cine como territorio de memoria

Para cerrar este recorrido, es fundamental acudir a la visión de quien orquestó este universo de sombras y luces. Marcelo Martinessi, quien más que dirigir una película, con ella propone una reflexión sobre cómo habitamos nuestra propia historia. Al consultarle sobre esa dualidad tan palpable en el filme, donde la aparición del rock and roll choca contra la asfixia dictatorial, el director explica que esa fricción ya latía en la novela de Guido Rodríguez Alcalá:

“Por un lado, un orden que comenzaba a endurecerse, a organizarlo todo desde la vigilancia y el control; por otro, un pulso nuevo, una forma distinta de moverse, de desear, de estar en el mundo. Belleza y violencia comparten atmósfera, y más que el encuadre en sí, se disputan todo el campo sensorial. La película nace en esa disputa”.

Martinessi remarca que la llegada del rock and roll en la cinta no es una irrupción ruidosa, sino un proceso más sutil: “(El rock and roll) no irrumpe como una explosión, sino como un temblor. Es algo incipiente, que encuentra pequeñas grietas para manifestarse. Un gesto que no logra desplegarse del todo, porque hay algo alrededor que lo contiene, que lo observa”.

El espejo y la huella

La Asunción de finales de los 50 que retrata Narciso se siente, para muchos, como un reflejo inquietante de la actualidad. Sobre esta conexión entre épocas, Martinessi reflexiona que no buscaba simplemente reconstruir un pasado cerrado, sino rastrear sus huellas:

“Hay algo de ese momento —en apariencia lejano— que sigue vibrando en el presente, como si ciertas formas de poder, de miedo o de silencio no hubieran desaparecido del todo, sino que simplemente hubieran tomado otra forma. [...] La historia del Paraguay nos expone al riesgo de naturalizar formas autoritarias de relacionamiento que se mantienen hasta hoy en los gestos más pequeños, en los vínculos, incluso en las miradas. Y frente a eso, persiste también esa otra fuerza: la necesidad de encontrar espacios de fuga, aunque sean mínimos, aunque sean frágiles. Tal vez por eso la película puede sentirse como ese ‘espejo deformado’ que no nos devuelve una imagen exacta del presente, sino una resonancia. Algo que nos obliga a preguntarnos cuánto de aquello sigue habitándonos, y de qué maneras seguimos negociando —individual y colectivamente— con esas mismas tensiones”.

La construcción del sujeto: vulnerabilidad y silencio

A la hora de trabajar con el elenco y construir la fragilidad que exudan sus protagonistas, el director enfatiza la importancia de proteger lo que cada actor trae consigo.

Respecto a la construcción de los personajes y su labor con Diro Romero, el director expresó: “Para mi trabajo es fundamental cuidar y proteger la fuerza o la vulnerabilidad irrepetible que un actor trae consigo al set. Hay en cada uno de ellos algo orgánico, profundamente personal — tal vez como una memoria — que no se puede fabricar y que es, en definitiva, lo que completa la vida de un personaje, lo que le da una marca de identidad. En ese sentido, preciso estar muy atento a lo que surja de cada intercambio entre actor y director, en ese espacio donde lo escrito (guion, diálogos) se tensa, se desnuda o incluso se contradice. La forma final del personaje siempre está atravesada por las experiencias y las intuiciones de quien lo encarna”.

Asimismo, explicó que no busca “fijar” completamente a los actores, sino “permitir que algo de su incertidumbre permanezca vivo durante el rodaje”. “Porque, en el fondo, esa fragilidad es una forma de estar en el mundo en ese momento. Con Narciso (el personaje) se sumó la complejidad de ser alguien que se va construyendo a partir de las miradas e impresiones de los demás. Creo que para Diro ha sido esencial buscar una forma de habitar esa ‘exposición’ al público, sin perder sus propias inseguridades. Y confiar en que en esa búsqueda —a veces contradictoria— podía aparecer algo muy verdadero, más cercano a la experiencia de alguien que está, justamente, empezando a volverse quien es”, indicó.

La poética de los márgenes: el cine de lo no dicho

A lo largo de su filmografía, desde sus primeros cortometrajes hasta el impacto global de Las Herederas, la cámara de Martinessi parece haber desarrollado una obsesión por lo que queda fuera del encuadre, por los silencios y por aquellas historias que habitan los márgenes de los relatos oficiales.

Al consultarle sobre si su mirada mutó al enfrentarse a una herida tan real de nuestra memoria histórica como la de Narciso, el director ofrece una reflexión que vincula su pasado con este presente:

“A pesar de haber trabajado mayormente en el territorio de la ficción, siempre hay algo documental –visible o no– como punto de partida de cada corto o largometraje que hice (Karai Norte, La Voz Perdida, Las Herederas, entre otros). Y siempre hay una tensión que provoca aquello que los personajes no consiguen expresar. En ese sentido, Narciso no es una excepción, sino una continuidad. No sé si mi mirada mutó tanto como se fue complejizando en el diálogo con otros”.

Martinessi enfatiza que este proceso no es solitario, sino una construcción colectiva donde la sensibilidad de sus colaboradores históricos ha sido determinante para dar forma a la Asunción de 1959, una ciudad de la que existe muy poco registro visual:

“Vengo trabajando desde hace más de dos décadas con el director de arte Carlo Spatuzza y con el director de fotografía Luis Arteaga, y siento que en esta película el aporte de ellos dos ha sido determinante. Había un desafío claro: construir la vida cotidiana de Asunción de finales de los 50. Entonces, abandonamos la ilusión de poder representarla por completo, aceptamos sus vacíos. La película se mueve en ese territorio ambiguo, donde conviven elementos muy materiales, con una dimensión imaginada”.

El regreso a casa

Estrenar en Paraguay otorga a la obra una dimensión distinta, una suerte de “devolución” al lugar donde la historia siempre estuvo latente. Al preguntarle qué desearía que despierte la película en el espectador, Marcelo Martinessi se aleja de las imposiciones y apuesta por el poder de la penumbra:

“Es difícil decirlo, porque una reflexión profunda es siempre un acto muy personal. Y el cine abre camino para pensarnos. Somos testigos de una época saturada de imágenes, donde todo parece estar dicho, mostrado, iluminado hasta el exceso. Yo creo -cada vez más- en una narrativa cinematográfica donde lo que no se ve termina teniendo tanto peso como lo visible. En Narciso hay una obsesión con la oscuridad, entendida como un espacio donde aparecen los miedos (los monstruos) y los deseos de cada personaje, tal vez también los de cada espectador. La oscuridad es, además, en Paraguay, el territorio de la memoria. Narciso es una película que no se impone, sino que se ofrece como una suma de fragmentos de lo real y de lo imaginado”.

Fotos de sesión: Contentlab | Periferia - Dirección: Richard Figueredo - Fotografía: José María Riveros - Asistencia: Aldo Lezcano, Agustín Fernández.

Con un show muy distinto al que ofreció en Paraguay en marzo pasado, Sabrina Carpenter volvió al escenario de Coachella para presentar sus canciones. En un momento del show del viernes comenzó a sonar “Vogue” y Madonna apareció enfundada en un body de encaje y con botas de caño alto.

También interpretaron juntas “Like a Prayer” y una canción que formaría parte del nuevo material de Madonna, “Confessions on a Dance Floor: Part II”, que fue anunciado días pasados y lanzará el próximo 3 de julio.

La “Reina del Pop” agradeció a Carpenter por haberla invitado al show y, luego, rememoró su presentación hace dos décadas en el festival. Afirmó que estaba utilizando las mismas botas, el mismo corset y la misma chaqueta Gucci de aquella vez.

Madonna también habló de astrología y afirmó que es un tiempo de mejorar las habilidades de comunicación e invitando a evitar la confrontación. “Lo bueno de la música es que une a la gente. Es el único lugar donde la gente puede poner sus diferencias a un lado y pasar un buen momento”, indicó.

El show de Sabrina Carpenter también contó con la participación de la actriz Geena Davis, quien interpretó un monólogo; y Terry Crews cantando parte de “A Thousand Miles”, la canción de Vanessa Carlton que interpretó en una emblemática escena de la comedia “¿Y dónde están las rubias?“.

El festival Coachella puede verse en Paraguay a través de YouTube y contará este fin de semana con artistas como Justin Bieber y Karol G.

Este espacio cultural no solamente es fundamental dentro de la escena artística de Asunción, sino que también se ha constituido en el pionero de la Red de Centros Culturales de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). Esta red está actualmente integrada por 14 centros culturales en América Latina y 2 en Guinea Ecuatorial.

Según una nota publicada por Jesús Ruiz Nestosa, en 1996 al cumplirse el vigésimo aniversario del “Juan de Salazar”, el antecedente de este centro cultural fue el Instituto Paraguayo de Cultura Hispánica, cuya sede fue inaugurada en el año 1955, por iniciativa del diplomático español Carlos Fernández Shaw.

Tras regresar a nuestro país luego de casi dos décadas, Fernández Shaw decidió impulsar la creación de un Centro Cultural Español y, en el año 1975, se adquirió la vivienda ubicada sobre la calle Herrera que perteneció a don Manuel Ferreira.

La remodelación de la residencia, en la que también funcionó el Instituto Paraguayo de Cultura Hispánica, estuvo a cargo del artista español Francisco Torné Gavaldá, quien por entonces vivía en Asunción.

La inauguración del Centro Cultural de España “Juan de Salazar”

El 10 de abril de 1976 se realizó una conferencia de prensa en la que se brindó detalles de la inauguración del centro cultural y de su infraestructura.

“En esa ocasión se informó que la casa poseía la sala Menéndez Pidal dedicada a mesas redondas y seminarios, la sala Goya para exposiciones y conferencias, y el Jardín Félix de Azara para actividades al aire libre”, detalla la publicación.

Señala además que para dicho acto, que se celebró el lunes 19 de abril de 1976, se invitó al profesor Juan Ignacio Tena, director general del Instituto de Cultura Hispánica de Madrid. Esta entidad apoyó financieramente la instalación del centro cultural, así como otros aportantes.

El acto inaugural contó con la presencia del entonces presidente de la República Gral. Alfredo Stroessner. En tanto, el entonces canciller Dr. Alberto Nogués, recibió una placa como “miembro de honor” del Instituto de Cultura Hispánica de Madrid.

El himno nacional fue interpretado por la banda de músicos de la Armada Nacional. También se presentó la bailarina Lucena Tena, especializada en el manejo de las castañuelas, acompañada por el guitarrista Félix de Utrera y el cantaor Manolo Mairena, además del maestro José Vives. destacadas figuras del arte español.

“Gráfica y dibujo actual de España” fue la primera exposición que albergó el centro cultural, en su sala Goya. La muestra itinerante, que venía recorriendo ciudades de Latinoamérica, estaba conformada por obras de 19 artistas contemporáneos.

“Paraguay y España se encuentran preparados para dar un largo paso al frente en el campo cultural”, expresó Fernández Shaw en el acto inaugural, según la nota publicada en ABC el 20 de abril de 1976.

Seguramente, en ese entonces Fernández Shaw no imaginó la gran importancia que tendría el “Juan de Salazar”, 50 años después, para artistas, gestores culturales y ciudadanos que encontraron en este lugar y en sus actividades el espacio propicio para desarrollarse.

Eneide Boneu explora la persistencia de las formas, inspirada en el mito de Altea

Monika Schuchardt, una de los doce artistas que representarán a Paraguay en esta edición, destacó la importancia que ha tenido este evento para el rescate de la técnica de la acuarela en nuestro país.

“Hace años ya no se estaba practicando tanto esta técnica. Antiguamente se usaba mucho en la facultad de Arquitectura, todas las perspectivas se hacían con acuarela, se hacía todo a mano”, detalló.

La artista señaló que grandes acuarelistas surgieron en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte (FADA) de la Universidad Nacional de Asunción, pero actualmente las perspectivas se realizan por computadora.

Schuchardt recordó que en el año 2018 había dos talleres, uno en el Instituto Superior de Bellas Artes (ISBA) con Yuki Hayashi que tocaba el tema de la acuarela y otro en el Instituto Superior de Arte (ISA) con Gabriel Brizuela Santomé.

La artista señaló que, a través de Yuki Hayashi, llegó la invitación para que Paraguay sea parte de este festival en Italia en 2019. “En ese momento empezamos a buscar acuarelistas. Desesperante era buscar porque nadie estaba pintando acuarela”, recordó.

Comentó que finalmente se seleccionó a seis artistas y por la cantidad no se pudo contar con un stand propio de Paraguay. Por ello se unieron a los artistas de Ecuador.

Schuchardt recordó que tras esa primera participación en Italia, realizaron en Asunción el primer Salón de la Acuarela en el Centro de Intercambio Paraguay Hokkaido y también una exposición en el Instituto Cultural Paraguayo Alemán (ICPA).

“Desde el 2019 se hace el Salón de la Acuarela, que se hace cada dos años. En los años que no se hace el salón, se hace alguna muestra, alguna muestra temática. El año pasado hicimos, con los Fondos de Cultura, una exposición sobre el Patrimonio Nacional, donde los acuarelistas pintaron sobre lo que se está restaurando ahora”, refirió.

La artista comentó que para esta edición del Fabriano in Acquarello se realizó una convocatoria y un jurado seleccionó diez obras. Además se sumó a la propuesta de Paraguay los trabajos de dos maestros.

En esta edición estarán los trabajos de Ángel Daniel Ayala, Analía Moreno, Diego Schäfer, Ida de los Ríos, Jorge Cardozo De Lamar, Leticia Casati, Magdalena Blanco, María Gloria “Malola” Echauri, Mónica Pávez, Monika Schuchardt, William Paats y Yuki Hayashi.

Schuchardt, quien es líder de la plataforma Paraguay, detalló que el festival reúne a alrededor de 2.000 personas provenientes de 80 países, en su mayoría artistas, por lo que es el mayor encuentro mundial en torno a la acuarela.

Comentó que el encuentro empieza en Bolonia, en un centro de convenciones, con charlas, demostraciones y clases magistrales, salidas para pintar al aire libre (plein air).

“De ahí se pasa a Fabriano que es una ciudad medieval, preciosa”, detalló Schuchardt, quien estuvo anteriormente en el festival. Señaló que aquí se realiza la exposición de las obras y, este año, estará acompañando la exposición la artista y docente Analía Moreno, quien recibió un apoyo de la FADA-UNA para el viaje.

La exhibición se llevará a cabo del 24 de abril al 14 de junio en el Museo della Carta e della Filigrana. En los primeros días también habrá charlas, clases magistrales, demostraciones y una visita a la fábrica de papel Fabriano, uno de los más conocidos para dibujo y acuarela.

“Estamos muy contentos de poder participar otra vez este año”, añadió Schuchardt.

En cuanto a la temática de las obras presentadas, comentó que hay obras inspiradas en la fauna y la flora de Paraguay, también en los sitios patrimoniales y paisajes, y otros elementos representativos del país. Las obras están realizadas sobre papel con un gramaje superior a los 300 gramos.

Impulso y entusiasmo en torno a la acuarela

La artista señaló que este impulso que recibió la técnica de la acuarela en Paraguay, a partir de la participación en este festival, también ha posibilitado incrementar la cantidad y la calidad de los materiales disponibles en nuestro país.

“Crecimos muchísimo en estos años y gracias a esta movida se conformó, a partir del 2019, un colectivo que se llama Medium Acquae, donde hoy día ya somos 70 y nos piden cada vez más entrar al colectivo”, refirió.

En este sentido, detalló que el requisito para ser parte del colectivo es que sean artistas con una calidad de trabajo profesional.

Schuchardt señaló que actualmente hay gente de todas las edades pintando acuarela porque la técnica está siendo más utilizada en las facultades.

“Al haber eventos y posibilidades de participar en cosas, la gente se entusiasma y hay talleres en varios lugares”, añadió.

Finalmente, la artista señaló que lo primordial a la hora de comenzar a trabajar con la acuarela es contar con buenos materiales y aprovechar la experiencia de un maestro, participando de talleres.

También refirió que lo más lindo de la acuarela es la magia de lo inesperado. “Muchas veces la acuarela hace cosas que vos no direccionás. En otras técnicas vas y corregís, pero en la acuarela a veces te sale una mancha que vos no pensaste que iba a ser así. Pero eso es lo más lindo”, remarcó.

Las funciones de esta puesta, dirigida por Juan Carlos Cañete, serán a las 17:30 y contarán con las actuaciones de Javier Lacognata, Joaquín Diaz Sacco, Raúl Dionisi, Richard Quintana, Sebastián Pebriz y la participación de Sandy Molas.

Las entradas anticipadas cuestan G. 50.000 y se pueden adquirir al (0991) 322-213. En puerta costarán G. 70.000.

En El Granel (Juan de Salazar 372 c/ Artigas) este sábado se realizará “Tocar el arte”, una actividad dirigida a niños de 1 a 5 años. Será a las 15:30 y 16:20, a cargo de Amelí Schneider y Julia Michelagnoli.

La actividad ofrece una exploración sensorial con pintura, arena, y otros materiales simples y seguros para la creación de obras y la libertad de expresión. El costo es de G. 70.000 y las inscripciones se realizan a través del enlace bit.ly/TOCARELARTE.

El Museo de Ciencias (MuCi) ofrecerá este sábado en el Complejo Textilia (Avda. Gral. Santos c/ Defensa Nacional) una propuesta llamada Ciencia a cielo abierto, que ofrece actividades al aire libre integradas con la naturaleza.

Este sábado de 14:00 a 18:30 y el domingo de 14:00 a 19:00 se podrá vivir una experiencia guiada de acceso libre y gratuito en Po Prende: jardines temáticos, mediante los cuales se podrán conocer plantas aromáticas, medicinales y ornamentales.

También este sábado a las 18:45 se podrá realizar una actividad de observación de aves. Esta tiene un costo de G. 15.000 y cuenta con cupos limitados.

En tanto, en el Planetario San Cosmos del MuCi se podrá ver el show Escalas Cósmicas. Las funciones de este sábado serán de 16:00 a 19:00, cada una hora. Las entradas se pueden adquirir en la web www.muci.org.

La mexicana Thalía estrena su nuevo álbum “Todo suena mejor en cumbia”

Bajo el nombre “Peineta de Oro: La Experiencia”, la jornada propone una extensión del universo conceptual del disco. La programación incluye exposiciones de ilustradoras y diseñadoras paraguayas, intervenciones teatrales, una charla con la historiadora Ana Barreto y un concierto de apertura a cargo de la artista Ross. El cierre estará marcado por el show en vivo de Sari Carri, en el que presentará el álbum.

El evento contará además con la participación de artistas invitados como 411Y, Lucero Sarambí, Jenni Hicks, Merce y Alfredo “Miliki” Chávez, junto a las actuaciones en escena de Edith Niz y la dirección y dramaturgia de Mirtha Villalba. En el apartado visual, formarán parte el Colectivo Robusta, Cancioneras y Alexa.

“Peineta de Oro” es un trabajo conceptual inspirado en las Kygua Verá, mujeres paraguayas del siglo XIX reconocidas por su independencia y fortaleza. A partir de esta referencia, el disco propone un recorrido que entrelaza memoria, identidad y vivencias personales, con una paleta sonora que transita entre el pop, el bolero, el disco y el electropop.

La propuesta escénica busca trasladar ese imaginario al vivo, articulando distintas disciplinas en un mismo espacio. Las entradas anticipadas están disponibles al (0991) 572 200 desde G. 40.000.

Este lanzamiento marca además un punto de partida para la proyección internacional del proyecto. Días después del evento, Sari Carri iniciará su tercera gira por México, con una presentación el 23 de abril en la Feria Nacional de San Marcos, en Aguascalientes, y una serie de conciertos en Ciudad de México, Puebla y Cholula durante mayo y junio. La gira cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec).

La puesta en escena representa los tiempos de hambruna y crisis tras la Guerra del Chaco (1932-1935). Es una adaptación de la obra del mismo nombre del escritor Julio Correa (1890-1953), cargada de crudeza por la fuerza con que se desnuda la maldad humana que caracteriza al que detenta el poder económico y político al mismo tiempo en el área rural de nuestro país.

El límite al que llegan los desamparados labriegos para sobrellevar su impotencia, en una suerte de resignación, para no perder su vínculo con la tierra, símbolo de sus fatigas y sus esperanzas.

El FITE 2026 adopta como lema “Unidos por el arte, sin barreras, sin fronteras”, en el que se refleja que el teatro es el lenguaje universal que nos conecta. Es considerado el festival de artes escénicas más grande del Paraguay y uno de los más destacados de Iberoamérica.

Las entradas tienen costos de entre G. 20.000 y G. 25.000 en generales y, para estudiantes, de G. 10.000. El FITE se desarrolla en el Auditorio Paraná, pero también llevará obras a instituciones educativas de Encarnación y del departamento de Itapúa.

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Obras destacadas

El elenco Rocemí encarnará una de las obras escritas por el obispo de la Diócesis de Encarnación, monseñor Francisco Javier Pistilli. Se trata de “El que pasaba”, una historia que se ubica en tiempos de la crucifixión de Cristo, pero como protagonista detalla la vivencia de Simón de Cirene (el Cireneo).

Simón era un transeúnte que regresaba del campo y fue forzado por los soldados romanos a cargar la cruz de Jesús. A partir de ahí, y tras conocer al Hijo de Dios, su vida habría cambiado, y esta obra hace un paralelismo con las carencias actuales.

Otra de las obras destacadas es “Residentas”, a cargo del elenco de Rocemí, la cual es una representación de acontecimientos de la época de la Guerra contra la Triple Alianza (1865-1870).

La presentación pone foco en las mujeres como protagonistas y actrices esenciales durante el conflicto bélico, que desencadenó un genocidio y masacre del pueblo paraguayo.

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Elencos internacionales

El elenco Las Magnolias Teatro, de Argentina, presentará su obra llamada “Los Apepú”. Se trata de una familia distinta, que ama la tierra, las frutas y verduras. Defienden el medio ambiente y se enfrentan con canciones a la malvada Makki Donna. Es un teatro musical apto para todo público.

También desde Argentina, el elenco 5ntrato Teatro traerá la obra “Los comuneros y Tupac”. Se sitúa en el año 1774, cuando un grupo de osados comuneros se levantó ante el yugo español. En la ficción, tres hijos de estos comuneros fueron a buscar ayuda con Tupac Amaru en Perú.

No puede faltar un buen espectáculo de títeres, por lo que el elenco mexicano Sinergia Teatro presenta “Canela y mantequilla”. Los protagonistas buscan explorar el duelo desde la perspectiva de un niño. El pequeño busca comprender la ausencia de su madre, mientras su padre esconde todo recuerdo de ella.

Desde Bolivia, el elenco Itaú Teatro escenificará la obra “El libertador no tiene quién le escriba”. Relata una historia en la que una estatua de Simón Bolívar despierta durante los festejos del bicentenario de Bolivia.

El elenco Sentiré Teatro de Ecuador trae su obra “Camilo Buitrón busca una razón para no morir”. Se trata de un excéntrico funerario que enfrenta su propia muerte, mientras analiza los motivos por los que quiere continuar viviendo.

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Programación

Sábado 18:

10:00- Taller “El estado de presencia del actor”, Grifo Teatro (Brasil). Academia Rocemí.

18:00- Obra “El latido de la tierra”, Universo Bebés (Argentina). Auditorio Paraná (ATP).

20:00- Obra “Microteatro”, Reviro Producciones. Auditorio Paraná (+15).

Domingo 19:

16:30- Obra “Babka y el gran viaje al pequeño libro”, Palíndrome (Argentina). Auditorio Paraná (ATP).

18:00- Obra “Un domingo en paz”, Rocemí. Auditorio Paraná (+12).

Lunes 20:

8:00; 10:00; 14:00- Obra “Los Apepú”, Las Magnolias Teatro (Argentina). Auditorio Paraná (ATP).

10:00- Obra “Lendário Imaginário”, Cia Actuare (Brasil). Parque Itá Cajón-Trinidad (ATP).

18:30- Obra “El misterio en la mansión de Cordelia”, Instituto de Artes de Encarnación. Auditorio Paraná (ATP).

20:30- Obra “El libertador no tiene quién le escriba”, Itaú Teatro (Bolivia). Auditorio Paraná (+15).

Martes 21:

10:00; 14:00; 18:30- Obra “Ana y Kitty”, Grupo de Teatro Buenos Aires (Argentina). Auditorio Paraná (+10).

17:00- Obra “Babka y el gran viaje al pequeño libro”, Palíndrome (Argentina). Auditorio Paraná (ATP).

20:00- Taller “Circo de los sueños rotos”, Sentire Teatro (Ecuador). Academia Rocemí (+18).

Miércoles 22:

8:00; 10:00; 14:00; 18:30- “Camilo Buitrón busca una razón para no morir”, Sentire Teatro (Ecuador). Auditorio Paraná (+11).

20:00- Taller “Pedagogía teatral aplicada”, Sinergia Teatro (México). Academia Rocemí (+18).

20:30- Obra “Uropsilus”, La Correa Producciones. Auditorio Paraná (+12).

Jueves 23:

8:00; 10:00; 14:00; 18:30- Obra “Los comuneros y Tupac”, 5ntrato Teatro (Argentina). Auditorio Paraná (+12).

16:00- Taller “Creación de Personaje”, Sinergia Teatro (México). Academia Rocemí (niños).

16:00- Taller “Circo de los sueños rotos”, Sentire Teatro (Ecuador). Academia Rocemí (+18).

17:30- Obra “Los Tres Mosqueteros”, Jota & Jota Producciones. Auditorio Paraná (ATP).

20:00- Obra “El que pasaba”. Monseñor Francisco Pistilli/Rocemí. Auditorio Paraná (+12).

Viernes 24:

8:00; 10:00; 14:00- Obra “Los Tres Mosqueteros”, Jota & Jota Producciones. Auditorio Paraná (ATP).

18:30- Obra “Club de los Corazones Rotos”, La Tapera (Argentina). Auditorio Paraná (ATP).

20:30- Obra “La teoría de la Re-Evolución”, Bruno Gatti (EE. UU.). Auditorio Paraná (+12).

Sábado 25:

10:00- Taller “Volvamos al Origen”, Bruno Gatti (EE. UU.). Academia Rocemí (+17).

16:00- Obra “Canela y Mantequilla”, Sinergia Teatro (México). Auditorio Paraná (ATP).

16:00- Obra “La familia del Viento”, La Familia del Viento (Colombia). Costanera de Encarnación (ATP).

19:00- Clausura del FITE 2026. Auditorio Paraná.

Feria Palmear vuelve este sábado 18 con una edición que destacará a la cultura japonesa

De manera paralela, el Puerto de Asunción alberga la exposición Impermanencia, de la fotógrafa Carmen Díaz, que constituye su primera muestra individual. La propuesta reúne imágenes centradas en el paisaje y sus transformaciones, junto con una instalación audiovisual construida a partir de registros del río.

A estas propuestas se suma la exposición Del río las coronas, del Espacio Cultural Itaú, habilitada de miércoles a sábados de 14:00 a 20:00. La muestra se integra a la programación general del Puerto, ampliando las opciones para el público interesado en recorrer distintas manifestaciones artísticas en un mismo lugar.

La actividad incluirá también una feria con participación de creadores y emprendedores culturales, entre ellos Elena Jacquet, Judit Villanueva, Leila Samudio, Geraldine Castro, Sofía Jara, Ada Frutos, Antonela Bibolini, Martín Zeballos, Llubiarte y Stella Mayeregger, con propuestas vinculadas al arte, el diseño, la ilustración y la producción artesanal.

El evento contará además con un sector gastronómico y espacios destinados a la permanencia del público, en una dinámica que integra música, feria y uso del espacio durante toda la jornada.

Embarcate forma parte de la programación del Centro Cultural del Puerto orientada a la activación del sitio mediante propuestas que combinan distintas disciplinas y fomentan la participación de artistas y emprendedores.

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“Hay algo muy lindo en poder conectar generaciones a través de un ritmo que nunca pasa de moda, que siempre te invita a sentir, a recordar y a celebrar”, añadió la artista.

El álbum está compuesto de nueve temas, entre ellos sus lanzamientos recientes “Ojitos mexicanos” y “Boomerang”. El resto de canciones incluye dúos con Valen, la banda mexicana Matisse, Yuri, Grupo Máximo Grado o Los Ángeles Azules. Además, versiona grandes éxitos como “Dancing Queen” y “Cariño mío”.

La artista destacó que la cumbia ha sido un género que le ha aportado mucho en su carrera musical, y que sintió que quería llevar “esa energía a estas canciones, reinterpretarlas y darles una nueva vida (...) porque al final todo suena mejor en cumbia”.

Este nuevo proyecto ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. Su lanzamiento ocurre a dos semanas de que Thalía sea reconocida el 29 de abril con el Icon Award en la gala Billboard Women in Music por sus más de tres décadas de trayectoria.

Sobre la calle Palma, entre las calles Independencia Nacional y 14 de mayo, se llevará a cabo una nueva edición de esta actividad, de acceso libre y gratuito.

La apertura oficial está prevista para las 11:30, con la participación de la Comisión Organizadora del 90° aniversario de la Inmigración Japonesa al Paraguay.

A las 12:00 habrá un espectáculo de Taiko, los tambores tradicionales japoneses y a las 12:25 se presentará Bon Odori, una danza tradicional.

A partir de las 17:00 también se podrá disfrutar de la Banda y el Ballet Folclórico Municipal y, para las 18:00, está previsto el Baile Yosakoi, una danza tradicional japonesa que se extenderá por una cuadra a modo de desfile.

Para las 19:00 se presentarán nuevamente los espectáculos de Taiko y la danza Bon Odori, mientras que a las 20:00 estará en escena el Ballet Folclórico Nacional, con la danza de la botella.

La reconocida agrupación Purahéi Soul, conformada por Miguel Narváez y Jennifer Hicks, también será parte de esta edición de la Feria Palmear a partir de las 21:00. En tanto, a las 22:00 subirá a escena la Rec Band, con covers de reconocidas canciones.

Gastronomía internacional y variedad de artesanías

En cuanto a la gastronomía, esta edición de la feria contará con propuestas japonesas como onigiri, sushi, ramen, yakisoba, kushikatsu, nikuman, entre otras. También habrá opciones de gastronomía peruana y mexicana, así como panchos gourmet, productos de miel de abeja y otros.

Los visitantes de la Feria Palmear también podrán encontrar una variedad de artesanías en cuero, papelería, cerámica, crochet, ñanduti, velas, porcelana fría. Igualmente habrá demostraciones de kimono y yukata, las vestimentas tradicionales de Japón.

En este marco, la Secretaría Nacional de Cultura anunció que en el Archivo Nacional (Mcal. Estigarribia e Iturbe) se podrá visitar la muestra “Una joya en plena guerra”. La misma exhibe las manifestaciones y donaciones patrióticas de las mujeres en el Paraguay durante la Guerra contra la Triple Alianza. Estará habilitada de 11:00 a 20:00, con acceso libre y gratuito.

La Feria Palmear es organizada conjuntamente por la Asociación de la Movida del Centro Histórico de Asunción (AMCHA), la Oficina de la Primera Dama, el Gobierno Nacional y la Municipalidad de Asunción.

A través de un comunicado, las productoras a cargo de este concierto anunciaron que “por motivos logísticos relacionados con vuelos internacionales” se tuvo que reprogramar este espectáculo.

La nueva fecha será el domingo 3 de mayo, a partir de las 19:00, en Vöudevil Venue (Mcal. Estigarribia 1017 c/ Estados Unidos- Asunción).

“Informamos que todos los boletos ya adquiridos serán totalmente válidos para la nueva fecha sin necesidad de realizar ningún cambio”, añade el comunicado, que fue compartido hoy.

“Lamentamos sinceramente cualquier inconveniente que esto pueda ocasionar y agradecemos su comprensión y su apoyo constante”, añade el texto firmado por las productoras Nation Events, Iguana Shows, así como por las bandas PXNDX Vive y Desierto Drive.

En este sentido, remarcaron que “el show está 100% confirmado” y que están trabajando “para que sea una noche increíble”.

PXNDX Vive es una agrupación mexicana que busca revivir la experiencia de los shows de PXNDX, la banda que alcanzó una gran popularidad en la primera década del 2000 con canciones como “Disculpa los malos pensamientos” y “Los malaventurados no lloran”.

El proyecto musical está liderado por Kross Vázquez, quien fue baterista original de PXNDX, acaba de presentar el álbum Viva PXNDX Vol. 1 con 18 canciones emblemáticas, junto a varios invitados.

También llegará por primera vez a Paraguay la agrupación Desierto Drive conformada por Ricardo Treviño (bajo),Jorge “Kross” Vázquez(batería) y Arturo Arredondo(guitarra/voz).

La agrupación traerá un recorrido por canciones de toda su discografía y, en particular, de su más reciente álbum “Antes de que salga el sol”; que marcó el regreso de la banda luego de una pausa de varios años tras la pandemia.

Las entradas para el show siguen disponibles a través de Ticketea. Los precios y sectores son:

• Generales: G. 200.000
• VIP: G. 300.000
• Meet & Greet: G. 600.000

Series

Margo tiene problemas de dinero (Apple TV+)

Una nueva serie de comedia dramática en la que una estudiante universitaria decide abrir una cuenta en OnlyFans y vender contenido erótico luego de quedar inesperadamente embarazada. Protagonizada por Elle Fanning, Nick Offerman y Michelle Pfeiffer.

Ronaldinho (Netflix)

Una miniserie documental que explora la vida, carrera y obstáculos que atravesó el exfutbolista brasileño Ronaldinho, uno de los mayores íconos del fútbol brasileño e internacional de las últimas décadas.

Bronca, temporada 2 (Netflix)

Una nueva historia de esta serie de antología que tiene como tema central la ira: dos parejas se enfrentan en una amarga rivalidad que comienza con el extravio de una billetera. Con Óscar Isaac, Carey Mulligan, Charles Melton y Cailee Spaeny.

La huella del oro (HBO Max)

Una nueva serie animada argentina en la que un mercenario con superpoderes busca hacerse de riquezas en medio de una guerra entre facciones elementales.

Alguien tiene que saber (Netflix)

Una nueva serie chilena de suspenso sobre un detective que lleva adelante una investigación sobre la misteriosa desaparición de un adolescente. Protagonizan Alfredo Castro y Paulina García.

Punto Nemo, temporada 2 (Amazon Prime Video)

Nuevos episodios de esta serie española sobre un grupo de científicos oceanográficos que acaban varados en una remota isla repleta de misterios y peligros. Protagonizan Óscar Jaeneda y Najwa Nimri.

Perfil falso, temporada 3 (Neflix)

Nuevos episodios de esta serie colombiana en la que una mujer acaba en problemas luego de conocer a un hombre a través de una aplicación de citas y descubrir secretos inesperados. Con Carolina Miranda y Rodolfo Salas.

Machos alfa, temporada 5 (Netflix)

Regresa con nuevos capítulos esta serie española sobre un grupo de hombres en medio de una crisis de identidad que intentan navegar una sociedad con nuevos valores. Protagonizada por Fernando Gil, Fele Martínez y Gorka Otxoa.

Hacemos lo que podemos (Netflix)

Una nueva serie coreana en la que un aspirante a director de cine que lleva años fallando conoce a una productora que podría ayudarlo a desplegar todo su potencial. Con Koo Kyo-hwan y Go Youn-jung. Se estrena el sábado.

Diente de león (Netflix)

Una serie animada japonesa sobre un grupo de ángeles que tienen la tarea de buscar atrapadas en la Tierra y ayudarlas a pasar al Más Allá facilitando que puedan resolver los problemas que dejaron en el mundo de los vivos.

Sanar, cocinar, amar (Netflix)

Una serie indonesia de comedia dramática en la que una ambiciosa chef busca salvar el restaurante de su padre reclutando a un cocinero talentoso, pero con quien no se lleva bien. Protagonizan Mawar Eva de Jongh y Deva Mahenra.

Maleantes, temporada 2 (Netflix)

Nuevos episodios de esta serie alemana de acción sobre un ladrón retirado y un mafioso de poca monta que acaban en medio de una guerra criminal. Con Jonathan Tittel y Nicolas Wanczycki.

La ley de Lydia Poët, temporada 3 (Netflix)

Nuevos episodios de esta serie italiana basada en hechos reales que cuenta la historia de la primera abogada de Italia y su lucha por poder ejercer el Derecho. Protagonizada por Matilda de Angelis.

Películas

Bolas arriba (Amazon Prime Video)

Una comedia estadounidense sobre dos publicistas que deciden lanzar una atípica campaña para una marca de preservativos con motivo del Mundial de fútbol, que acaba desencadenando un escándalo. Con Mark Wahlberg y Paul Walter Hauser, dirigida por Peter Farrelly.

Venganza (Amazon Prime Video)

Un thriller mexicano de acción sobre dos soldados de élite que emprenden una campaña de venganza tras el asesinato de la esposa de uno de ellos. Protagonizada por Omar Chaparro y Alejandro Speitzer, dirigida por Rodrigo Valdés.

Compañeras de cuarto (Netflix)

Una comedia estadounidense sobre una amistad entre dos universitarias que se transforma en una guerra de pasivo-agresividad. Con Sadie Sandler y Chloe East, dirigida por Chanlder Levack.

180 (Netflix)

Un thriller sudafricano en el que un padre busca venganza luego de un accidente que deja a su hijo en estado crítico. Protagonizan Prince Grootboom y Noxolo Dlamini, dirige Alex Yazbek.

La tostadora (Netflix)

Una comedia india en la que un hombre desarrolla una ilógica obsesión con una tostadora que regaló a una pareja de amigos recién casados. Con Rajkummar Rao y Sanya Malhotra, dirigida por Vivek Daschaudhary.

En este material, el autor busca compartir “lecciones de fe, carácter y emprendimiento para quienes sueñan, construyen o necesitan volver a empezar”, según detalla la portada.

A través de un comunicado desde el sello editorial señalaron que este libro plantea, en primer lugar, un mensaje claro y directo: sí es posible emprender y crecer, con recursos o sin ellos.

“A través de su experiencia, el autor demuestra que el inicio no depende de las condiciones perfectas, sino de la decisión de avanzar, construir y persistir”, agregaron.

El texto detalla además que el libro va más allá del entusiasmo inicial y pone el foco en la administración, un aspecto muchas veces ignorado. En este sentido, Esteche advierte que “no alcanza con ser un buen emprendedor si no se saben gestionar correctamente los recursos”.

“El crecimiento sin control puede convertirse en el inicio de la caída”, advierte el autor, quien es licenciado en Matemáticas, empresario y conferencista con más de 19 años de trayectoria.

El peligro de la cima

“La obra también interpela a quienes ya han alcanzado el éxito. Con un enfoque poco habitual, aborda un tema clave: el peligro de la cima. Cuando una persona cree que ya está preparada para todo o se siente invencible, es cuando se vuelve más vulnerable”, añade el comunicado.

Comenta que el propio autor lo vivió en carne propia, por lo que esta experiencia hoy comparte como advertencia y aprendizaje para otros.

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“Cuando todo se derrumbó” también ofrecerá a los lectores un mensaje profundo para los momentos de crisis. “Las pruebas no son el final, sino el proceso que forma el carácter. Desde una mirada realista pero esperanzadora, la obra invita a comprender que es en la caída donde se construyen las bases más sólidas para volver a levantarse”, remarca el comunicado.

La historia trascurre luego de que un virus letal acabó con la mayor parte de la humanidad. Uno de los sobrevivientes, un piloto civil de aviones, lucha por sobrevivir en el mundo posterior a esa catástrofe.

Jacob Elordi (Euphoria) protagoniza, encabezando un elenco que incluye también a Margaret Qualley (La sustancia), Josh Brolin (El sobreviviente), Allison Janney (La diplomática) y Guy Pearce (El brutalista).

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La guerra de los últimos se estrenará en cines de todo el mundo a finales de agosto de este año.

Escrita y compuesta en 2020, durante el confinamiento, la nueva canción se ha guardado hasta ahora. “Era 2020, el mundo se había detenido y la gente bailaba, confinada en sus casas”, explicó Goldman en un comunicado de prensa.

“Seis años después, sin virus, pero sin necesidad de cambiar ni una palabra; el mundo no ha mejorado y seguimos bailando ‘sobre el abismo’”, manifestó.

Si bien esta nueva canción celebra el espíritu de lucha y la resiliencia ante la situación mundial, también refleja los problemas de salud de la cantante, quien padece el síndrome de la persona rígida desde hace varios años.

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El estribillo recurrente actúa como un hilo conductor de exhortación a mantenerse fuerte: “Bailemos para mantenernos erguidos, porque nos lo debemos a nosotros mismos, por todos los que no pueden moverse (...) ya que solo podemos bailar de pie”, dice la letra.

Con una melodía pausada, Céline Dion canta sobre un mundo “que se ha descontrolado” y nos invita a seguir adelante a pesar de todo.

La salida de este sencillo estuvo precedida con la divulgación hace tres días de un vídeo enigmático en las redes sociales de Dion, con una pareja bailando abrazada en diferentes sitios en París.

La grabación, de apenas quince segundos, mostraba a una pareja joven bailando abrazada en distintos puntos emblemáticos de la ciudad, como las orillas del Sena junto al Pont Neuf, un andén del metro de la estación de Saint-Lazare y un paso de peatones frente a la Ópera Garnier.

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Sin música ni diálogo, el vídeo se apoyaba únicamente en los sonidos del ambiente de la ciudad, mientras aparecía el texto sobreimpreso ‘Céline Dion x Jean-Jacques Goldman’.

En 2016, tras la muerte de su mánager y marido, René Angélil, Goldman escribió para ella Encore un soir. Otros temas creados por ella por el francés son S’il suffisait d’aimer o Pour que tu m’aimes encore, entre otros.

La estrella canadiense tiene previsto ofrecer dieciséis conciertos para su gran retorno al escenario el próximo otoño en París, en el pabellón La Défense Arena, que tiene una capacidad total modulable de hasta 45.000 espectadores.

Los conciertos se desarrollarán entre el 12 de septiembre y el 17 de octubre.

Su última actuación pública había sido precisamente en la capital francesa, en la apertura de los Juegos Olímpicos de París de 2024, donde interpretó Hymne à l’amour, de Edith Piaf, desde lo alto de la torre Eiffel.

Aquella había sido también una reaparición muy esperada, dado que el año anterior había tenido que cancelar su gira mundial Courage World Tour por los graves problemas que le causa el síndrome de la persona rígida (SPR) que padece, lo que afecta a su sistema nervioso y le provoca espasmos.

La película será una secuela de Top Gun: Maverick, de Joseph Kosinski, que se estrenó en 2022 y fue nominada a cinco premios Óscar, entre ellos el de mejor película.

En aquel entonces, la película recaudó 1.500 millones de dólares en la taquilla mundial con un presupuesto de 170 millones de dólares, lo que supuso un impulso para las salas de cine tras las dificultades que enfrentaron durante la pandemia.

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Cruise interpretó al teniente Pete ‘Maverick’ Mitchell por primera vez en 1986, en la película de Tony Scott que seguía a un talentoso piloto de la Marina que asiste a una prestigiosa escuela de combate en California.

Luego de 36 años, Cruise retomó su personaje, esta vez para entrenar a una nueva generación sobre cómo llevar a cabo una nueva misión.

Cruise está próximo al estreno de Digger, del director mexicano Alejadro González Iñárritu, una comedia negra que narra la historia del hombre más poderoso del mundo en su misión para salvar a la humanidad de un caos que él mismo provocó.

En la producción, dirigida por Shakira y el español Jaume De Laiguana, también aparecen otros sitios reconocidos de Barranquilla como el Gran Malecón a lo largo del río Magdalena, la rueda de la fortuna Luna del Río y el Centro de Convenciones y Eventos Puerta de Oro.

Igualmente figuran comparsas del Carnaval de Barranquilla, como Rumbón Normalista, Son Kalimba y el Congo Grande de Barranquilla, “lo que aporta una atmósfera festiva y auténtica que conecta la canción con las raíces culturales y la identidad de la región”, agregó la información.

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Shakira y Beéle también publicarán el viernes un EP con tres versiones, incluidas dos nuevas con el sudafricano Shimza y la española Indira Paganotto.

Esta es la segunda colaboración entre Shakira y Beéle, tras trabajar juntos en 2025 en la versión Hips Don’t Lie junto a Ed Sheeran.

Justamente en febrero pasado, Shakira tatuó a Beéle cuando estaban grabando el video musical de Algo tú en Barranquilla.

Aunque no revelaron cuál fue el tatuaje, el video estuvo acompañado de la frase ‘coletera para toda la vida’, en referencia al término ‘coleto’, que anteriormente tenía una connotación negativa al referirse a una persona de mal vestir y sumida en los vicios, pero ha sido resignificada en el contexto de la música urbana y ahora se utiliza para describir a alguien auténtico, popular y emprendedor.

En otro video divulgado por Beéle, ambos aparecen sobre el capó de un antiguo autobús. Él, con una gorra en la cual se lee ‘la coletica nos hará libres’, le dice a Shakira: ‘Estoy aquí con mi coletica’, mientras ella se maquilla y saluda a la cámara.