“Barrunto” se coronó como la Mejor Obra y también le otorgó a Jorge Báez el Edda a la Mejor Dirección, además de recibir el premio a la Mejor Diseño de Arte. Otras grandes ganadoras de la noche fueron “Psicópata” y “Cambala”.

A continuación, el listado completo de ganadores de los Premios Edda:

• Mejor Diseño de Arte: Barrunto
• Mejor Producción: No Somos Nada
• Mejor Libreto Original: Paola Irún - La revolución del temblor
• Mejor Obra Corta: Berenice
• Mejor show de humor: Gustavísimo. 25 años de humor
• Mejor musical o zarzuela: Fascinación
• Mejor obra infantil: Las aventuras del ratón Pérez
• Mejor obra de teatro social: Cambala
• Mejor obra de teatro popular: Joayhu ha traición guerra aja
• Premio Revelación: Alan Jara
• Mejor obra de drama: Anna Cappelli
• Mejor obra de comedia: Psicópata
• Premio Edda de Honor: Víctor Bogado

• Mejor interpretación de un actor en papel de reparto: Rayam Mussi - Largo viaje de un día hacia la noche
• Mejor interpretación de una actriz en papel de reparto: Teresa Barriocanal - Cambala
• Homenaje al teatro popular: Alberto Sánchez Pastor, Roger Bernalve, Katty Pacuá, Maria Luisa Garayo Mejor interpretación de un actor en papel principal: Ariel Galeano - Psicópata

• Mejor interpretación de una actriz en papel principal: Guadalupe Lobo - La verdad efímera
• Mejor dirección: Jorge Báez - Barrunto
• Mejor obra: Barrunto

La gala, que contó con momentos musicales a cargo de Fabu Pop y Mona Airaldi, será retransmitida este sábado desde las 17:00 por el canal Trece.

Paraguay y Madrid conectan sus escenas culturales a través de una nueva residencia artística

La actividad cuenta con el impulso de la Fundación Pusineri Velilla y servirá además para presentar oficialmente Paraguay en Escena, una nueva productora y agencia de iniciativa paraguaya radicada en España, orientada a promover y gestionar la presencia de artistas y proyectos musicales del país en España y otros circuitos europeos.

La iniciativa busca generar vínculos entre artistas, productores, espacios culturales, festivales y públicos de ambas orillas del Atlántico, con el objetivo de ampliar las posibilidades de circulación internacional de la música paraguaya.

La presentación se integra a +LATINA, festival multidisciplinar organizado por Boom! Art Community y BCI, que entre septiembre y noviembre reúne a cerca de 50 artistas en 24 espacios de la Comunidad de Madrid y Navarra. Su programación abarca exposiciones, residencias, artes escénicas, encuentros y espacios de intercambio, con la intención de fortalecer los vínculos entre la creación contemporánea americana y el ecosistema cultural español.

La Fundación Pusineri Velilla, con sede en Asunción y Madrid, es una nueva fundación familiar paraguaya inspirada en el legado de Carlos Pusineri. Entre sus objetivos se encuentra impulsar la producción de arte contemporáneo paraguayo y favorecer la internacionalización de las artes y la cultura del país.

El encuentro contará también con la presencia del embajador de Paraguay ante España, Justo Pastor Apodaca Paredes, y de la ministra consejera de la Embajada de la República del Paraguay en el Reino de España, Doris Román.

El concierto de Nicolás Cañete Trío será este viernes 18 de septiembre a las 19:00 en el Centro Cultural Casa de Vacas, ubicado en el Parque del Retiro de Madrid, con entrada libre y gratuita.

“Slow Horses sigue haciendo las delicias de los espectadores de todo el mundo y me alegra que Jackson Lamb y su pandilla de entrañables inadaptados vuelvan para una octava temporada. Su visión mordaz del mundo de alto voltaje de los espías es completamente única”, dijo Jay Hunt, director creativo internacional de Apple TV.

La octava temporada mostrará la confrontación más explosiva hasta la fecha entre Lamb (Oldman) y Diana Taverner (Kristin Scott Thomas), señala el comunicado.

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“Cuando un intento fallido de chantaje al Parque pone a Taverner en modo ofensivo, le toca a Lamb desvelar uno de los secretos más oscuros del MI5 y acabar con ello de una vez por todas”, agrega la plataforma.

Slow Horses ganó este lunes el Emmy a mejor dirección de una serie de drama para Saul Metzstein, el tercero que ha logrado la serie con sus cinco primeras temporadas. La sexta llega mañana y ya se había confirmado una séptima antes del anuncio de hoy de la octava.

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Esa ficción también ha ganado cinco BAFTA TV y Oldman ha sido nominado a los Globos de Oro, Emmy y BAFTA por su interpretación de Lamb, el jefe de un disfuncional equipo de agentes de la inteligencia británica que han sido apartados del trabajo normal por sus meteduras de pata o su incompetencia.

Macklemore – autor de éxitos como Thrift Shop o Can’t Hold Us - anunció el pasado lunes que fue excluido de la gira debido a presiones ejercidas por el empresario estadounidense Robert Kraft, dueño de uno de los estadios en Estados Unidos que van a albergar la gira de Sheeran, quien anunció que no se permitiría al rapero actuar en ese recinto. Además, Kraft habría movilizado a propietarios de otros estadios para vetar al telonero.

Ayer, martes, Ed Sheeran publicó un comunicado en el que defiende la decisión de apartar a Macklemore de la gira diciendo que no desea “usar (su) plataforma profesional para hacer política”.

Renuncias en solidaridad con Macklemore

En rápida sucesión ayer, luego de la publicación del comunicado de Sheeran, varios artistas asociados a la gira anunciaron que la abandonarán.

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Uno de ellos es el productor y músico estadounidense Finneas, hermano y habitual colaborador creativo de la cantante Billie Eilish, quien iba a acompañar al británico en varias de las fechas del tour ‘Loop’ en América, entre ellas la presentación en Paraguay, prevista para el jueves 26 de noviembre en el estadio La Nueva Olla de Cerro Porteño, en Asunción.

“Los artistas no deben ser silenciados cuando alzan la voz por los oprimidos”, escribió Finneas en Instagram, expresando también su respaldo al pueblo palestino.

También anunciaron ayer su renuncia a la gira el cantante danés Lukas Graham, el irlandés Aaron Rowe – quienes también se sumaron al tour como teloneros – y la banda irlandesa Beoga, quien estaba apoyando a Sheeran como banda de acompañamiento.

“El Arte en el encuentro con Otros Mundos” se denomina esta actividad sin precedentes, enmarcada en la celebración del décimo aniversario de la fundación dedicada al arte contemporáneo.

Los invitados internacionales de esta edición de “Contar el Arte” son:

• Hervé Chandès: ex director general de la Fondation Cartier pour l’art contemporain (Fundación Cartier para el arte contemporáneo), institución que lideró durante décadas impulsando encuentros entre el arte contemporáneo, la ciencia y las culturas indígenas.
• Bruce Albert: antropólogo francés que trabaja junto al pueblo Yanomami desde 1975 y coautor, junto a Davi Kopenawa, de La caída del cielo. También desarrolló junto a Chandès importantes proyectos sobre el universo Yanomami en la Fondation Cartier.
• Joseca Yanomami: artista indígena de la Amazonía brasileña, quien traduce en dibujos los relatos, mitos, cantos chamánicos y escenas de la vida Yanomami.

La charla se llevará a cabo en el local de la Fundación Texo (Paraguarí 852) y será de acceso gratuito. Los interesados en ser parte de esta actividad pueden registrarse a través de este enlace.

Los fondos están orientados a actividades que serán realizadas durante el año 2027 y tienen como uno de sus principales objetivos fortalecer la presencia de artistas paraguayos en escenarios internacionales, además de promover el intercambio cultural mediante la llegada de propuestas musicales de otros países.

Tres festivales de música para disfrutar este sábado en Asunción: artistas, horarios y más

Los interesados pueden consultar las bases completas de la convocatoria y acceder a los formularios de inscripción a través del sitio web oficial de Ibermúsicas.

Modalidades de apoyo

Una de las modalidades habilitadas es la Ayuda a la circulación de profesionales de la música, destinada a artistas y profesionales paraguayos que hayan recibido una invitación formal para participar en eventos o actividades fuera del país.

En esta línea, la postulación debe ser realizada directamente por el artista o profesional que viajará. Entre los requisitos se contempla la presentación de una invitación formal firmada que respalde la participación en la actividad internacional.

La segunda modalidad corresponde a la Ayuda a la programación musical, dirigida a festivales, salas, instituciones y otras entidades paraguayas que busquen incorporar a sus agendas proyectos o profesionales provenientes del exterior.

En este caso, la postulación debe ser gestionada por la organización anfitriona y requiere una carta de aceptación firmada por la persona o agrupación invitada. De esta manera, Ibermúsicas busca fomentar también la circulación de propuestas internacionales dentro de Paraguay.

Detalles de la financiación y condiciones

Para ambas líneas de apoyo se establece un monto máximo de US$ 10.000 por proyecto seleccionado. La financiación está destinada exclusivamente a gastos de movilidad internacional y traslados interurbanos que estén contemplados dentro de las condiciones de la convocatoria.

El programa aclara que los fondos no cubren automáticamente gastos como alojamiento, alimentación, viáticos o materiales. Por ello, se recomienda a los postulantes revisar detalladamente las bases para identificar cuáles son los gastos admitidos antes de presentar sus proyectos.

Las inscripciones permanecerán abiertas hasta el 1 de octubre a las 23:59 a través de la plataforma oficial de Ibermúsicas

Día de la Polca Paraguaya: una música que encontró su propia forma de sonar

Durante la charla se abordarán los distintos procedimientos desarrollados por los impresores para reproducir los signos musicales y las ventajas y limitaciones de cada uno. También se prestará atención a las características materiales de los primeros libros musicales y a los cambios históricos asociados con el paso hacia una cultura basada en la reproducción impresa.

El jueves 17 de septiembre, también a las 19:00, Piris ofrecerá la conferencia “Juan Max Boettner y Manuel Mosqueira: bibliotecas y archivos musicales como fuentes de investigación”. En este encuentro se analizará el valor de las colecciones personales de figuras vinculadas a la historia nacional como fuentes primarias para la musicología y las ciencias de la documentación.

La investigadora abordará las diferencias entre el trabajo archivístico y bibliográfico, así como las posibilidades que ofrecen ambos enfoques para contextualizar colecciones, identificar nuevas evidencias y ampliar la interpretación histórica a partir de los documentos conservados.

Exalumna del Ateneo Paraguayo, Cynthia Piris se especializa en musicología histórica y documentación musical. Es doctora por la Universidad Complutense de Madrid, donde en 2024 presentó una tesis sobre la evolución de la imprenta musical en España entre 1570 y 1738. Su trabajo también comprende investigaciones sobre bibliografía material, técnicas de impresión y conservación del patrimonio sonoro.

El ciclo se realiza en reconocimiento al Premio Extraordinario de Doctorado de la UCM que Piris recibió en mayo de 2025. Su investigación cuenta además con el cofinanciamiento del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (Conacyt), con apoyo del Fondo para la Excelencia de la Educación y la Investigación (FEEI), en el marco de un proyecto dedicado al estudio y divulgación del patrimonio bibliográfico paraguayo y al desarrollo de la investigación musicológica y documental en el país.

Las dos actividades serán en el Ateneo Paraguayo (Nuestra Señora de la Asunción 820 entre Humaitá y Piribebuy) y tendrán acceso libre y gratuito.

“ARTOUR-O il MUST y LA ‘CURSIVA’” reúne a 49 artistas paraguayos e italianos que trabajan a partir de palabras y frases significativas escritas en cursiva. En cada caso, esos trazos funcionan como punto de partida para desarrollar una obra y explorar las posibilidades visuales y conceptuales de la escritura.

La propuesta plantea así un diálogo entre dos culturas a través de un elemento que trasciende las fronteras: el lenguaje visual. Paraguay e Italia confluyen en una exposición donde la escritura funciona como materia común para distintas miradas y formas de creación.

Para el Prof. Vincenzo Liguori, director del Instituto Dante Alighieri Paraguay, la cursiva tiene una dimensión que va más allá de su función práctica. “La escritura cursiva no es solo una forma de escribir; refleja el pensamiento en su inmediatez y fluidez, favorece la creatividad y abre nuevos caminos a la mente”, señala.

El proyecto está firmado por la Arq. Prof. Tiziana Leopizzi, de Dante Alighieri Arte, y propone también recuperar la relación con una forma de escritura que ha ido perdiendo presencia frente a otras maneras de comunicarnos. En este caso, las palabras dejan de ser únicamente un vehículo para transmitir un mensaje y pasan a integrarse al proceso de creación de una obra.

La muestra abrirá al público el miércoles 16 de septiembre, a las 18:30, en el Salón Giuseppe Verdi del Instituto Dante Alighieri, ubicado en Alberdi esquina Humaitá, Asunción. La exposición podrá visitarse hasta el 30 de setiembre, de lunes a viernes, de 8:00 a 18:00, y los sábados, de 8:00 a 12:30. Los domingos permanecerá cerrada.

El acceso es libre y gratuito, con reserva previa obligatoria. Las reservas pueden realizarse al 0974 812 022 o mediante el correo institutoda@dante.edu.py.

Atendiendo a esta fecha, en las últimas semanas varios artistas nacionales han presentado lanzamientos vinculados a la polca paraguaya, reinterpretando reconocidas obras o proponiendo nuevas canciones.

“Bailemos”, el nuevo álbum de Miguel Ramírez para celebrar a la polca

El arpista y compositor Miguel Ramírez presentó hoy en las plataformas digitales el álbum “Bailemos”, un material de ocho temas que incluye reconocidas obras del repertorio popular paraguayo como ‘Galopera’, ‘Mi despedida’ y ‘3 de mayo’.

“Esta nueva entrega nos invita a bailar nuestra polca, vibrar con cada propuesta y disfrutar de nuestra música hasta soltar un auténtico sapukái paraguayoite”, señaló el artista.

La producción del álbum contó con la participación de varios músicos como el guitarrista Vidal Cristaldo, el acordeonista Lino Rabinovich, el contrabajista Rubén Cardozo, el tecladista Catalino Ferreira y el bajista Ulises Burgos. En la guitarra, mezcla y máster estuvo Orlando Martínez.

Cielito Fernández y João José tienden puentes con la polca entre Paraguay y EE.UU.

La cantante Cielito Fernández, bisnieta de Emiliano R. Fernández, se unió a su esposo João José para grabar las reconocidas polcas ‘Pájaro campana’ y ‘Pajaro Choguy’. Ambas obras forman parte de “Tata”, el nuevo álbum del artista estadounidense.

João José es un músico, productor y compositor de raíces latinas nacido en Chicago, Illinois. Su madre es de Ecuador y su padre es de Colombia. Este último le enseñaba estas polcas en la guitarra, sin imaginar que luego se casaría con una paraguaya.

“Estamos muy felices de presentar esta versión y de poder compartir esto juntos, es muy importante seguir haciendo conocer nuestra hermosa música por el mundo y que extranjeros la puedan interpretar y abrazar, es lo maravilloso de nuestro folklore”, expresó Cielito.

El álbum contó además con la participación del maestro Sergio Cuquejo y la orquesta Spirit & Sound, en piano estuvo el maestro venezolano José Manuel García.

Rossana Beatriz- La Joya Guaraní y su nuevo mix de polcas

La cantante Rossana Beatriz, también conocida como La Joya Guaraní, acaba de presentar un Mix de polcas con canciones populares y representativas de nuestro país.

“Crecí escuchando estas canciones que son parte de mi esencia, de mi historia y de la historia de mi gente, y hablan de nuestra jerga popular, del amor, del desamor y por supuesto, en nuestro dulce idioma guaraní”, señaló la artista.

Los temas que forman parte de este mix son: ‘Rei che dominase’, de Ramón Santa Cruz y Yiyo Benítez; ‘Ndajekehai de mi suerte’, de Eudelio Franco y Federico Ramírez; ‘Ndajaikomo’ai la 200 años’, de Amado Olmedo Diaz; ‘Aháta che nendive’, de Vidal Cabañas y Alider Vera Guillén y ‘Virgen querida’, de Silverio Chacho Fernández y Bernardo Ávalos.

Este mix contó con la participación de los músicos Lucas Zaracho (arpa), Nadia Alvarenga (batería) y Heraldo Vargas (acordeón y piano), quien estuvo también a cargo de la instrumentación y la producción musical.

Roscer Díaz ofrece un enganchado con tres polcas

El cantante y requintista Roscer Díaz junto con su grupo también lanzó un mix de polcas. El lanzamiento coincidió con el Día del Folclore, señalando que el mismo no está solamente en nuestras danzas, vestimentas, músicas y tradiciones.

“También está en la familia reunida, los amigos, el asado del fin de semana, la ronda de tereré, las historias compartidas y esas peñas donde una guitarra y una polca pueden hacer que todos terminen cantando juntos”, expresó.

En este mix reunió las polcas ‘Tahachi Remimbyasy’, de Manuel Achón y Diosnel Chase; ‘Reinita mía’, de Manuel Romero Villasanti; y ‘Che Kamba Resahû mi’, de Gregorio Pérez Burgos.

Los músicos que participaron de esta grabación son Daniel Pavetti, Robert Trinidad, Ivan Cheaib, Santiago Rolón, Diego Sánchez y Jesús Garcete.

“Josefina y Julián. Diálogos en creación”: un encuentro entre teatro, danza, música y artes visuales

“Según mis estudios ya hay señales en la época de la colonia. Tiene que ver mucho con la fusión de la música española que llegó, principalmente, donde ya hay señales de lo que sería el origen de nuestra polca paraguaya”, explica Szarán, en conversación con ABC Color.

A ese proceso se sumó, durante el siglo XIX, la llegada de la polca europea, una danza surgida en Bohemia, región de Europa central, que alcanzó una amplia difusión internacional. En Paraguay, su nombre terminó asociado a una música que adquirió características propias.

“El problema es que tiene ese nombre genérico europeo, no se adoptó un nuevo nombre”, señala Szarán. La denominación permaneció, pero el desarrollo musical tomó otro camino.

Una polca distinta

Una de las principales diferencias está en el ritmo. Mientras la polca europea se construye sobre una base binaria, la polca paraguaya combina ritmos binarios y ternarios, generando una particular complejidad rítmica.

“Hay una expresión que se usa que es el sincopado paraguayo, que es lo que le hace diferente de la zamba, de la cueca, de la chacarera y de otras”, explica Szarán.

El director describe esa característica como una combinación en la que “la polirritmia va en tres tiempos y la melodía claramente en dos”, a lo que se suman síncopas, anticipaciones y acentos particulares.

En sus apuntes para una nueva edición de su Diccionario de la música del Paraguay, Szarán desarrolla esta idea y señala que la superposición de un acompañamiento de carácter ternario y una melodía binaria produce una síncopa permanente. Es, para él, una de las marcas que permiten identificar musicalmente al género.

También encuentra particularidades en su construcción armónica. Según sus estudios, algunas progresiones y formas de acompañamiento presentan similitudes con prácticas musicales de las misiones jesuíticas y de la época colonial. No se trata, sin embargo, de reducir el origen de la polca a una sola tradición, sino de entenderla como resultado de distintas capas culturales.

Una polca de muchas formas

Esa riqueza rítmica también permite que la polca paraguaya se exprese de maneras diferentes. Szarán habla de “muchas variantes” y explica que algunas se distinguen especialmente por el ritmo y el carácter.

La polca kyre’ỹ, por ejemplo, tiene un carácter “alegre y animoso”, mientras que la polca syryry presenta un movimiento más moderado, aunque conserva su condición bailable. La polca popó es más ligera y graciosa, vinculada a los saltos que realizan los bailarines; la polca saraki suele ser rápida y principalmente instrumental, y la polca yekutu recibe su nombre de una forma de marcar el paso en el lugar, como si se clavaran los pies sobre el suelo.

Otra expresión es la galopa, asociada a una mayor intensidad rítmica y especialmente a la interpretación de bandas. “Cuando tiene más énfasis, se remarcan los bajos, las bordonas, por ejemplo, en el caso del arpa”, explica Szarán para referirse a cómo los diferentes acentos y formas de acompañamiento también contribuyen a generar estas variantes.

Con el paso del tiempo aparecieron además expresiones más cercanas a la música popular contemporánea. Szarán menciona la polca jahe’o, vinculada a textos y cantos sobre el desamor, el abandono, la tristeza y la nostalgia, y también la polca electrónica, emparentada con estilos de la música tropical que alcanzaron gran popularidad.

Dentro de ese universo, la polca canción ocupa un lugar particular. Se trata de una forma más lenta y próxima al canto, hasta el punto de que Szarán señala su cercanía con la guarania.

La transformación de la polca también tiene nombres propios. A lo largo del siglo XX, compositores como Herminio Giménez, Mauricio Cardozo Ocampo, Félix Pérez Cardozo, Agustín Barboza y Eladio Martínez, junto a poetas y autores como Emiliano R. Fernández, contribuyeron a ampliar el repertorio popular. La música paraguaya también encontró grandes intérpretes y difusores internacionales, entre ellos Luis Alberto del Paraná, cuya trayectoria con Los Paraguayos llevó estas canciones a escenarios de numerosos países.

La lengua y el mestizaje

Cuando se habla de la polca paraguaya, también aparece con frecuencia la idea de una supuesta raíz indígena. Szarán propone hacer una distinción.

“Hay una de las confusiones con respecto a la polca, que es sobre su supuesto origen indígena”, sostiene. Según explica, las expresiones musicales indígenas de la región presentan, en general, estructuras diferentes a las de la polca paraguaya, por lo que considera más apropiado hablar de una fuerte presencia del idioma guaraní y de la cultura que de una influencia musical indígena directa sobre su estructura.

La lengua, además, tuvo que adaptarse a las formas de la poesía de tradición española. “En el caso de la polca se tuvo que someter la expresión gráfica guaraní a la dictadura de las formas clásicas de la poesía, de la métrica de la poesía española”, apunta Szarán.

Todo esto forma parte, para el musicólogo, de un proceso más amplio de mestizaje. “La fusión de las culturas entre los europeos y los nativos” se manifestó también en la cocina, la forma de vestir, las costumbres y las expresiones artísticas. La música fue parte de esa misma transformación.

Szarán recuerda además la explicación del musicólogo Juan Max Boettner sobre el proceso de apropiación de las danzas europeas. Según ese relato, mientras las clases populares observaban desde las ventanas las contradanzas, mazurcas y otros bailes de salón introducidos por los europeos, luego llevaban esas formas a las plazas y las reproducían “a su manera”, incorporándoles su propia sensibilidad, movimientos y formas de bailar. “Se fusionan los ritmos de las danzas vecinas”, resume Szarán.

Así, la polca paraguaya fue tomando una identidad propia a partir de múltiples elementos. Un nombre europeo quedó asociado a una música que encontró en Paraguay otras formas de ritmo, de canto, de poesía y de baile.

Más de un siglo después de aquellas primeras referencias a la polca en el país, el género continúa presente en la música popular paraguaya, con variantes que van desde las formas tradicionales hasta expresiones contemporáneas. Su historia no responde a un único momento de nacimiento ni a una única influencia, sino a un proceso en el que distintas músicas y culturas fueron encontrando una forma propia de sonar en Paraguay.

Recordó que la propuesta de Lenny Jay de sumarse a su espectáculo llegó a través de un correo electrónico por parte de un agente del artista brasileño. “Siempre miro vídeos antes de responder, y eso tenía una pinta increíble. Es un gran cantante. Dedica mucho tiempo a cuidar los detalles, asegurándose de que todos los movimientos y la pronunciación de las palabras sean correctos”, comentó.

Batten, quien acompañó a Michael Jackson en las giras Bad, Dangerous e HIStory, además del Super Bowl de 1993; aseguró que con este show de Lenny Jay pudo volver a ver a tanta gente disfrutando de la música del Rey del Pop y también a nuevas generaciones acercarse a estas canciones.

“Es ver a familias de tres generaciones sentadas juntas. Grandes sonrisas; a veces la gente llora porque se emociona mucho. Es muy divertido formar parte de esto y lo paso muy bien con todos los integrantes de la gira. Los bailarines jóvenes y todos los artistas son fantásticos”, aseguró.

La artista afirmó que, a partir de su experiencia con Jackson, pudo aportar algunos detalles a este espectáculo. “Pero no hizo falta hacerlo mucho, porque ellos ya habían hecho el trabajo previo antes de que yo me uniera”, resaltó.

Jennifer Batten y su incorporación a la banda de Michael Jackson

Jennifer Batten se sumó a la banda de Michael Jackson luego de superar una audición de la que participaron más de 100 guitarristas. La artista recordó dicho proceso recordando que cada uno tuvo su propio turno, así que no tuvieron que presentarse ante los demás contendientes.

“Yo sabía que tenía la capacidad necesaria para hacerlo. Había tocado en bandas de covers, y tocar con Michael es, en esencia, tocar en una banda de covers donde todos los éxitos son del mismo artista. Así que se espera que puedas replicar la música, los sonidos y mantener el ritmo”, indicó.

Agregó que si bien se sentía bastante segura, no le comentó a nadie de su incorporación a la banda de Jackson “hasta que ya llevaba semanas y semanas ensayando, por si acaso cambiaban de opinión”. También detalló que la audición “fue un poco rara” porque no había otros músicos, solo una cámara de vídeo.

“Empecé con un ritmo funky y terminé con ‘Beat It’. Pero hice algo de improvisación espontánea en medio de todo eso. Y 20 años después vi el video, que incluía las notas de Michael; había puesto tres estrellas junto a mi nombre. Así que genial, algo salió bien”, recordó Batten.

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La guitarrista comentó además que habían ensayado durante un mes antes de poder conocer a Michael Jackson en persona. “Él veía videos nuestros tocando. Pero el día que apareció... nos habían dicho que, si le gustaba lo que escuchaba, se ponía a bailar. Y eso fue exactamente lo que hizo inmediatamente: comenzó a bailar. Fue genial. Los que no lo conocíamos fuimos pasando uno a uno para saludarlo. Y debo decir que era encantador”, añadió.

“Era como una pequeña ciudad”: la experiencia de las giras en el equipo de Michael Jackson

Jennifer Batten recuerda las giras que hizo con el multitudinario equipo de Michael Jackson como algo impresionante. “El equipo estaba formado por unas 100 personas, entre cocineros, personal de escenario, técnicos, peluquería, maquillaje y vestuario”, recordó.

Agregó que ocupaban tres hoteles distintos. “Era como una pequeña ciudad desplazándose de un sitio a otro. Fue fantástico formar parte de ese equipo; todos nos llevábamos bien y seguimos en contacto después de todos estos años”, acotó.

La guitarrista afirmó que vio la biopic “Michael”, que se estrenó este año, acerca de la vida del Rey del Pop. “La vi una vez en Italia y otra en China. La vi dos veces, pero no volveré a verla porque la escena en la que su padre le pega es demasiado fuerte para mí”, comentó.

La artista aseguró que más allá de la película, en estos espectáculos con Lenny Jay puede ver cómo la música de Jackson está impactando a nuevas generaciones.

“Lo veo en estos espectáculos. Veo a tres generaciones sentadas juntas entre el público y, simplemente, ver cómo a los niños tan pequeños les encanta. Conectan con la música, se mueven al ritmo en sus asientos y muchas veces vienen con los disfraces de Michael”, detalló. Agregó que algunos aparecen con el atuendo blanco de ‘Smooth Criminal’, la chaqueta roja de ‘Beat It’ o los guantes blancos con brillos.

“Es muy divertido ver el gran impacto que su música ha tenido a lo largo de las décadas y cómo sigue creciendo”, remarcó.

Por otra parte, la guitarrista afirmó que su canción favorita de Michael Jackson para tocar en vivo es ‘Human Nature’. “Me gustan las partes de guitarra. Es una canción realmente hermosa. Y la forma en que él la cantaba. Y cómo estaba rodeado de luces láser mientras la interpretaba. Te transportaba a otro mundo, un mundo mágico”, indicó.

Finalmente, Batten invitó al público a disfrutar de este show y aseguró que buscará renovar su vínculo con nuestro país tras haber venido con Washburn Guitars en el año 2018.

“This is Lenny’s Jay Michael”: lugar, horarios del show, entradas y más

El espectáculo “This is Lenny’s Jay Michael” se presentará en el Teatro del Banco Central del Paraguay (Federación Rusa c/ Augusto Roa Bastos). Los accesos se habilitarán a las 19:30 y el inicio del show está previsto para las 20:30.

Las entradas están en venta en Ticketea. Los precios y sectores son:

• Preferencias: G. 300.000
• VIP Plata: G. 350.000
• VIP Oro: G. 450.000
• VIP Platino: G. 550.000
• Primera Fila: G. 800.000

También está disponible un Meet & Greet con Lenny Jay y Jennifer Batten a G. 250.000. Los cupos son limitados y se pueden reservar al (0991) 543-085. Esto no incluye entrada al espectáculo producido por Top Shows y Sira Música.

“The Pitt” repitió como mejor serie dramática, y “DTF St. Louis” ganó como mejor miniserie.

La gala fue conducida por Mariska Hargitay, estrella de “Law and Order: Special Victims Unit”.

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Los otros ganadores de la noche

Mejor serie dramática: “The Pitt”

Mejor comedia: “La maldición de Widow’s Bay”

Mejor miniserie: “DTF St. Louis”

Mejor actor dramático: Noah Wyle, “The Pitt”

Mejor actriz dramática: Rhea Seehorn, “Pluribus”

Mejor actor de comedia: Matthew Rhys, “La maldición de Widow’s Bay”

Mejor actriz de comedia: Jean Smart, “Hacks”

Mejor actor de miniserie o película para televisión: Matthew Rhys, “La bestia en mí”

Mejor actriz de miniserie o película para televisión: Sally Field, “Criaturas luminosas”

Mejor actor de reparto de serie dramática: Tom Pelphrey, “Task: Unidad especial”

Mejor actriz de reparto de serie dramática: Allison Janney, “La diplomática”

Mejor actor de reparto de comedia: Stephen Root, “La maldición de Widow’s Bay”

Mejor actriz de reparto de comedia: Kate O’Flynn, “La maldición de Widow’s Bay”

Mejor actor de reparto de miniserie o película para televisión: David Harbour, “DTF St. Louis”

Mejor actriz de reparto de miniserie o película para televisión: Linda Cardellini, “DTF St. Louis”.

También arrasaron en los apartados a mejor actor y actriz de reparto, para Kate O’Flynn y Stephen Root, respectivamente, así como mejor guión y mejor dirección para una serie de comedia.

Por su parte, la serie médica The Pitt, la miniserie DTF St. Louis y el espectáculo del Super Bowl del puertorriqueño Bad Bunny quedaron empatadas con siete galardones en total cada uno.

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The Pitt se llevó por segundo año consecutivo el Emmy a mejor proyecto en el apartado de drama, con Noah Wyle, de nuevo, como ganador en la categoría a mejor actor, mientras que DTF St. Louis, de HBO, conquistó el apartado a mejor miniserie.

Jean Smart, Sally Field y Matthew Rhys hacen historia

La noche contó con varios hitos como el de Rhys, quien se convirtió en el primer actor en la historia de los Emmy en ganar en dos categorías a mejor actor principal, tanto por Widow’s Bay como por la miniserie The Beast in Me.

Jean Smart ganó su quinto Emmy (y el octavo de su carrera) como la diva de la comedia Deborah Vance, convirtiéndose en la primera intérprete femenina en alzarse con un premio a mejor actriz por cada temporada de la serie de comedia Hacks.

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Por su parte, Sally Field obtuvo el galardón a mejor actriz de una miniserie o película por Remarkably Bright Creatures, consolidándose como la más longeva en obtener este premio en dicha categoría.

La 78º edición de los Emmy también destacó por el homenaje a la partida de grandes estrellas de Hollywood como Dolly Parton, Rob Reiner y Catherine O’Hara, quienes recibieron tributos en honor a su memoria por parte de varias celebridades, como Sally Field, Macaulay Culkin o Jamie Lee Curtis.

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Asimismo, Michael J. Fox protagonizó uno de los momentos más emotivos de la gala tras recibir el premio humanitario Bob Hope, que reconocía su labor altruista en el impulso de la investigación de la enfermedad de Parkinson.

Algunas de las series que en otras ediciones brillaron por el impacto que generaron en la televisión durante los últimos años y que se despedían en esta edición como Euphoria y Stranger Things, pasaron por estos premios sin pena ni gloria.

Incluso de El Oso se fue con las manos vacías. Su última y quinta temporada solo logró un Emmy, de los 8 a los que aspiraba, a mejor actor invitado para el fallecido Rob Reiner.

Tampoco reconocieron el talento latino. El actor guatemalteco-estadounidense Oscar Isaac (Bronca), que aspiraba al Emmy a mejor actor de miniserie, fue derrotado por Rhys en The Beast in Me, mientras que el colombiano Carlos Manuel Vesga (Pluribus) perdió en la categoría de mejor actor de serie de drama.

Apenas hubo menciones políticas en esta edición. Quizás la más llamativa fue la de Alan Cummings, quien tras ganar el premio a mejor serie de competencia de telerrealidad por The Traitors, invitó a las audiencias a registrarse a votar para las próximas elecciones de medio mandato estadounidenses de noviembre.

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Entre los asistentes a este evento destacó el britanico Tom Holland, acompañando a Zendaya, así como la colombiana Sofía Vergara, quien hizo entrega de uno de los galardones.

Y uno de los momentos más sorprendentes fue cuando apareció en pantalla la estrella estadounidense Taylor Swift para hacer una parodia junto a parte del elenco de La ley y el orden.

“Josefina y Julián. Diálogos en creación”: un encuentro entre teatro, danza, música y artes visuales

La inauguración será a las 19:00 e invitará a recorrer una exposición en la que cada artista conserva la singularidad de su propio lenguaje.

“No existe una única mirada ni una estética que pretenda uniformarlas: conviven búsquedas, sensibilidades, tonalidades e interpretaciones diferentes”, señaló la asociación, que lleva 79 años de historia.

Los artistas que serán parte de esta Expo Primavera 2026 son:

• Aída Ruiz
• Alba González
• Alejandro Borja
• Amalia Wagener
• Ana Pérez de Lim
• Any Cazzola
• Beatriz Ferreira
• Beatriz Holden
• Carla Ascarza
• Carmen Manchini
• Gloria Marecos
• Gloria Valle
• José Sequera
• Marta Caggiano
• Marthú Rodríguez Alcalá
• Nannina Galluppi
• Norma Annicchiarico
• Odila Benítez
• Osvaldina Servián
• Sandra Fiorio
• Silvia Torres
• Stella Martino
• Tomás Salinas
• Verónica Fernández

La muestra permanecerá abierta hasta el próximo 24 de septiembre y podrá ser visitada de lunes a sábados, de 10:00 a 18:00 en la Galería Agustín Barrios del CCPA (José Berges c/ Estados Unidos). El acceso es libre y gratuito.

Audición Fest y el ejercicio de escuchar sin prejuicios

La historia está inspirada en el imaginario cultural y se desarrolla bajo el concepto de “arte total”, una corriente artística surgida en Alemania que plantea la integración de diferentes disciplinas en una única experiencia estética. De acuerdo con la producción, “Sobre una cama de rosas” toma esta concepción como punto de partida para explorar las posibilidades de encuentro entre distintas expresiones artísticas dentro de una obra teatral.

La producción señala que la propuesta aborda las pasiones humanas, la espiritualidad y los interrogantes vinculados con la existencia. En palabras de su director, la esencia de la obra puede resumirse como “el duelo entre la pasión humana y el devoto divino”.

Enzo Szarán tiene 22 años y se desempeña como actor, dramaturgo y director teatral. Se formó en la Academia Artística Agustín Alezzo de Buenos Aires, donde fue becado por el maestro argentino Agustín Alezzo, y también es egresado del Taller Integral de Actuación (TIA) de Asunción. Como parte de su formación, trabajó junto a referentes como Rayam Mussi, Ariel Galeano, Tana Schémbori y Lucy Yegros.

En esta propuesta, Szarán también participa de la coreografía junto a Fiorella Gómez. El elenco está integrado por Fiorella Gómez, Josefina Elías, Mayda Santa Cruz, Leila Bobadilla, Pauli Pistilli, Rebeca Riveros, Lexie Baum y Franco Nicoletto. La producción general está a cargo de GC Producciones.

El estreno será el miércoles 23 de septiembre a las 20:00 en el Teatro Municipal Ignacio A. Pane, de Asunción. Entradas anticipadas a G. 50.000 hasta el 15 de agosto.

“Sobre una cama de rosas” fue seleccionada por el Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec) en la Convocatoria Nacional de Proyectos 2026.

Asímismo, Macklemore afirmó que Kraft instó a otros dueños de estadios a vetar sus presentaciones a diferencia de lo que ocurría con Sheeran.

“Ed (Sheeran) también me contó que Kraft había movilizado a otros propietarios de estadios y que, en conjunto, le dieron un ultimátum: si Macklemore continúa en la gira, no se te permitirá actuar en nuestros recintos”, escribió el rapero en la publicación.

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Añadió que Sheeran, a quien describió como un amigo, se encontraba en una situación “jodida”.

“Me dijo que las palabras ‘Palestina libre’ y la imagen de las banderas palestinas resultaban hirientes para muchas de las personas con las que había hablado”, escribió Macklemore. “Le respondí que si esas palabras resultaban más ofensivas que las decenas de miles de niños palestinos asesinados por Israel, entonces existía una desconexión fundamental entre la postura de esas personas y la mía”.

El artista sostuvo que Sheeran quiso mantenerse como una figura pública apolítica.

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Macklemore, que a lo largo de su carrera se ha pronunciado abiertamente sobre cuestiones sociales y políticas, advirtió que le habían bastado los dos conciertos para poder llevar su mensaje sobre Palestina.

La polémica aumentó la semana pasada, cuando la cantante Pink tuvo que contestar en un comunicado las críticas que recibió tras compartir una publicación que cuestionaba a Macklemore por sus comentarios a favor de Palestina y exigía su expulsión de la actual gira de Ed Sheeran.

Día de la Polca Paraguaya: una música que encontró su propia forma de sonar

La noche comenzó a desplegarse entre propuestas que parecían venir de lugares muy distintos. Camigo llevó al escenario las canciones de su disco “Como el último día”, entre ellas “Mirate vos”, que interpretó junto a Sabb Montes. Su presentación tuvo un componente marcadamente performático, con bailarines y elementos escenográficos que ampliaron las canciones hacia una puesta pensada para ser también mirada. Había una intención evidente de construir un universo alrededor de la música.

Después llegó Oudi, y el clima cambió de inmediato. El rapero salió acompañado por banda y coristas, pero también echó mano a pistas y recursos electrónicos para construir un show que se movió con naturalidad entre lo orgánico y lo programado. Recorrió canciones de “Cool kids never die” y “Club P4nguin” mientras el público respondía con saltos, baile y una energía que dejaba poco espacio para la contemplación. Allí la escucha se volvió física: se escuchaba con los oídos, pero también con el cuerpo.

Luego apareció Joaju Cuarteto que, con una propuesta siempre precisa, volvió a demostrar por qué el grupo ocupa un lugar destacado dentro del jazz paraguayo.

Con Flor Giménez como invitada, su voz tersa atravesó “Quisiera ser” y “Flores para José Asunción”, mientras el cuarteto llevaba a su territorio jazzístico otras piezas de la música paraguaya como “Coronel Martínez”, “Avy’a jave” e “India”.

Pero hubo algo significativo en que esa música apareciera en un festival construido sobre la idea de no escuchar con prejuicios. En otro contexto, quizás alguien habría pensado que ese repertorio pertenecía a otra noche, a otro público o a otro evento. En Audición Fest, esa separación perdió sentido y eso terminó siendo una de las mejores pruebas de la idea que sostenía al encuentro: que una persona podía pasar del rap al jazz y del jazz al punk sin tener que justificar sus gustos.

Ripe Banana Skins tomó después el escenario y puso en movimiento a prácticamente todo lo que encontró delante. Con más de dos décadas de historia dentro de la escena independiente paraguaya, la banda sonó compacta y potente en canciones como “Estar vivo” y “Dulsong”. Ska, punk, reggae y rock dejaron de ser etiquetas para convertirse en una sola cosa mucho más elemental: gente bailando.

Audición para la concentración

Pero la noche todavía guardaba su momento de mayor concentración. Doce años después de aquella primera y hasta entonces única visita a Paraguay, Juana Molina volvió al país. Esta vez llegó para presentar “DOGA”, su octavo álbum de estudio y el primero con nuevas composiciones en ocho años, un trabajo nacido de años de improvisaciones y construido alrededor de sintetizadores analógicos, loops, guitarras y una lógica sonora que se resiste a permanecer quieta.

Molina apareció junto al baterista Diego López de Arcaute y convirtió el escenario en otra dimensión. Lo impresionante no estuvo solamente en los sonidos que consiguió producir, sino en lo que esos sonidos hicieron con quienes estaban delante. Había algo hipnótico en la repetición, en esas capas que se acumulaban lentamente hasta dejar de parecer simples recursos musicales para convertirse en una especie de corriente que arrastraba al público.

Las canciones se construían delante de nosotros. Una guitarra podía quedar suspendida, una secuencia podía repetirse hasta cambiar de significado y una voz podía aparecer como si estuviera llegando desde otro lugar. La música de Molina no pedía tanto ser comprendida como ser atravesada, y el público pareció entenderlo, porque durante buena parte del concierto, la sensación fue la de estar colectivamente dentro de un trance, bailando sin demasiada necesidad de saber exactamente por qué.

Después de semejante descenso hacia el interior, Taichu devolvió la noche a otro tipo de intensidad. Su presentación combinó sensualidad, actitud y una estética deliberadamente provocadora en canciones como “Dnd estás”, “Baby spice”, “Weapon” y “Freak match”. Su propuesta, vinculada al trap, la electrónica y el pop, volvió a recordar que también la imagen, el cuerpo y la performance forman parte de cómo se escucha a una artista.

Y cuando parecía que ya se había atravesado suficiente música para una sola noche, Radio Bolivia se encargó del cierre. El proyecto liderado por Lucas We llevó la fiesta hacia los sonidos tropicales y convirtió el final en una suerte de desahogo colectivo. Después de pasar por tantos paisajes sonoros, la noche terminó donde tenía que terminar: bailando.

Un necesario ejercicio de atención

Mirada desde el final, la grilla de Audición Fest podía parecer un ejercicio improbable. Camigo, Oudi, Joaju Cuarteto, Ripe Banana Skins, Juana Molina, Taichu y Radio Bolivia no compartían necesariamente un sonido, una generación ni una escena. Compartían algo más interesante: la posibilidad de convivir en los oídos de una misma persona.

Y eso fue, finalmente, lo que hizo que el festival tuviera sentido. No se trató de demostrar que todos los géneros podían caber en un mismo escenario, sino de comprobar que tampoco tenían por qué excluirse entre sí. La noche funcionó como un ejercicio de atención y entrega.

Audición Fest fue así una invitación a poner los oídos al servicio de lo que estaba ocurriendo y dejar que las frecuencias hicieran su trabajo. Algunas hicieron bailar, otras hicieron mirar, otras llevaron al trance. Todas, de alguna manera, obligaron a escuchar.

Ojalá la experiencia vuelva a repetirse. Y, sobre todo, ojalá conserve esa pequeña provocación que estuvo en su origen: recordar que disfrutar de la música no debería exigirnos pertenecer a una tribu, defender una etiqueta ni elegir un solo camino. A veces alcanza con escuchar.

Fotografías gentileza de Erwin Bukaczek @erwinbuka.

La proyección se realizará en el Auditorio Paraná, sitio ubicado sobre Jorge Memmel y Mariscal Estigarribia, en el microcentro de la ciudad. Las entradas tienen un costo de G. 10.000, con descuentos de hasta el 50% para grupos escolares.

Las funciones se realizarán en los horarios de 8:30, 9:30 y 10:30 por la mañana; 14:00, 15:00 y 16:00 por la tarde; mientras que en la noche, 18:30 y 20:00.

El evento es abierto para todo el público. La docente Fany Madrazo indicó que el costo de la entrada es para costear el predio, que es alquilado.

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El mediometraje

Se trata de una obra realizada en el marco de un proyecto del Instituto de Formación Docente del CREE en el año 2005. Fue elaborada por Duo Producciones, escrita, producida y dirigida por Ariel Schönwald. Entretanto, el equipo de producción docente estuvo compuesto por Cristina Madrazo, María Alcaraz, Victoria Samolukievich, Rossana Casanello, Adela Giles, Rita Madrazo y Adela Gallinar.

La pieza tiene 30 minutos de duración y gira en torno a testimonios de dos pobladoras de la época, Petronila Duarte de Von Willer y Clara Franco. Al término de la proyección se pasan los recortes del backstage de la producción.

Madrazo indicó que “nunca dimensionamos el valor histórico que hoy tiene esta pieza”. Esto debido a que, aparte de retomar los testimonios, fue grabada en ese entonces en la antigua Villa Baja de la ciudad, sitio que en la actualidad se encuentra debajo del subembalse del río Paraná.

El mediometraje fue declarado de interés cultural en el año 2023 por la Gobernación de Itapúa y en 2024 por la Cámara de Diputados.

Día de la Polca Paraguaya: una música que encontró su propia forma de sonar

La obra no pretende reproducir “Las brujas de Salem”, sino establecer un diálogo con ella desde una perspectiva paraguaya y contemporánea. El yopará forma parte de la identidad de los personajes y de la propia dramaturgia, mientras que el conflicto se desplaza hacia fenómenos reconocibles en la vida cotidiana: el rumor, la sospecha, el señalamiento, la culpa y la búsqueda de un responsable frente al miedo colectivo.

En ese sentido, “Kurundú” también plantea un vínculo con el presente. La histeria colectiva que atraviesa el relato de Salem encuentra un paralelo en las redes sociales, donde una acusación puede propagarse rápidamente y derivar en juicios o cancelaciones públicas. La obra pone así en escena un mecanismo que, pese al cambio de época y de herramientas, conserva su capacidad de señalar, juzgar y condenar.

El elenco está integrado por Ángel Romero, Aracely Garay, Daihana Sanabria, Derlis Troche, Fabiana Gavilán, Jeanine Llanes, Julián Galacho, Liz Oliveira, Lorena González, Marcela Lamas, Myriam Lucía, Nicole Vega, Osmar Toñanez, Romy López, Susana Morales, Nazarena Zena y Víctor Duarte.

Las funciones serán el lunes 15 y martes 16 de septiembre en el Teatro de las Américas del CCPA. Las entradas anticipadas cuestan G. 50.000 y en puerta tendrán un precio de G. 70.000. Para informes y reservas está disponible el número (0971) 779-017.

“Heroicos” llega al Teatro Municipal

La memoria cultural paraguaya será, en tanto, el centro de “Heroicos” (215 años de una patriótica historia), propuesta de la Compañía Teatral Roque Sánchez–Graciela Pastor que subirá a escena en el marco del Ciclo Primavera Teatral, iniciativa del Teatro Municipal de Asunción.

Escrita y dirigida por Alberto Sánchez Pastor, la obra recorre momentos fundamentales de la historia del Paraguay y rinde homenaje a figuras que dejaron una huella en la creación artística del país. Entre ellas aparecen Manuel Ortiz Guerrero, Julio Correa, Agustín Pío Barrios, José Asunción Flores, Herminio Giménez, Félix Fernández, Emiliano R. Fernández y Luis Alberto del Paraná, junto a otros protagonistas de la cultura nacional.

“Heroicos” tendrá dos jornadas de funciones en el Teatro Municipal Ignacio A. Pane. La primera será este martes 15 de septiembre, a las 09:00 y 14:00, y la segunda está prevista para el martes 22 de septiembre, en los mismos horarios. El acceso es gratuito.

El cantante y compositor argentino se presentará el sábado 19 de septiembre en el Arena Asunción, en el marco del Te Sigo Amando Tour, la gira que lo ha llevado por distintos escenarios de Argentina y Latinoamérica.

“Hay dos discos nuevos, hay más canciones, ha pasado mucha música en este tiempo. Pero volver a reencontrarme con el público de Paraguay me tiene muy , pero muy entusiasmado, así que no veo la hora que llegue el 19 de septiembre”, señaló.

Los dos álbumes a los que hizo referencia son: “Te sigo amando”, que da nombre a esta gira y que fue lanzado el pasado 28 de mayo con 10 canciones; y “Ahora las bailamos”, que llegó a las plataformas el 27 de agosto con versiones en cumbia, cuarteto y guaracha de sus grandes éxitos.

“Son canciones que forman parte de mi historia musical, que tienen ya muchos años, pero el hecho de hacerlas ahora en una nueva versión junto a los chicos de Un poco de Ruido, es como que a estas canciones le vuelve a dar un olorcito a nuevo una vez más”, comentó en alusión al álbum “Ahora las bailamos”.

Pereyra sostuvo que siempre ha escuchado canciones que otros artistas han tomado y han hecho en diferentes versiones.

“Los tiempos de Dios son perfectos. Reacciono a una canción que se llama ‘Si no es muy tarde’ junto a Ezequiel y La Clave, y los chicos de Un poco de ruido. Me invitan a su programa de streaming, la cantamos juntos y digo ‘bueno, por qué no empezamos y la grabamos a la canción’. Eso llevó a que la pasamos tan bien a que terminamos grabando un disco entero”, detalló.

El artista, oriundo de la ciudad de Luján, afirmó que se sintió tan contento porque, a la par de hacer este álbum que reúne versiones bailables de ‘Perdóname’, ‘Me enamoré de ti’, ‘Seré’, ‘Porque aún te amo’ y otros temas; estaba trabajando en el álbum ‘Te sigo amando’.

“Fue un año de mucha música, de muchas canciones, de muchos viajes, y obviamente para mí no podía estar Paraguay fuera de esta gira, de este tour”, indicó.

Luciano Pereyra y un homenaje musical a su madre en el álbum ‘Te sigo amando’

En relación a ‘Te sigo amando’, Luciano recordó las colaboraciones que tuvo de artistas como David Bisbal, Emanero y Silvestre Dangond. Entre las canciones de este disco también incluyó una versión en chamamé de ‘Mi primer amor’, el tema que le dedicó a su madre Ángela Gutkoski.

Al consultarle sobre esa versión, Pereyra recordó que tiene “un poco de sangre paraguaya” y que su mamá es oriunda de Santo Pipó, una localidad de la provincia argentina de Misiones.

“Mis vacaciones en la infancia siempre eran en Misiones y siempre cruzarnos al Paraguay. Y la versión de esta canción en chamamé para mí es muy especial porque es también un poco el ritmo de la tierra de mi madre, ese ritmo que también a mí me llega al corazón porque he aprendido a, a conocerlo y a escucharlo”, afirmó.

Agregó que “en homenaje a mi madre y a todas las madres quise hacer esta versión de la canción que se llama ‘Mi primer amor’”.

El artista, que comenzó su carrera a finales de la década del ‘90 como una joven figura emergente del folclore argentino, reconoció que en su trayectoria se ha abocado más a estilos como la zamba y la chacarera.

“Siempre fui como para ese lado que siempre me llamó la atención. Pero el chamamé siempre estuvo presente en mi vida. Imaginate que desde chico, toda la vida, escuchando la música del litoral”, señaló.

En este sentido, afirmó que su papá es de Entre Ríos, que también forma parte de la región litoral, por lo que “todo ese cordón de Mesopotamia musical siempre estuvo incorporado” en él.

“Siempre quise acercarme al chamamé porque me parece uno de los géneros más lindos que tenemos en nuestro folclore”, acotó.

¿Qué prepara Luciano Pereyra para su concierto en Paraguay?

“Vamos a tirar el venue por la ventana, porque vamos a cantar las baladas de siempre, vamos a cantar las canciones de siempre y presentando las canciones de este disco ‘Te sigo amando’ y obviamente haciendo las versiones en cumbia para que nadie se quede sentado”, anticipó Luciano, en relación al show de este sábado.

“La pasaremos bailando toda la noche”, agregó el artista, cuyo repertorio incluye éxitos de toda su carrera como ‘El vestido rojo’ y ‘Como tú’.

A lo largo de su carrera, Pereyra ha incursionado en distintos géneros musicales y el disco ‘Te sigo amando’ no ha sido la excepción ya que incluye baladas, cuarteto y vallenato.

Para el artista si bien son géneros distintos a la hora de interpretarlos, no resultan tan diversos al momento de escucharlos. “Es música que uno viene escuchando hace muchos años”, aseguró.

En este sentido, recordó la “playlist de discos de vinilo” de su padre con álbumes de Mercedes Sosa, Horacio Guarany, Los Chalchaleros, Frank Sinatra, Los Beatles, Dyango y otros.

“Hay un montón de artistas que forman parte de la música con la que me he criado y he escuchado toda la vida. Por ahí es algo nuevo incursionar al hacerla, por eso llamas para un vallenato a Silvestre Dangond, en el cuarteto con los chicos de La Konga, de Q’ lokura o de Euge Quevedo”, detalló.

Amplió señalando que para él la música en general, que hoy hace como músico, es parte de la música con la que se ha criado y lo ha nutrido musicalmente para poder trasladarla a sus discos.

El desafío musical que aún tiene pendiente en sus casi 30 años de carrera

Hablando de la diversidad de estilos y de propuestas que ha abarcado en sus casi 30 años de carrera musical, Luciano Pereyra señaló cuáles serían los desafíos que aún tiene pendientes.

“Hay un montón de géneros. No sé si me veo cantando heavy metal o punk en inglés. Pero quizás tal vez en otro idioma incursionar en alguna canción”, indicó.

El cantante, que en el año 2019 lanzó un álbum con versiones sinfónicas de sus canciones, afirmó que sí le gustaría en algún momento hacer algo con una big band. “Pero por ahora estoy muy contento con todo lo que vengo haciendo”, subrayó.

Finalmente invitó al público a ser parte de este show, en el que también celebrará anticipadamente su cumpleaños, que es el 21 de septiembre.

“Van a ser momentos muy lindos de compartir, toda nuestra historia musical. Los espero este 19 de septiembre a toda la gente, que ahí nos podamos encontrar”, concluyó.

Entradas para ver a Luciano Pereyra en el Arena Asunción: precios y sectores

Las entradas para el show de Luciano Pereyra en el Arena Asunción (Avda. Eusebio Ayala c/ Pasaje Tembetary) siguen a la venta a través de Tuti. Los precios y sectores son:

• Platea: G. 220.000
• Preferencia Norte: G. 300.000
• VIP Bronce: G. 420.000
• VIP Plata: G. 500.000
• VIP Oro: G. 600.000
• VIP Platino: G. 800.000

Las entradas para los sectores Primera Fila, Segunda Fila, Palcos y Preferencias Sur ya están agotadas. Como artista invitado del show estará Alam Cañete.